5 Questions to Ali Balighi (composer)

作曲家、エレクトロアコースティック音楽家、教育者であるアリ・バリギは、従来の和声システムの境界にある不安定な領域で最も快適に活動しているようです。アコースティック演奏、ライブ生成エレクトロニクス、固定メディアにまたがる作品において、バリギの広大なポスト・トナル（調性後）の世界を構築するアプローチは、シリアル主義と古代ペルシャのダストガー旋法システムの交差点から始まります。

シリアル主義は、ヨーロッパの半音階を基準とした「十二音」作曲法として言及されることが多いものです。バリギはペルシャの調律をモデルとして、オクターブをさらに細かく分割することで楽曲を構成しています。2025年の作品『Dastgah: Algorithmic Explorations of Persian Microtonality and Serialism』では、オクターブを17音の音階に分割し、マイクロトーンの和声による質感のある煌びやかなサウンドスケープを創り出しました。この作品は、彼が近年のコンピュータ音楽制作で多用しているオープンソースソフトウェア「SuperCollider」内で構築・演奏されました。さらに、彼の作品の多くでは空間が重要な役割を果たしており、『Dastgah』はリスナーを囲む前後左右のスピーカーを通じた4チャンネル再生を意図しています。

バリギの次作アルバム『Micromorphosis No. 5: Algorithmic Explorations of Microtonality』（7月1日、Post Orientalism Musicよりリリース）は、1時間ごとのセグメントに分割された24時間の連続的な楽曲で、彼の概念的かつ生成的な宇宙を深く掘り下げています。SuperColliderで操作された34のバイオリンサンプルの録音ライブラリを使用し、和声構造は7、14、15、30音に均等分割されたオクターブのシーケンスを循環します。各サイクルは重力場のように機能し、音楽を一時的に調和させた後に解放します。すべてのパラメータはプログラムによってランダムに制御されるため、サイクル内のどの曲も同一ではありません。その結果、銀河規模で動作しているかのような電子的なエオリアン・ハープが生まれます。

『Micromorphosis No. 5』のリリースおめでとうございます！この作品の構造には、地球の自転や昼から夜への移ろいといった宇宙的な類似性を容易に見出すことができます。この作品の極端な長さに、より深い意味はあるのでしょうか？

ありがとうございます！『Micromorphosis No. 5』はオープンエンドな作品ですが、制限されたシステム内でのオープンエンドです。SuperColliderでアルゴリズム的に作曲されており、決定的な録音として固定されているわけではありません。それぞれの実現は、同じ基礎となる文法から生成された一つの可能な表面に過ぎません。私は、このシステムがどれだけ生成可能か、そして制限されたマイクロトーン環境からどれだけの新しい視点が生まれるかを示すために、24時間分の音楽を録音しました。

長さが重要なのは、その調律システムが権威を獲得し、失うための時間が必要だからです。オクターブの各等分（EDO）は、一時的な和声の法則として機能します。それは現れ、反復を通じて定着し、そして溶解し始めます。短い実現では、それらの変化は通常の移行のように聞こえてしまうでしょう。私はここで、リスナーにピッチの基盤そのものが不安定になる体験をしてほしかったのです。

タイトルはこれを直接反映しています。「Micromorphosis」は、マイクロトーンの「micro」と変容の「morphosis」を組み合わせたものです。この作品は、マイクロトーン空間内での変容について扱っています。私は異なるマイクロトーン音階間の変調の新しい論理を探求しており、それはアコースティック楽器だけでは達成できないものです。SuperColliderは、音符だけでなく、調律システムそのものを動かすことを可能にしてくれました。

したがって、24時間という長さは宇宙的な意味で象徴的なものではありません。その重要性は知覚的かつ手続き的なものです。耳がマイクロトーンの音階を信じるまでにどれくらいの時間がかかるのか？そして、リスナーが完全に慣れ親しむ前にその音階が変容し始めたら何が起こるのか？この長さは、信頼、変化、そしてリアルタイムで展開される和声的不安定さの体験に関するものです。

SuperColliderで構築する作品の背後には、驚くべき複雑さがあります。アコースティック楽器やライブ演奏者のために書く場合、アプローチはどのように異なりますか？

アコースティック楽器のためにマイクロトーン音楽を書くには、根本的に異なる2つのアプローチが必要です。楽器がその伝統の中にすでにマイクロトーンのシステムを持っている場合、プロセスは完全に自然に感じられます。2025年の第7回テヘラン電子音楽祭および2021年のサンフランシスコ音楽院ホット・エア音楽祭で演奏されたタールと固定メディアのための作品『Daramad』は、これをよく示しています。ペルシャの古典音楽にはマイクロトーンが基礎に組み込まれているため、私はその内部システムを有機的に活用しました。結果は伝統的なペルシャ音楽のようには聞こえないかもしれませんが、ピッチへのアプローチは楽器にとって完全に慣用的なものでした。

西洋楽器のために書くことは、予想よりも障害が少ないです。多くの現代の演奏家は、24-EDOや48-EDOといった定義されたマイクロトーンの枠組みにすでに精通しており、それが信頼できる共通の基盤を提供しています。また、厳格な記譜法の要求を完全に回避する方法を見つけることもあります。2025年にMITのトーマス・タル・コンサートホールで演奏された弦楽器と固定メディアのための『The Wind Will Carry Us Away』では、53-EDOシステムはほぼ完全に電子レイヤーに存在し、弦楽器パートは拡張奏法やグリッサンドを通じてマイクロトーン空間をナビゲートします。これにより、演奏者は正確なマイクロトーン記譜法に縛られることなく、私が構築したピッチの世界を流動的に移動することができます。

あなたのコンピュータベースの作品の多くは、基礎となるコードに組み込むランダム性の予期せぬ結果に焦点を当てているようです。これらの結果を観察する文脈において、あなたの創造的なアイデンティティはどこにあると考えていますか？

この文脈における私の創造的アイデンティティは、作曲家の役割として伝統的に関連付けられてきたものから大きく変化しました。歴史を通じて、作曲家は単に音符を書くのではなく、制約のシステムを構築することによって作者性を再定義してきました。バッハは対位法の法則を厳格な枠組みへと体系化しました。