The cycle of endings and creations: The 2026 Newport Dance Festival

2026年7月17日、ロードアイランド州ニューポートのグレート・フレンズ・ミーティング・ハウスにて。

ニューポート・ダンス・フェスティバルは、私のお気に入りの夏の恒例イベントです。ここにはしばしば、ほろ苦い側面があります。多くのカンパニーが協力し、多様なビジョンや声を提示する創造性に溢れている一方で、ニューポート・コンテンポラリー・バレエのダンサーたち（年次ガラ公演を除き、シーズン最後の公式プログラムとなるため）にとっては、最後となる公演が含まれているからです。

今年の作品には、自由やアメリカのアイデンティティというテーマが組み込まれていました。ダニエル・ジェネストの『Outcry』と『Fugitive Ground』、アニエラ・フイドブロ・カストロの『Raíces Vivas（Living Roots）』が含まれており（これらはすべて以前レビューしたことがあります）、建国250周年の今年、心に響くものがありました。

ダヤン・ジョンの『The Shape We Become』の抜粋（これも以前レビュー済み）は、人生の紆余曲折を通じた対人関係のダイナミクスと個人の成長を考察したもので、自由や社会的文脈と絡み合っていました。変化と創造のサイクルは、私たちのより広い国家や社会においても増殖しています。ダンスはその鏡となり得ます。

次に続いたのは、アリソン・クック・ビーティ・ダンスによる『Houston Street Hootenanny』で、絶対的な楽しさがありました。8人のダンサーからなるアンサンブルは、1970年代風の衣装（トニー・ムスコによる）を身にまとい、ボブ・ディランの音楽に合わせて、広々と、活気に満ち、恐れを知らずに踊りました。彼らは、体系化された語彙と、自分たちの自由な動きで「グルーヴする」ことの間を行き来しており、それがこの「パーティー感」の鍵となっていました。

クック・ビーティの鋭い空間構成は、そのエネルギーとアクションをすべて読み取りやすく、消化しやすいものにしていました。この作品は、彼女の新鮮で革新的なコンセプトとも合致していました。ダンサーたちは、彼ららしく生き生きとした、献身的な演劇性をもたらしました。彼らは、肩を揺らす動きから、回転を生み出すための手足の投げ出しまで、このコンセプトが求める野生的な解放感をもって動いていました。

ディランの楽曲の歌詞や、時に衣装として、時に小道具として使われた星条旗により、愛国的なテーマも否定できませんでした。ここでは、アメリカの誇りとアイデンティティが、喜びを伴う創造性や団結と結びついているように見えました。私にとって、それこそが私たちの最良の姿であり、このような作品はそれを思い出させてくれます。

続いて、AVID（Artistic Ventures in Dance）による厳格な『Atoll』が上演されました。エミリー・スピードが振付し、ブルック・ギリアムとスペンサー・ウェザリントンが踊りました。アン・マリー・キーンによる脈動するスコアと、デュエットのパートナー同士の空間的な緊張感――重力の押し引きが、空間の中で展開する物理学を推進していました。長いラインと滑らかな円運動、そしてダンサーたちの最高のクラシック的精度が、経路を明確に保っていました。

私は、もっと脆弱さやリスクを取る姿勢を求めていました。この芸術形式において非常に魅力的となり得る、コントロールを失い、再びそれを取り戻すような動きです。この称賛すべきデュエットで提供された技術的な卓越性と振付の緻密さに、それが何をもたらしただろうかと考えました。

私は、ダヤン・ジョンによるもう一つの記憶に残る作品、同じくデュエットの『Entre Les Notes』（ローレン・コレットとジュール・マビーが踊る）で、その脆弱さとリスクを取る姿勢を見ることができました。コレットはリフトの中でマビーに溶け込み、前方に折りたたまれる際に胴体を完全に解放し、彼の支えを信頼していました。

螺旋は、タイトル通り、音符の間の空間を横切るようなジェスチャーへと移行しました。背骨と関節の微妙な変化が、音が真空を残した空間を満たしました。このコンセプトを機能させるには、動きの構築と実行の両面で卓越した音楽性が必要であると思われますが、それらの要素が混ざり合い、ここでは成功していました（アルフォンソ・ペドゥートによるスコア）。

エミリー・ベイカーの『Shattered Glass』は、彼女にとって少し様式的な転換であり、それ自体が称賛に値するものでした。そして彼女は、コンフォートゾーンから消えない何かを作り上げました。ダンサーが登場する際のゆっくりとした歩みや、息をのむような背骨の収縮から、ある種のシンプルさがありました。タイミング、動きの形成、空間におけるダンサーの組織化はすべて、控えめで気取らない質を提供していました。

ダンサーにとって、よりゆっくりと動くことは難しい場合があります（持続にはコントロールが必要だからです！）。振付家にとっては、少ない方が豊かであると知る意識が必要です。ここでの一貫した明瞭さと統一感は、高速で運動能力の高い動きよりもインパクトがあるように感じられました。作品が規模や速度を増したときでさえ、根本的で、否定できず、時代を超越したものと密接に結びついていました。

それは、ベイカーが掲げたテーマ、つまり人口の半分である女性を制限するガラスの天井の難しさと共鳴しています。スコアの側面やダンサーの演劇性、特に終盤のより陰鬱で内省的なセクションは、悲哀を吹き込んでいました。おそらくそれは、ガラスの天井が長年にわたって何にアクセスできないようにしてきたかを理解することから来ているのでしょう。

しかし、それ以上に存在していたのは、ダンサーたちが体現した団結でした。常にお互いを持ち上げ、他者の道を触媒し、共に立ち、前進する姿です。最後のイメージでは、何人かのダンサーが立っている一方で、他のダンサーはステージに倒れ込んでいました。ガラスが砕けたと見る人もいれば、決してそうは見ない人もいるかもしれませんが、全員がその破壊の一部となっていたのです。

アリソン・クック・ビーティ・ダンスによるもう一つの作品――雰囲気は全く異なりますが、同様に記憶に残る――がプログラムを締めくくりました。『Enlightenment』です。マディ・バーネットの冒頭のソロは、憧れ、情熱、そして粘り強さを醸し出していました。これは、作品に付随するマーティン・ルーサー・キング・ジュニアの説教「Drum Major Instinct」の鍵となるものです。エネルギッシュなバーネットから始まり、アンサンブルは再び、キングの深い思想と演説の熱烈さを体現し、素晴らしい演劇性をもたらしました。

クック・ビーティは再びアンサンブルを組織し、ダイナミックなアクションを消化しやすいものにしました。激しい形は歪みを伝え、ステージへの転倒はキングが描写した自己破壊を伝えました。タイミングもまた影響力がありました。休止は、アルヴォ・ペルトのピアノ演奏と組み合わされたキングの演説のドラマを倍増させる役割を果たしました。