Rigor and release: Pacific Northwest Ballet’s Serenade
パシフィック・ノースウエスト・バレエがバランシン『セレナーデ』、ラング『Pages』、ラトマンスキー『展覧会の絵』を上演
シアトル・センターのマッコー・ホール（ワシントン州シアトル）、2026年9月24日〜10月5日（バーチャル視聴）。
バランシン作品には興味深い緊張感がある。極めてクラシックで形式化されていながら、非常に独特なスタイリングを持ち、当時としては画期的であり、この芸術形式の形成に寄与した。それはコンサートダンス全体にも言えることであり、体系化された技術と構造が、独自の創造的発見や芸術的達成の出発点となる。
パシフィック・ノースウエスト・バレエの2026-2027年シーズン開幕公演『セレナーデ』は、ダンス芸術における容易さと努力のこのスペクトラムについて考えさせるものだった。タイトルでもあるバランシン作品がプログラムの冒頭を飾ったが、このダイナミクスは他の2作品からも響き合い、非常に満足のいく効果を生み出していた。
調和のとれた夢のようなバランシンの名作『セレナーデ』（1934年）でプログラムが開幕した。すっきりとした舞台構成にポーズをとるダンサーたちから始まり、水色の照明（照明デザイン：ランドール・G・キアレッリ）と飾りのないロマンティック・チュチュ（衣裳デザイン：カリンスカ）によるエレガントな美しさが広がった。手を伸ばす動きから、シンプルで優美なポール・ド・ブラへとつながる。あらゆる面で、この作品は「バランシン的ミニマリズム」の好例であった。
動きは時間と空間の双方で広がりと層を増していったが、明瞭さと形式的な構成によってエレガントなシンプルさの感覚が保たれていた。コール・ド・バレエは、変化するフォーメーションの舞台像を、視覚的に鮮明であり、かつそれ自体が呼吸する生きた有機体のように感じさせ続けた。
それらの特質は、進行するにつれて層を重ねながらも明確な中心の旋律を維持するスコア（チャイコフスキーの1880年の『弦楽セレナーデ ハ長調』）に寄り添っていた。パフォーマンスの質はその相互作用を反映し、各アーティストが動きに自らの個性を発揮することを損なうことなく、コール・ド・バレエは高度に統一されていた。
コール・ド・バレエが戻る前に、ワルツのような軽快なパ・ド・ドゥが新たな形でその統一感に幕間をもたらした。ソリストは小柄な身体から印象的な広がりと強さをもって魂のこもった演技を披露した。彼女のパートナーは揺るぎなく安定していながら、軽やかで遊び心のある雰囲気も醸し出していた。
そのいずれにも、技術や運動能力のこれ見よがしな誇示、いわゆる「花火」のような派手さなどは含まれておらず、技巧の要求が高まり続ける現代において新鮮に感じられた。同時に、素早い小さなジャンプや複雑な体重移動がふんだんに盛り込まれ、バランシンの振付は俊敏なスピードを大いに求めていた。
また、作品の冒頭への言及も挟み込まれた。手のひらを横に、わずかに上に向けて差し出し、手の届かない何かに手を伸ばすような仕草である。コール・ド・バレエはそのジェスチャーに切望のニュアンスさえ込めていた。バランシンは構造を理解しており、随所に見られるこうしたより遅く瞑想的な瞬間が、エネルギーに満ちたセクションをより一層楽しく記憶に残るものにしていた。
提供された多彩なエネルギーは、魂へのバランスの取れた食事のように、観客をより満ち足りた気持ちにさせただろう。バレリーナたちが（文字通り）髪を解き放つ4人編成のセクションは、奔放な解放感さえももたらした。長い髪はターンや広がりのある形に広がりを加え、置かれた文脈の規範からの解放感をもたらした。美しい光景でその幕は幕を閉じた。女性の一人がリフトされ、両腕を高く掲げながら舞台袖の光に向かって歩んでいく。それは、そのような解放がもたらす高揚感を見事に体現していた。
ジェシカ・ラングの雰囲気豊かで興味をそそる『Pages』（2026年）は、トーンの大きな変化をもたらした。幻想的な歌声に伴われ、ダンサーたちは影を出入りし、互いに、そして時折自ら動くセットのピースとともに空間を進んでいった。魅力的な影や舞台上に高く吊るされた1脚の椅子といった要素からの不気味な雰囲気は、この作品を「不気味な季節」にぴったりのものに感じさせた（この種の作品が好きなファンは、来月の同団による『ゴースト・ストーリーズ』を心待ちにできるだろう）。
技術に基づきながらも激しい動きや予期せぬジェスチャー、隠されるのではなく時に露わになる動的な葛藤を伴うラング独自の動きの語法も、私たちが『セレナーデ』の世界から大きく離れたことを告げていた。アラベスクでの複数回のターンといった技巧的な要素は、身体的な重みは決して悪ではないという感覚と調和し、この世界の中ではすべてが受け入れられていた。
空間的・リズム的な構成も多様性を見せた。ダンサーたちは時にユニゾンを見せたが、他の場面（そしておそらくより頻繁に）では、光と影、解放と緊張というこの設定の中で、時間と空間を共に調整しながら自律的な存在として行動した。
小道具の使い方にも新しさがあり、目と心を楽しませる要素が多く存在した。赤い絨毯のような（しかし白い）布をあるダンサーが剥ぎ取ると、装飾のない大きな白いブロックが現れた（装置デザインもラングが担当）。彼女はそこに大きな黒い文字で「TRUST」と書いた。この作品は予期せぬもの、不確かなもの、型破りなものを多く提示したが、最終的には何が起ころうとも信頼し安心感を持つことを思い出させてくれた。
プログラムを締めくくったのは、アレクセイ・ラトマンスキーによる活気に満ちた楽しい『展覧会の絵』（2014年）であった。ダンサーたちの頭上と後方には、抽象的で極めて多彩な色彩を持つ巨大な絵画のブロックが吊り下げられていた（ワシリー・カンディンスキーの1913年の『色のお勉強。同心円の正方形』に基づく、ウェンダル・K・ハリントンによるプロジェクションデザイン）。アンサンブルはひと塊の状態から広がり、モデスト・ムソルグスキーの1874年のエネルギーに満ちたスコアに即座に応えた。素早いジャンプ、速いターン、大きな笑顔。彼らの衣裳も同様に明るく楽しく、多彩な色使いと模様の様々な形状が特徴的だった（アデリーヌ・アンドレによるデザイン）。
その熱気は、やがてクラシックの語彙の中に腰の回転やうねるような背骨によるジャジーなクールさを取り入れた、やや神秘的なソロへと変化した。前のものから変わったソリスト背後の絵画には、青い背景に不規則に配置されたドットが描かれており、その神秘性は彼女の動きに見られる遊び心ある探求と一致していた。
この作品も、前の2作品と同様に――（原文途絶）
