Princeton Festival 2026 Review: Madama Butterfly

6月12日にニュージャージー州プリンストンの旧知事公邸モーベンで上演されたプリンストン・フェスティバルの『蝶々夫人』では、観客が目にする蝶々夫人と、耳にする蝶々夫人が別々の人物であった。主演のトニ・マリー・パルマートゥリーは声帯の感染症により、舞台上で演技のみを行い、ブレンナ・マーキーがセットの裏からスピーカーを通じて歌唱を増幅させる形をとった。皮肉にも、この演出はプッチーニが書いた物語と、現代アメリカの寓話という二つの物語を同時に提示することとなった。

【存在と不在】

マーキーは、ソプラノのレパートリーの中で最も過酷な役の一つを、歌手がめったに直面することのない条件――カーテンの裏から全編を歌うという状況――で演じきった功績がある。彼女の声はリリック・スピントではなくフル・リリックであり、その重みが影響していた。第1幕に求められる遊び心を抑えるような音の重さがあり、15歳の少女という設定が、完成されたプッチーニのヒロインのように聞こえ、第2幕の傷ついた女性への変化も、色の変化というよりは同じ色の延長のように感じられた。彼女の声は低音域で安定し印象的だったが、高音域では圧力により支えが薄くなる場面もあった。しかし、このような困難な状況下でマーキーは称賛に値するパフォーマンスを見せた。

「ある晴れた日に」は、頂点というよりは中継点のように聞こえた。フレーズの終わりが閉じられ、ダイナミクスによる変化が不足していた。マーキーの声が音響システムを通していたため、オーケストラのクライマックスを乗り越えられたかどうかを判断するのは不可能である。第2幕の終わりには、マーキーの声は少し疲れているものの、十分に機能していた。舞台上の口パクを行うパルマートゥリーとのタイミング合わせは見事だった。

パルマートゥリーは、舞台上に確かな存在感をもたらした。しかし、口パクであることは否応なくヒロインを実体のないものにしており、無視することはできなかった。二人の歌手が舞台上で相互に反応し合うことと、一人がパントマイムをすることの間には大きな隔たりがある。手紙のシーンが最も顕著で、ジョエル・バルズン演じるシャープレスは蝶々夫人の読解を妨げることに明らかな恐怖を抱いていたが、二人の交渉としては成立していなかった。バルズンは役柄に必要な道徳的重みをもたらし、この夜の良心といえる存在だった。

ヴィクター・スターキーのピンカートンは、この公演で最も優れた歌唱の一つだった。その声は力強く英雄的で、プッチーニには少し大きすぎるほどだった。純粋で金管楽器のような響きは注目を集め、高音も鳴り響いた。「さらば、愛の家」は真のリリックな柔らかさと偽りのない恥じらいを持って歌われた。第1幕の魅力は明確で、なぜ蝶々夫人が彼を信じるのかが無理なく理解できた。彼の肖像はカリカチュアと人間の間に位置しており、それはオペラがキャラクターに求める場所である。

この夜の最高のパフォーマンスは、ケイラ・ナントの鈴木だった。彼女の声はマーキーと美しく調和したが、沈黙の中での演技が心に刺さった。第3幕での蝶々夫人に対する反応は、言葉のない瞬間として最も衝撃的だった。ナントは歌唱の派手さではなく、卓越した演技で観客を魅了した。

【ミラノフとプリンストン交響楽団】

セットの裏に隠れたロッセン・ミラノフはテンポをうまく管理し、オーケストラは一晩中だれることなく演奏を支えた。ミラノフの指揮スタイルについては、彼と楽団員の98％が姿を見せていなかったため言及できない。ミラノフの指揮の下で浮かび上がったのは、スコアの主題的な皮肉であり、蝶々夫人の音楽に織り込まれたアメリカ国歌が、現在のアメリカの行動と立場に対する現代的な告発として響いた。

【オリエンタリズムの問題と腕章】

この『蝶々夫人』はオリエンタリズムの問題を意識しており、衣装デザイナーのニール・フォーティンは、伝統的な日本衣装のデザインを融合させることで、安易なエキゾチズムから脱却した。赤、白、青がランプや衣装に繰り返し使われ、エキゾチズムよりもアメリカを強調した。軍事的権威も覆された。ピンカートンの軍服は勲章で飾られ、海軍士官というよりはベルボーイのように見え、シャープレスの軍服は領事ではなく軍政官のように見えた。二人がつけた星条旗の腕章は、現在の政治情勢におけるこの演出の立場を明確にしていた。

腕章が重みを持つのは、『蝶々夫人』が今日、より強い力を持って響く「権力の寓話（砲艦外交）」であるという認識があるからだ。軍事力の象徴であるピンカートンは、権力構造が許すものを奪い、破壊し、シャープレスと鈴木を瓦礫の中に残して去っていく。イヴ・サマー監督の解釈において、現代の国際情勢を読み解くことは容易である。