Augustin Hadelich: ‘Nunca me siento solo sobre el escenario’

アウグスティン・ハーデリッヒ：「ステージの上で孤独を感じたことは一度もない」

忍耐強さは、偉大なヴァイオリニストになるために不可欠な資質の一つです。アウグスティン・ハーデリッヒの場合、その忍耐力は15歳の時に経験した深刻な事故を乗り越える上で決定的な役割を果たしました。チェチナの家族の農場が火災で全焼し、彼は重度の火傷を負い、1年以上にわたって音楽活動の中断を余儀なくされました。おそらくその経験ゆえに、1984年にトスカーナでドイツ人の両親のもとに生まれたこのヴァイオリニストは、今日、国際的なヴァイオリン界の偉大な人物の一人となっています。彼の演奏スタイルは、並外れた技術的厳格さと完璧な音程に、稀有な表現の自由を組み合わせています。それは、キャリアを断たれかねなかった障害を、前進するための刺激に変える術を知っていたからこその成果です。ハーデリッヒは20年前から、イタリアとドイツに加え、第三の故郷を見つけました。それはアメリカ合衆国です。このインタビューで彼が語るように、文化のるつぼであるという性質のおかげで、彼はこの国に完全に自分を重ね合わせています。まさにその考えが、今年ルツェルン音楽祭のテーマである「アメリカン・ドリーム」のインスピレーションとなっており、彼はそこでアーティスト・イン・レジデンスを務めています。

トスカーナでの子供時代から始めましょう。当時の思い出は何ですか？

故郷という概念を考えるとき、私はすぐにトスカーナとその風景を思い浮かべます。私の最初の記憶は、私が育ったオリーブ畑、ブドウ畑、そして森と結びついています。しかし、私の母国語はドイツ語です。なぜなら、私たちはイタリアに住むドイツ人の家族だったからです。今、私はアメリカに20年住んでいるので、ある意味で、これら3つの国すべてが私のアイデンティティの一部となっています。

お父様はプロの音楽家ではなかったそうですが、ヴァイオリンの最初の基礎を教えたのはお父様だったと読みました。その後、どのように教育を受けたのですか？

父の両親はプロの音楽家だったので、父は基本的な知識を持っていました。そして、他の先生に習う必要があることをすぐに理解しました。やがて私たちは頻繁にドイツへ旅行し、クリストフ・ポッペンやイゴール・オジムといった様々な師匠のオーディションを受けられるようにしました。

以前、「ドイツはメンタリティの問題で、本当の意味で私の故郷にはならなかった」とおっしゃっていましたね。どういう意味でしょうか？

私はドイツ文化が色濃い環境で育ちました。家ではいつもドイツ語を話していました。同時にイタリアの学校に通い、音楽教育は両国を行き来していました。イタリアではウート・ウーギ、ドイツでも先生につき、9歳の頃からコンサートのために定期的にドイツへ通っていました。そうした強い文化的影響にもかかわらず、気候や食文化だけでなく、人生に対する特定の理解の仕方のせいで、ドイツは私の故郷にはなりませんでした。おそらく、イタリアでもドイツでも完全に自分の居場所だと感じることがなかったからこそ――両国を知り、深く感謝してはいますが――20歳でニューヨークに移り住んだとき、初めてその感覚を経験したのです。そこで私は「メルティング・ポット（人種のるつぼ）」という感覚を味わいました。初めて、自分がどこから来たのかを説明したり、一つのアイデンティティを選んだりする必要がなかったのです。アメリカでは、同時に「ドイツ人であり、イタリア人であり、アメリカ人」でいることができました。

ウート・ウーギに師事されましたが、彼は多くの人にとって、偉大なイタリアの伝統に深く結びついた演奏スタイルを体現する存在です。彼から何を学びましたか？

真に卓越したヴァイオリニストの演奏を初めて見て聴いたのが彼でした。私は8歳で、深く感銘を受けました。長い間、彼の音色が私の大きな基準でした。彼の演奏は非常に叙情的で音楽的であり、私に非常に重要な影響を与えました。彼にとって不可欠だったのは、キャラクター、感情、叙情性であり、技巧そのものではありませんでした。実際、彼から個別のヴァイオリンレッスンを受けたわけではありません。シエナのキジアーナ音楽院のコースに参加し、そこでウーギの前で演奏しました。11歳になるまで、3回の夏をそこで過ごしました。

その後、ジュリアード音楽院で学びました。特定のヴァイオリンの流派に属していると言えますか？

今日では、過去ほど明確なヴァイオリンの流派は存在しません。12歳か13歳の時、幸運にもアマデウス弦楽四重奏団の第一ヴァイオリン奏者であり、イタリアに家を持っていたノルベルト・ブライニンのレッスンを受ける機会がありました。彼からは多くのことを学びました。特に音楽的なセンスについてです。当時はヨーロッパでの演奏がますます誇張されるようになっていた時代でした。先生たちはよく「演奏で何をするにしても、極端にやりなさい」と言いました。しかし、ブライニンは音楽に語らせることを教えてくれました。彼は「Less is more（少ないことは、より豊かなこと）」という言葉をよく繰り返していましたが、私はそれを決して忘れていません。それが、後にジュリアード弦楽四重奏団のジョエル・スミルノフに師事することを決めた理由の一つでもあります。室内楽奏者のメンタリティから多くを学べると思ったからです。彼は、すでに機能しているものを変えようとするのではなく、私自身の芸術的個性を発見し、それを発展させる手助けをしてくれた素晴らしい先生でした。

2006年のインディアナポリス国際ヴァイオリン・コンクールでの優勝が、キャリアの大きな転換点となりました。コンクールとコンサートでは、演奏の仕方は本当に違うものですか？

心理的な観点から言えば、その違いは非常に大きいです。コンクールでは他の音楽家と「戦って」いると感じますが、コンサートでは彼らと「共に」音楽を演奏します。その感覚は本当に不快なものです。少なくともインディアナポリスでは、参加者を大切にし、音楽祭のような雰囲気を作ろうとしていました。いずれにせよ、コンクールでは自分自身に忠実であり続け、審査員を喜ばせるためだけに演奏を変えてはいけないと思います。

バルトークの有名な言葉「コンクールは馬のためのものだ」を引用させてください。コンクールは必要悪なのでしょうか？

残念ながら、多くの場合……