La música contemporánea y sus preguntas sin respuesta

アルヴィン・ルシエやジョン・ケージから、ヘラルド・ガンディーニやチャールズ・アイヴズに至るまで、現代音楽と、私たちの期待がいかに聴くものに影響を与えるかについての考察。

セバスティアン・ポッツィ・アッツァーロ著

「私は今、あなたが占めている部屋とは別の部屋に座っている」。作曲家でありサウンドアーティストであるアルヴィン・ルシエの有名な作品『I am sitting in a room』（1969年）は、録音機とテキストを読み上げる声という非常にシンプルなプロセスから始まる。次にその録音を再生し、別の録音機がその再生音と、ほとんど知覚できない程度の環境音を記録する。このプロセスを32回繰り返すと、予期せぬ要素が明らかになる。部屋の特性がオーバーダビングのたびに特定の倍音を強調し、最終的には元の声をほぼ完全に打ち消す持続音を形成するのだ。

この作品は現代音楽のメタファーとして機能し得る。特に、その名称に反して決して新しいものではないこの広大な創造の領域に、魅力を感じられない聴衆にとってはなおさらである。ジョン・ケージの有名な『4分33秒』が実験音楽の批判者たちによってジョークとして扱われがちなのに対し、ルシエの作品は、ケージがより概念的に提示したものを具体的に聴く可能性を提示している。

現代音楽とは、その創造の瞬間に、音楽とは何かという限界や境界を探求するものとして理解できる。おそらくこのような定義は、なぜ1世紀前の作品を「現代的」と呼ぶのかを理解する助けになるだろう。現代性とは、その時代と共にあること、そしてその時代の中に存在する境界を再定義することによって生じる。100年前、その境界は調性（そしてある程度は音色）であったが、今日の探求は多岐にわたる。空間性、身振り、芸術作品の存在論そのもの、そしてその歴史である。

音楽は、その時代において伝統や音楽的遺産が何を意味するのかを探求することで現代的になり得る。ヘラルド・ガンディーニが『Eusebius』で行ったように、シューマンのピアノ曲をフィルタリングして特定の音程で特徴づけられた4つの断片を抽出し、それらを重ね合わせることで元の作品を再構築するような手法である。

あるいは、マウリシオ・カーゲルのルネサンス楽器のための作品のように、楽器の歴史について問いかけることもできる。現代オペラは、声楽の旋律線から物語の存在、ドラマとして提示される一連の出来事まで、ジャンルを構成するものと私たちが想定している各要素を（過負荷または欠如によって）限界まで押し進めることができる。

もし本コラムが現代音楽に関する考察の場を開くことを意図しているならば、聴取のためのいくつかの「公理」を提案できるかもしれない。それらは決定的でも排他的でもなく、単に別の聴き方への招待である。厳密には、一つの問いから始めることができる。「私が聴いているものは、期待していたものとどう違うのか？」。期待していた進行をせず、時間が停止したような言説か？調和のとれた和声を期待していたのに不協和音か？馴染みのある声を期待していたのに、音色が混ざり合い、かすかで、認識不可能か？

その問いは枝分かれし、チャールズ・アイヴズの作品のように（少なくとも言葉では）答えがないかもしれないが、それは良い出発点となる。その音楽が好きか興味があるかは保証されないが、少なくとも関係を築き、期待と実際に鳴っている音との間の距離が提案の一部であることを理解できる。

「私たちは皆、致命的に現代的である」と、ホルヘ・ルイス・ボルヘスは、当時の前衛から遠い文学を実践していると非難された際、皮肉を込めて指摘した。この作家の考えを採用しよう。なぜならそれは真実だからだ。私たちがコンサートに出席するとき、その瞬間に音楽家が私たちに与えてくれるものは、私たちにとって常に「現代的」なのだ。