Q & A: Azrieli Commission for International Music Laureate Adrian Mocanu on ‘de l’encra escafada’
2026年アズリエリ国際音楽賞受賞者のアドリアン・モカヌ、新作『de l’encra escafada』について語る
中世プロヴァンスで歌ったトロバドゥール（吟遊詩人）のうち、残されている遺産のほとんどは男性のものである。女性のトロバドゥールである「トロバイリッツ」は文化的な記憶から大きく消え去っており、ベアトリス・ド・ディアが残した楽譜付きの歌はわずか1曲のみである。その唯一のカンソを出発点としているのが、合唱、オーケストラ、4本のヴィオラ・ダ・ガンバのための作品『de l’encra escafada』（色あせたインクから）であり、2026年アズリエリ国際音楽賞の委託作品である。
モカヌは1989年キーウ生まれのルーマニア・ウクライナ系作曲家で、ウクライナ国立音楽院およびマドリードで作曲を学んだ。これまでにフレデリック・モンポウ国際賞、ボリス・リャトシンスキー作曲コンクール、マウリシオ・カーゲル作曲コンクールなどで受賞している。アンサンブル・ルシェルシュ、カサ・デ・ベラスケス、マウルヴェルカーのレジデンスを務め、アンサンブル・ムジークファブリーク、マウルヴェルカー、アンサンブル・ルシェルシュ、IEMAアンサンブル、アンサンブル・モザイク、バルセロナ・モダン・アンサンブル、ピンクノイズ・アンサンブル、ビルバオ・シンフォニエッタ、コンティニュアムXXI、アニマ・ヴォックス・デュオなどのアンサンブルと共演や楽曲提供を行ってきた。
OperaWireはモカヌに対し、オック語のテキスト、記譜法、そして移住と記憶というテーマについて話を聞いた。
OperaWire（以下OW）：『de l’encra escafada』の着想のきっかけは何でしたか？
アドリアン・モカヌ（以下AM）：タイトルの「de l’encra escafada」はオック語の表現で、「色あせたインクから」と訳されます。現在はユネスコによって危機言語とみなされているオック語は、かつてトロバドゥール伝統の発祥地である中世プロヴァンスで栄えた文学言語でした。私たちはその伝統を主に男性作家の遺産を通して知っていますが、トロバイリッツ（女性のトロバドゥール）は私たちの文化的記憶から大きく失われてしまいました。その一人であったベアトリス・ド・ディアの全作品のうち、楽譜付きで現存しているのはたった1つのカンソ（オック語の愛の歌のジャンル）のみです。ここから私の作品のインスピレーションが生まれました。
OW：作品の音楽言語と、それにどのように到達したかを教えてください。
AM：音楽言語は、色あせたインクが紙の上で徐々に姿を現すというアイデアから生まれています。プロセス全体は、ノイズがより具体的な音へと徐々に変化し、そこにトロバドゥールの抑揚の残響が見出されるという流れから来ています。私はベアトリス・ド・ディアのカンソを復元しようとしたわけでも、その編曲版を作ろうとしたわけでもありません。この作品はむしろそれに問いを投げかけ、様々なフィルターを通して変容させます。従来の歌い方を一切せず、多様な声のノイズに基づく素材を持つ合唱団、古楽への言及にとどまらず拡張された一つの音の塊、多重化され分断された「ソリスト」として融合する4本のヴィオラ・ダ・ガンバ、そしてその両者の媒介者となるオーケストラの間の複雑な関係が描かれます。どのように到達したかといえば、様々なアイデアを試し、並置し、熟考し、最も大胆なものだけを残すことによってです。
OW：創作プロセスにおいて何から着想を得ていますか？
AM：この作品におけるプロセスのインスピレーションは、楽譜の構造に根ざしていました。どのように響くかだけでなく、紙の上にどのように視覚化されるかも含まれます。同じ素材を記譜する方法は数多くありますが、最終的にはその見た目が演奏者の解釈方法に直接影響を与えます。型破りな響きを望むなら、記譜もそうでなければなりません。もう一つの決定的な要因は、オック語のテキストそのものでした。音楽をつけることではなく、その響きやリズムの中に音楽を探し求めました。ここでも言語そのものが徐々に現れてきます。音素がゆっくりと組み合わさって単語になり、単語がフレーズになり、フレーズが早口言葉のようになって、最終的には音の奔流へと合流していきます。
OW：この作品を創作するにあたり、どのような困難がありましたか？
AM：いくつか大きな困難がありましたが、最大だったのはリスクを恐れず自分の直感に従うことでした。最終的にこの作品で行ったことのいくつかは、オーケストラと合唱のための大規模な作品としては非常に急進的とみなされる可能性があります。より従来的な素材を使って作品を開始しようとする試みが何度もありましたが、何かが欠けていると感じ続けていました。ある時点で、頭を完全に真っ白な状態に戻し、自分の志向に対して誠実かつ忠実な方法でゼロからやり直さなければならないと気づきました。結局のところ、たとえそれが未知の世界に足を踏み入れ、作品をより予測不可能な場所へ導くことを意味するとしても、直感を信じることこそがおそらく最大の困難でした。
OW：聴衆にこの作品の体験から何を感じ取ってほしいですか？
AM：私の作品が聴衆と共鳴し、感情的なフィードバックが生まれることを願っています。ほぼ儀式のように、周囲に徐々に展開していく音の物語として体験してほしいです。ベアトリス・ド・ディアの言葉を使いながらも、それらを通して私自身の物語も語っています。彼女の声は、現在にはるかに近い事柄、すなわち移住、記憶、ある場所に属していながら完全には属していないという感覚について語るための手段となっています。したがって、素材は800年前のものであるにもかかわらず、作品には個人的な側面があります。そして、この作品がオック語の存在を維持し、今日の新しい聴衆に届けることに、たとえささやかであっても貢献できることを願っています。
OW：個人的な質問ですが、作曲家になろうと思ったきっかけは何ですか？また、あなたに影響を与えている作曲家は誰ですか？
AM：奇妙な偶然かもしれませんが、私が音楽を学び始めた時（実際には18歳か19歳とかなり遅い時期でした）、ちょうどトマス・マンの『ファウストゥス博士』を読んでいました。主人公の名前もアドリアンで、彼も作曲家だったため、奇妙な肯定感のように受け止めました。もちろん、作中の彼のように悪魔に魂を売るつもりはありませんでしたが、この小説は、遅く始めたことや追いつかなければならないことに落胆せず前進し続けるための戒めのように感じられました。