Любовь Носова: Моя задача – быть на стороне композитора
指揮者のリュボフィ・ノソワ、カザンでの現代音楽プロジェクト「Synesthesia Lab」や新音楽の演奏へのアプローチについて語る
カザンで、現代音楽の野心的なプロジェクトの一つである「Synesthesia Lab」が終了した。このフェスティバルの全プログラムは、時を超えた作品の対話を構築しており、それはオープニング・コンサートで最も明確に示された。グレブ・チュチャリン（GCh）が、ノヴァヤ・オペラ劇場およびニジニ・ノヴゴロド・オペラ・バレエ劇場の指揮者であり、フランスのアンサンブル・アンテルコンタンポランのアシスタントを務めるリュボフィ・ノソワ（LN）に、選曲、新しい音楽の意義、そしてその演奏におけるリーダーの役割について話を聞いた。
GCh：オルガンとチェンバロから始められましたが、これらは今日新作があまり書かれない楽器です。そこからどのように指揮や現代のレパートリーへと移行したのですか？
LN：私はピアニストとして、よりロマン派的な作品から始めました。その後、より古い音楽へと深く入っていき、ある程度の時間を経て20〜21世紀のレパートリーに辿り着きました。私にとってこの道筋は非常に自然なものでした。一つのスタイルを深めるだけでなく、多様なスタイルを広げて知る方向に進み続けるなら、現代音楽への到達は不可避であるという意見には、多くの方が同意してくれると思います。私は現代音楽をずっと恐れていたため、取り組む決心をしたのはそれほど昔のことではありません。「難しすぎる、どうやってすべてを習得すればいいのか」と、自分には無理だと思っていました。しかしその後、職業的な情熱が湧き、リスクを取って単に興味から始めました。出発点となったのは、パリでのアンサンブル・アンテルコンタンポランのリハーサルで偶然耳にしたフィリデイの《レクイエム》でした。その時、この団体の生き生きとした雰囲気に魅了され、数か月後にはアシスタントとして働き始めました。ピアニストとしてのバックグラウンドは私の仕事や実践に常に存在しています。器楽奏者として、演奏のニュアンスの心理を推測したり、作品をどのように準備すべきかを感じ取ることができます。演奏会のために演奏者の体力を温存すべき瞬間や、後回しにせず今まさに完璧さを追求すべき場面が分かります。
GCh：アンサンブル・アンテルコンタンポランで活動し、常に新しい音楽に接していますが、興味は維持できていますか？ 作品に取り組む意欲をどのように見出していますか？
LN：多くの場合、それは「この作品からどのように意識的なステートメントを生み出せるか」という職業的な興味です。最も難しいのは、演奏者が拠って立つ足がかりを与えることだと思います。すぐにはそれが見つからない作品もありますが、指揮者の最大の役目は、作曲家自身さえ込めていなかったかもしれないものを音楽の中に見出すことです。例えば、ロマン・パルホメンコの作品《音は静まった》に取り組んだ際、リハーサルで私は「見て、ここに『怒りの日（Dies irae）』のモチーフがあるんじゃない？」と言いました。すると彼は「ああ、そうかもしれないね」と答えました。そのようなポイントを演奏者に説明すると、結果に深みを与える意識が生まれ、それが私の目指すものであり、成功となります。作品がすぐに違って響き始め、方向性が生まれ、どこへ向かい何を聴いているのかが理解できるからです。そうすれば演奏者は空虚な音やテキストを出さなくなります。ロマン派の知られた作品でも完全に無思考で演奏すれば誰の心にも響きませんが、性格やイントネーション、特定のジャンルを与え、その作品が自分たちや聴衆に何をもたらすかを理解・自覚すれば、意味を獲得し聴衆の心へ直接届くのです。
GCh：演奏者はあなたの解釈をどれくらい変えられますか？
LN：それは常に生きたプロセスです。完全に固まった解釈を持って臨むのは危険です。なぜなら意図した通りには決してならないからです。もちろん私自身のビジョンはありますが、コンサート本番に至るまで常に変化しますし、本番中にも変わる可能性があります。創造の過程で生まれる即興の瞬間があり、毎回少しずつ異なります。リハーサルでは生きた音に出会い、多くの新しいアイデアが浮かび、それらは他の音楽家のアイデアによって豊かになります。共通のコンセプトを作り上げることができたときは非常に嬉しいです。
GCh：現代音楽において、作曲家の意志とあなたの解釈の境界線はどこにありますか？ 作曲者と直接対話できることはプロセスを容易にしますか、それともストレスになりますか？
LN：作家は作品を書き終えた瞬間、その作品とは無関係になるという考え方がとても好きです。影響を与えることをやめ、作品は解釈の中で生き始めます。作曲家自身が演奏することもありますが、それが成功の保証というわけではありません。当然ながら、その音楽の背後にいる人物と深く話し合い、その立場や根拠、どんな意図を込め何を聴きたいと考えているかを解明できる機会は非常に貴重です。作曲家が常にそれを明かしてくれるとは限りません。非常に個人的で親密な事柄である場合もあります（それも自然なことです）。多くの場合、対話は演奏のための付加的な刺激やインサイトを与えてくれます。ストレスフルな状況も生じますが、作品の解釈にはそれも必要だと認めています。
GCh：「Synesthesia」のオープニングプログラムには、（ヴェーベルン編曲による）バッハ、リゲティやグバイドゥーリナという馴染み深い20世紀作品、そして超現代的なパルホメンコが含まれていました。このコンサートはどのように構成したのですか？
LN：このプログラムに名前を付けられるとしたら、「空間と時間との戯れ」と題するでしょう。これこそが、互いに全く異なる作品群を結びつけている要素です。バッハとウェーベルンが世紀を超えた対話であり、ウェーベルンの技法による現代音楽の理解であることは明らかです。ロマン・パルホメンコの作品における古楽と現代音楽の繋がりについては、『怒りの日』のモチーフを通じてすでに説明しました。彼自身が必ずしもその意味を込めようと考えていたわけではないとしても、私たちはそれを聴き取り、見出し、示しました。リゲティに関しては、コンサートの中で常に時間と空間との戯れが存在しています。私たちは常に一定のリズムを感じており、その論理を理解し始めた途端に...
