Anthony Hopkins and the lost art of the amateur - iwa.wales

ステイシー・ジャーヴィスが、アンソニー・ホプキンスのチャート1位を獲得したアルバムに関連して、アマチュア・アーティストの役割について論じます。

88歳のアンソニー・ホプキンス卿は、自身初となるオーケストラ作品集をリリースし、最近英国のクラシック・アルバムチャートで1位を獲得しました。しかし、『Life Is a Dream』というアルバムを、彼の作曲家としての人生の始まりと表現するのは完全に正確とは言えません。ホプキンスは60年以上にわたって作曲を続けてきました。彼は子供の頃からピアノを弾き始め、彼自身の言葉を借りれば、音楽は彼の「最初の欲望であり、最初の願い」でした。

8月21日にデッカ・クラシックスからリリースされたアルバム『Life Is a Dream』は、ホプキンスの人生の様々な段階で書かれた12の作品を収録しており、フィルハーモニア管弦楽団が演奏し、グスターボ・ドゥダメルが指揮を担当しています。これらの作品は、彼の妻や家族の思い出、そして子供時代のウェールズと密接に結びついています。

彼の『1947組曲』の一部である『Bracken Road』は、南ウェールズのマーガムを想起させます。そこは、彼が子供時代を過ごした家の周囲にあった通り、野原、そして山々です。ホプキンスがこのメロディを最初に思いついたのは1963年、リヴァプール・プレイハウスで若手俳優として働いていた時のことでした。リハーサルの前、彼は舞台裏のピアノに座り、即興演奏をしていました。60年以上を経て、この個人的な音楽のアイデアがオーケストラ録音の一部となりました。

別の作品『My Fatherland』は、伝統的なウェールズのメロディに基づいています。ホプキンスはこれを「私のささやかな出自を称える」試みであると説明し、「私はパン屋である父の息子です」と付け加えています。最近のガーディアン紙のレビューでは、この曲に6つの伝統的なウェールズの旋律が組み込まれていることが指摘されています。

ラテン語の「amateur（愛好家）」に由来するこの言葉は、主に職業としてではなく、愛や傾倒から特定の活動に従事する人を指していました。

長年にわたり、全く異なる公的なキャリアと並行して創作活動を継続していることには、注目すべき点があります。ホプキンスは俳優として国際的な評価を得ましたが、その一方で作曲を続けました。彼の人生の大半において、作曲は彼の職業的アイデンティティの範囲外に存在していました。

今日、私たちはそのような創造的な人生を「アマチュア」という扱いにくい言葉で表現するかもしれません。問題は、私たちが「アマチュア」と「素人くさい（amateurish）」を混同するようになったことです。今日、誰かをアマチュアと呼ぶことは、品質に対する判断のように聞こえることがあります。それは訓練や真剣さの欠如、あるいは専門的な基準に達していない作品を暗示する可能性があります。しかし、かつての「アマチュア」という概念は、はるかに豊かなものでした。ラテン語の「amateur（愛好家）」に由来するこの言葉は、主に職業としてではなく、愛や傾倒から特定の活動に従事する人を指していました。

ヨーロッパの音楽史の大部分において、アマチュアとプロフェッショナルの境界線は、私たちが想像するよりもはるかに曖昧でした。

私が研究している19世紀の音楽文化は、現代の専門的な基準ではきれいに分類できないような、音楽生活に参加する人々で溢れていました。居間やサロンでは、熟練したアマチュアが著名な演奏家や作曲家と直接交流することができました。人々は自宅や公共の場で演奏し、歌い、即興し、作曲しました。音楽は、主な収入源でなくとも、真剣な知的・感情的な追求対象となり得たのです。

実際、19世紀の音楽生活の多くは、この文化に依存していました。録音やラジオ放送が普及する前は、自分で音楽を演奏することが、音楽を体験する主な方法の一つでした。居間のピアノは単なる家具や社会的地位の象徴ではなく、家族や友人が新しい作品を発見し、歌手の伴奏をし、オーケストラやオペラ作品の編曲を演奏し、自分たちの音楽を作曲することを可能にしました。

しかし、専門化は、創造性には許可が必要であると考えるよう私たちを促してきました。

女性は、社会的な慣習によって公的な専門職としてのキャリアが困難、あるいは不可能であった時代でさえ、この音楽の世界において特に活動的な参加者でした。その結果、私的な音楽制作と公的な音楽制作の区別は、特定の音楽家がどれほど熟練し、知識があり、影響力があったかについては、驚くほど何も語っていませんでした。

もちろん、このシステムには欠点もありました。アマチュアの過去を美化することは、それを切り捨てることと同じくらい誤った考えでしょう。楽器、レッスン、楽譜、音楽の集まりへのアクセスは、富や社会的地位に大きく依存しており、性別や階級が、誰が音楽の能力を公的なキャリアに変えられるかを制限していました。

私たちは音楽の専門化を嘆くべきではありません。音楽院、プロのオーケストラ、専門的な訓練は、前の世代がほとんど想像できなかったような機会と基準を生み出しました。しかし、専門化はまた、創造性には許可が必要であると考えるよう私たちを促してきました。

私たちは、誰かが真の作曲家、作家、音楽家、あるいはアーティストであるかどうかを問いかけます。私たちは資格、組織への所属、委嘱、録音、そしておそらく最も重要なこととして、それがその人の生計を立てる手段であるという証拠を探します。創造的なアイデンティティはますます専門化しています。俳優は演じ、作曲家は作曲し、ピアニストはピアノを弾くのです。

ホプキンスは、この区分を奇妙なものに見せています。

彼は、伝統的なアマチュア音楽家のイメージにはほとんど当てはまりません。『Life Is a Dream』は、イギリスを代表するオーケストラの一つによってドゥダメルの指揮で録音され、主要なクラシック音楽レーベルからリリースされました。彼のワルツ『And the Waltz Goes On』は、このアルバムがリリースされる何年も前に、アンドレ・リュウを通じて幅広い聴衆に届いていました。デッカは、ホプキンスがリュウの録音への貢献により、2012年にクラシック・ブリット・アワードを受賞したと記しています。

音楽は、必ずしも市場や聴衆を意図した製品として始まる必要はありません。

しかし、これこそが彼の物語を非常に興味深いものにしている理由です。アマチュアはどの時点でプロフェッショナルになるのでしょうか？音楽が録音された時でしょうか？演奏された時でしょうか？