Meet Anna Clyne and Lizzie Ball: The trailblazing women leading classical music’s generational revival - The New Feminist
アンナ・クラインとリジー・ボールに聞く：クラシック音楽の世代的復興を牽引する先駆的な女性たち
クラシック音楽は、主に女性たちの活躍によって大きな復興を遂げています。私たちは、このジャンルの最前線に立つアンナ・クラインとリジー・ボールに、なぜ新しい世代がようやくクラシック音楽に注目し始めているのかについて話を聞きました。
数十年にわたり、クラシック音楽は伝統を過度に重んじる、排他的で近づきがたい芸術形式という評判を払拭するのに苦労してきました。何世紀にもわたり、大陸をまたいで紡がれてきた美しく豊かな歴史を持つジャンルである一方で、根深い構造的不平等も抱えています。Donneの研究によると、世界のコンサートレパートリーの分析において、女性が作曲した作品はわずか7.5%に過ぎません。
しかし、ここ数年でクラシック音楽の状況は変化しています。クラシック音楽は、長年リーチに苦労してきた層と一貫して関わりを持ち始めており、聴衆はそれに対してより多くのことを求めています。
Z世代は、親の世代よりもクラシック音楽を聴く傾向があります。Feverによるこの層への最近の調査では、世界的にソーシャルメディアがライブ音楽への関心を再燃させており、特にこの層はジャンルを超えた革新的なライブパフォーマンスを求めていることが示唆されています。
この世代の音楽消費に関するデータはまだ出始めたばかりですが、Z世代の文化的傾向や嗜好から、この変革の重心に女性がいることは明らかです。今日、音楽界で最も成功している女性たち（ロザリア、RAYE、レイヴェイ、セイント・ヴィンセント、レディー・ガガ）の一部は、積極的にクラシックの技法を取り入れ、著名な作曲家とのコラボレーションを求め、ライブパフォーマンスに伴奏するオーケストラを探しています。
かつてクラシック音楽が畏敬の念と伝統を求めていたのに対し、今日の聴衆は、アルゴリズムが支配する世界において、開放性、実験性、そしてより革新的に感じられるものを評価しています。作曲家、演奏家、聴衆としてこの変化を推進する女性たちは、階層よりもコラボレーションを、予測可能性よりも実験を、そして消費する芸術とのより深い感情的なつながりを求めているようです。
この文化的瞬間がなぜ異なって感じられるのかを理解するため、私はこの進化の中心にいると考える2人の先駆的な女性に話を聞きました。グラミー賞にノミネートされ、アイヴァー・ノヴェロ賞を受賞した、現在最も演奏されている作曲家の一人であるアンナ・クラインと、世界的に著名な音楽家であり、「Classical Kicks」の創設者、そして現在ロニー・スコッツ・ジャズ・クラブの「Classical」部門のクリエイティブ・共同ディレクターを務めるリジー・ボールです。彼女たちのキャリアは驚くほど異なりますが、ジャンル、聴衆、芸術的アイデンティティの間の厳格な境界線を受け入れることを拒否しているという点で共通しています。2人とも、21世紀のクラシック音楽がどのような姿であり得るかを再定義しています。彼女たちの物語は、クラシック音楽の復興が単に若い聴衆を引きつけるというだけでなく、異なる価値観を持ってこのジャンルにアプローチすることであることを示唆しています。
新作『Sirens』の世界初演の前日、私はロンドン中心部で、アンナ・クラインの忙しいプレススケジュールの合間を縫って彼女に会いました。イギリス生まれで現在はニューヨークのハドソンバレーに住むアンナは、クラシック音楽のある家庭で育ったわけではありませんが、家族の友人が鍵盤の欠けたピアノを寄贈してくれた後、7歳で作曲とピアノ演奏を始めました。大学の最終学年まで、彼女の作曲は主に独学で、ピアノ、そしてチェロが「想像力を自由に解き放ち、瞑想のひとときを持つ」ための空間として機能していました。
予想通り、オックスフォード出身の独学の少女から、国際的に最も有名な作曲家の一人になるまでのアンナの道のりは、決して平坦ではありませんでした。彼女は卒業後にニューヨークへ移った数年間を「挑戦的」だったと表現し、生計を立てるために花屋で働くなど「想像力」を働かせる必要があったと語りました。こうした挫折にもかかわらず、プロの音楽家になる過程でコミュニティとコラボレーションがいかに重要であったか、それが創造的なインスピレーションの源であり、何が可能であるかの証明であり、また実用的な助けの源でもあったという話に感銘を受けました。
困難な時期を乗り越えられた理由を尋ねると、彼女はジュリア・ウルフ、マリン・オールソップ、そしてスティーヴ・ライヒといった指導者たちが彼女を庇護し、フィードバックを与え、より広い音楽家ネットワークを紹介してくれたと述べました。やがてこれがカーネギーホールからの委嘱につながり、「一つが次へとつながった」のです。「クラシック音楽コミュニティの本当に美しいところの一つは、まだ非常に草の根的であり、世代を超えたサポートネットワークが存在することです」と彼女は言いました。
アンナは、自身の素晴らしいキャリアと、いかに自分がユニークであるかについて謙虚でした。振り返ってみると、彼女は「マンハッタン音楽院の同級生で唯一の女性だった……でも、私はただ突き進んだだけ」と語りました。
クラシック音楽でフルタイムのキャリアを築く女性のモデルがほとんどなかった当時、どれほど困難だったか想像に難くありません。作曲という「孤独な性質」を心地よいと感じる彼女にとって、女性が依然として過小評価されている分野で自分を確立することは、忍耐、自身の芸術的声への確信、そして自分自身の条件で場所を切り開く決意を必要としました。
今日に至るまで、アンナが自らの道を切り開かなければならなかったことは明らかです。彼女の音楽はそれを反映しています。彼女の作品は媒体やジャンルを横断し、文学を参照し、芸術と関わっています。彼女は映画音楽やヒューストン・バレエとのプロジェクトにも取り組んできました。現在、作品の委嘱を受ける際、多くの場合「パラメータ（制約）がない」ため、文学、芸術、詩からインスピレーションを得て、自身の芸術作品をプロセスに組み込むことさえあります。
アンナの音楽を聴くと、このレベルの開放性とコラボレーションが輝いています。彼女は「コラボレーションは作品に異なる視点をもたらし、私自身の技術を別の角度から検証する機会を与えてくれる」と語りました。
聴衆の視点から見ると、彼女の作品は他のアーティストを参照することで固定されています。