'Outlaws of early music': Arthouse17 brings queer passion, migrant memory to Korea - 헤럴드경제

オーストリアの古楽アンサンブルが10月17日まで5都市を巡る初の韓国ツアーを開催

「古楽のアウトロー」が静まり返ったコンサートホールを揺るがす

「クィア受難曲」はLGBTQ+迫害のレンズを通してバッハを語り直す

「楽章の間で拍手し、ステージ上で笑ってほしい――私たちはその繋がりを求めている」

イエスの苦難を描いたバッハの『ヨハネ受難曲』の旋律は変わっていない。約300年前に作曲された音楽の上で書き直されたのは、その物語である。かつて聖書の迫害の物語があった場所に、LGBTQ+の人々の苦痛が置かれた。2022年のオランダ・ユトレヒト古楽音楽祭において、アンサンブルは1730年と1731年にまさにその都市で起きた同性愛者への迫害をステージ上に再現した。その結果生まれたのが、オーストリアのグラーツを拠点とする古楽アンサンブル「Arthouse17」による作品『クィア受難曲』である。ピリオド楽器（時代楽器）で数百年前の響きを蘇らせることに専念する世界において、彼らは「古楽のアウトロー」というニックネームを獲得した。

「私たちはそれを褒め言葉として受け取っています。既存の型にきちんとはまらないこと、他とは違うことをしているという意味ですから。私たちは違っていることが好きなのです」（Arthouse17）

Arthouse17は今回初めて韓国を訪れている。アンサンブルは土曜日に高陽アラムヌリでツアーを開幕し、日曜日にアートセンター仁川、水曜日に世宗芸術殿堂、木曜日に大邱コンサートハウス、そして10月17日に統営国際音楽堂で公演を行う。チェンバロおよびリコーダー奏者のミヒャエル・ヘル、作家・ドラマトゥルクのトーマス・ヘフト、ヴィオラ・ダ・ガンバ奏者のゲオルク・クローネイスという3人の共同芸術監督全員が来韓した。ソプラノのゾフィー・ダインマン、グラミー賞受賞歴のあるバリトンのディートリヒ・ヘンシェルも舞台に立つ。

アウトローたちの唯一のルール：他と違うこと

古楽は一般に18世紀半ばまでに作曲された音楽を指し、羊の腸から作られたガット弦などのピリオド楽器や当時の演奏習慣を通じて再現される。昔の響きを忠実に再現することは長年この分野の定義的な美徳とされてきたが、Arthouse17はそれにとどまらない。「300年前の演奏を全くそのまま再現することは不可能ですし、おそらくそれが最大の価値というわけでもありません」とアンサンブルは語る。

「私たちがピリオド楽器で古楽を演奏するのは、作曲家が親しんでいた音の世界を発見したいからです。しかしそれは出発点にすぎません。バロック時代に楽器がどのように機能したか、テンポがどのように設定されたかを知ることは、演奏に必要な基本的な枠組みにすぎません。現代的な解釈は、今日の音楽家が楽器を手にしたその瞬間に始まるのです」（ミヒャエル・ヘル）

Arthouse17の演奏は慣習を打ち破る。バロック時代には存在せず、1829年にウィーンで特許が取得された楽器であるアコーディオンは、アンサンブルの不動の編成となっている。ヘンデルのアリア「オンブラ・マイ・フ」を演奏する際にも、彼らは古楽のテンプレートをひねる。ヴィブラートを排除する「本格的」なアプローチではなく、1930年代の音楽家のスタイルを選択した。すなわち、ヴィブラートとグリッサンドを多用した弦楽器と、より豊かで厚みのある歌声である。このアリアは、ペルシャの王がプラタナスの木を讃える歌である。なぜそのように演奏するのか？

「それが並外れて美しいからです。木へのこの奇妙な愛の歌は、普段古楽で耳にするものとは異なる響きをまとうことで、はるかに甘く美しくなりました。それこそが、私たちが音楽に向き合う際に享受している自由のひとつです」（ミヒャエル・ヘル）

彼らの大胆さは歴史を捨てることから来るのではなく、歴史を熟読することから来ている。ヘルはそのアプローチを「非常に歴史的なもの」と表現する。過去の音楽家たちは、作品を再演する際に初演を繰り返そうとはしなかった。オペラに新しい歌手が入れば、アリアはその歌手に合わせて変更された。「常にその場の状況に適応させていたのであり、それは私たちにとって極めて重要なことです」とヘルは語った。「このツアーのすべての公演で音が異なることを願っています」。慣習は打ち破られるが、常に音楽を新しく解釈し直すという昔の音楽家たちの精神は受け継がれている。

400年前の痛み、今日の痛み

過去の音楽は、現在の物語を携えて生まれ変わる。かつて17世紀や18世紀の宮廷や教会に独占されていた音楽を通じて、Arthouse17は今日の少数派や移民の苦しみに声を届ける。

古楽の巨匠ニコラウス・アーノンクール（1929〜2016）のもとで20年以上ドラマトゥルクとして働いたヘフトは、アーノンクールの言葉を借りて「古楽に根ざしたヒューマニズムは普遍的である」と主張する。

「400年前に人々が被った苦しみと、今日人々が被っている苦しみ――原因は異なるかもしれませんが、苦しみという事実は変わりません。芸術作品に人間的なメッセージが込められていないなら、演奏されるべきではありません。400年前に人々が人間の問題に対して与えた芸術的な答えを使って、今日の問いに答えることができるのです。理解、多様性、コミュニケーション、平和――これらは昔も今も変わっていません」（トーマス・ヘフト）

Arthouse17は古楽を「瓶に入った手紙」と見なしている。それは遠い昔、時の流れに投じられた感情に満ちた手紙である。「200年前、400年前の人々も、私たちと全く同じ人間でした」。

このツアーの後半を構成する『Remember Me』は、アンサンブルの思考を凝縮した音楽劇である。グループによると、これはホロコースト記念日のためにウィーン・コンツェルトハウスから委嘱されたことから生まれたという。ホロコーストに直接触れるのではなく、彼らはそれを「移住、亡命、離散についてのより普遍的な物語」――故郷を離れ、不確実性の中で新しい居場所を見つけるために旅立った人々の物語として表現している。

「彼らが携えているのはメロディです。100年前に作られた歌が、新しい家を探す人々に慰めを与えるために何度も何度も歌われます。持っているものは失うことができても、決して失うことのできないものがあります――記憶と感情です。それらを保持する音楽やメロディは、希望が常にそこにあることを私たちに教えてくれます」（トーマス・ヘフト）

厳粛さもまた時代遅れの慣習である――静まり返ったホールを目覚めさせる時だ

数多くの境界を越えてきたアンサンブルにとって……