HAYDN, Orlando Furioso – Esterhaza

昨年のハイドネウム音楽祭で上演され、我々を完全に魅了した『アルミダ』に続き、今年上演された『騎士オルランド』もまた、我々を魔法にかけるような素晴らしい公演であった。音響の質が変わったわけではない。同じアポロンの間で、オルフェオ管弦楽団の音楽家たちの質の高い演奏を聴く喜びは今回も健在であり、ジェルジ・ヴァシェジの指揮は、変わらぬ柔軟性とエネルギー、そして注意深く貪欲なまでの正確さを備えていた。しかし、今回初めてこの作品を指揮したヴァシェジは、音楽の音符を一つも犠牲にしないことを強調しつつも、いくつかの乾いたレチタティーヴォをカットする選択をした。この選択は、作品を魅力的にするテキストの要素を消し去ってしまうという欠点がある。なぜなら、伝統的に崇拝されてきた登場人物たちが、それによって本来の尊敬や称賛に値しない側面を露呈し、予期せぬ愉快な不敬さが作品に宿るからである。

例えば、アンジェリカがメドーロの長期間の不在を案じて愛する人を想う際、非常に若い男性、あるいは少年の特徴を示す言葉を用いる。これは、愛と高潔さの化身であるはずのキャラクターが、実際には思春期の少年に翻弄される成熟した女性である可能性を想像させる。メドーロ自身も、遅刻の理由を説明する際に臆病ともとれる慎重な態度を見せるが、レチタティーヴォをカットすることでその側面が消えてしまう。ロドモンテの従者パスクアーレは主人同様のほら吹きだが、今回のコンサートでは彼がパリでの数々の征服を自慢する場面は聴かれない。また、メドーロがアンジェリカを守るために戦いに挑む際、彼女が攻撃者に「女性である自分を尊重してほしい」と懇願する場面の曖昧さも、カットにより失われてしまった。

誤解のないように言えば、これらの選択を批判するのではなく、それが作品の受容の仕方を方向付けていると指摘したい。「英雄喜劇」と定義される本作は、指揮者自身が認めるように本質的に喜劇である。パスクアーレの二つのアリア（ロッシーニを予感させるシッラバート唱法のアリアと、自身の音楽的才能を誇るアリア）や、羊飼いのエウリッラとの愛の二重唱は維持されており、聴衆に喜びと楽しみを与えた。

しかし、音楽はたとえ悪戯っぽくとも、状況を強調するアクセントに満ちている。その優雅さ、輝き、そして緊張感は、パスクアーレの「勝利」の場面（金管と打楽器の饗宴）においてさえ、パロディ的な意図を凌駕し、音楽を勝利の凱歌へと変貌させる。英雄的でドラマチックな側面が優位に立つのである。いずれにせよ、この演奏の音響的な美しさに圧倒された聴衆としての我々の認識は、この解釈が必然的な説得力を持って迫ってきたということだ。指揮者の手は繊細な緻密さで楽譜を形作り、オーケストラからは活力があふれ出していた。重苦しさも退屈さもなく、ハイドンの旋律の創意と作曲技法が生き生きと伝わってきた。なぜハイドンのオペラはこれほどまでに上演機会が少ないのか。そこからすでに『ドン・ジョヴァンニ』や『フィガロの結婚』の萌芽を聴き取り、感動せずにはいられない。

この幸福感は配役にも支えられている。英雄カップルのアンジェリカとメドーロに対し、羊飼いのエウリッラとほら吹き従者パスクアーレのカップルが対照をなす。庶民の恋に悲劇はなく、互いに惹かれ合えばすぐにそれを伝える。エウリッラを演じたエラ・マーシャル・スミスは、2025年の『アルミダ』でも注目されたが、今回もそのしなやかで俊敏な声でキャラクターを生き生きと表現した。パスクアーレ役の若きテノール、ヴァルガ＝トート・アッティラは、昨年同様、ロッシーニ的なシッラバート唱法や高い技術を要するアリアを見事に歌い上げた。レポレロの親戚のようなこのほら吹き役を、今後さらに余裕を持って演じることだろう。

ロドモンテ役のセーパル・シルヴェステルは、権威の誇示に重きを置いた解釈に感じられたが、カロンテ役ではその声の深みが役柄に完全に適合していた。メドーロ役のメジェシ・ゾルタンは、洗練された音楽性と技術的習熟度をもって、この騎士道的な愛の模範という難しい役柄を繊細に表現した。アンジェリカ役については…（原文中断）