Musikfest Berlin 2026 Review: Porgy and Bess

ジョージ・ガーシュウィンの『ポーギーとベス』は、単一のジャンルに収まりきらない作品である。オペラ、ブロードウェイ、ジャズ、黒人霊歌、ポピュラーソングが共存しつつ、その音楽言語はまぎれもなくガーシュウィン独自のものである。ベルリンへの再訪にあたり、ケープタウン・オペラはロンドンを拠点とするチネケ！オーケストラと提携し、エンリケ・マッツォーラ指揮、マグダレン・ミナール演出によるセミステージ形式の公演をフィルハーモニーで開催した。

ベルリンはこの作品と深い関わりがある。1952年にアメリカの巡回公演団がティタニア・パラストで11公演を行い、当時25歳だったレオンタイン・プライスがベス、ウィリアム・ウォーフィールドがポーギー、キャブ・キャロウェイがスポーティング・ライフを演じたのがベルリン初演であった。今回の最新公演はそれほど贅沢な舞台装置は備えていなかったものの、フィルハーモニーという空間の制約が、ガーシュウィンの登場人物たち、そして何よりもそのスコアへ注意を集中させるのに驚くほど効果的であった。

【ガーシュウィンを前進させ続ける】

エンリケ・マッツォーラは『ポーギーとベス』について極めて根本的なこと、すなわち「音楽が動き続けなければならない」という点を理解していた。オペラハウスやコンサートホールでこの作品を上演する際、音楽に過剰な重みを与えてオペラとしての格式を強調したくなる誘惑が存在するが、マッツォーラはそれに抗った。彼の解釈はエネルギッシュでリズムの感度が高く、ガーシュウィンの音楽様式の変遷を過度に強調することなく自然に展開させた。

チネケ！オーケストラは極めて感度の高いパートナーとなった。ロンドンで設立され、多様な出自を持つ音楽家で構成される同楽団の演奏には魅力的な直接性があった。リズムは歯切れよく保たれ、オーケストラの音色は透明であり、そしてセミステージ形式において極めて重要なことに、歌手たちがマッツォーラの率いる大編成の力に埋もれることは決してなかった。

スコアは必要な時にはスウィングし、同時にマッツォーラはガーシュウィンの長い叙情的な旋律が広がるための空間を与える術も心得ていた。その結果、スコアを感傷的に誇張することも、単なるアメリカ風シンフォニック作品として扱うこともない演奏となった。代わりに、ジャズ、ブルース、黒人霊歌、ポピュラーソング、そしてグランドオペラという多様な要素が互いに自然に交わり合うことが許されていた。

【キャットフィッシュ・ロウの中心にて】

ケープタウン・オペラは力強いアンサンブルを提供し、バス・バリトンのシヤブレラ・ントラレ演じるポーギーと、メゾ・ソプラノのノンフランフラ・イェンデ演じるベスという2人の主役がその中心を担った。

ントラレはポーギーに声楽的な存在感と豊かな人間味をもたらした。感銘を与えたのは感傷の排除であった。彼は障害によって定義づけられた人物としてではなく、予期せぬ愛の可能性によって変容した人物として描かれた。ントラレはキャラクターの寛大さと傷つきやすさを、悲壮感に陥ることなく説得力を持って提示し、イェンデとの関係も自然に深まっていった。

イェンデも同様に説得力のあるベスであり、同時にいくつもの方向に引き裂かれる威厳ある女性を表現した。ポーギーと彼がもたらす安心感への惹かれも、クラウンや麻薬、スポーティング・ライフが提示する逃避の約束に惹かれるもう一人のベスを完全に消し去ることはなかった。ベスを劇的に魅力的にしているのはまさにこの不安定さであり、イェンデはそれらの矛盾を無理に解決しようとせず共存させた。彼女とントラレは共に、公演の感情的な核心を築き上げた。

テノールのルカニョ・モヤケによるスポーティング・ライフは、声楽面での説得力にはやや欠けた。演劇的には大いに楽しめるものがあり、日和見的なよそ者としてキャットフィッシュ・ロウを軽快に動き回り、隙を見定めてはそれを正確に利用した。モヤケは舞台上でかなりの自信をもって役を具現化したが、歌唱においてはスポーティング・ライフを真に危険な人物に見せるための容易さと鋭敏さが一部不足していた。人物造形が約束したものが、最終的な歌唱で十分に届けられたとは言えなかった。

ソプラノのブリタニー・スミス演じるクララは、冒頭から不穏な空気を醸し出した。オペラ全体の中でも知名度の高さゆえにおそらく最も難易度の高いナンバーである「サマータイム」は、単なる美しい子守唄にとどまらず、不安を帯びたものとして響いた。子どもを、そして自分自身をも安心させようとする母親の心情が、音楽に適切な不吉な予兆の底流を与えていた。

彼らを取り囲むケープタウン・オペラの他の歌手たちも、本物のコミュニティの感覚を作り出していた。これは『ポーギーとベス』において極めて重要である。キャットフィッシュ・ロウは主役たちが悲劇を演じる単なる背景ではなく、その住民こそが悲劇を生み出す土台そのものだからである。

【コンサートホールに舞台を創り出す】

演出のマグダレン・ミナールは、フィルハーモニーでのセミステージ形式オペラ特有の長年の難題に直面した。それは、明らかに別の目的のために設計された空間の中に、いかにして演劇的な世界を創り出すかという課題である。彼女の解決策は、完全な舞台制作を模倣しようとするのではなく、人物造形に集中することであった。

その手法は成功した。人物たちは、身振りや視線、あるいはコミュニティの他のメンバーに対する反応といったわずかな要素によって、速やかに際立った個性を獲得した。ミナールは動きを明瞭に保ち、過剰な舞台装置を用いずに人間関係を刻み込むことを可能にした。

ヤシーン・マニュエルの振付は特に巧みであった。限定された演奏スペースに従来の舞台振付を無理に詰め込むのではなく、利用可能な空間を賢明に活用した。動きはコミュニティの生活に不可欠なものとして感じられ、音楽演奏を妨げることは決してなかった。

作品が作曲された時代にしっかりと根ざしたマリサ・ヴィサヘによる写実的な衣装は、舞台装置では提供できない視覚情報の多くを補った。ミナール、マニュエル、ヴィサヘは、フィルハーモニーの制約を効果的に利点へと転換させた。演出、振付、衣装というそれぞれの職務は、アントワネット・ホイセンによる合唱指揮によって補完された。

しかし、最終的にこの夜はガーシュウィンのものであった。1935年の初演からおよそ1世紀を経て、この作品はなお力強く響いた。