Perceiving the Future of Music in a Classical Perspective - Rolling Stone UK

クラシック音楽の視点から音楽の未来を捉える

EWG Pressとの提携

執筆：マット・エマ

あらゆる形態の芸術がAIによって創造される未来が来るかもしれない。しかし、歴史よりも長く存在してきた紛れもない有機的な構造に人々が回帰することもまた確実である。芸術には、人間という完璧な受け手を必要とする非対称性と神聖さが同時に存在する。このことが最近、イズリントンのセント・メアリー教会で示された。この聖公会の教会は、ウミット・オンデルとアイシェ・オンデル姉弟によるオリジナル作品の舞台となった。トルコ出身のこの二人は、作曲家および演奏家として登場し、魂から生まれ肉体から発せられる音楽には、いかなるデジタルコードも及ばない感情のスペクトルがあることを、満員の聴衆に再認識させた。未来はまだ見通せないが、実際に人間が創造する音楽の慈悲深い性質は、今日においてもこれまでと同様に存在している。

魂のこもった演奏のための精神的な舞台

芸術的な観点から見ると、セント・メアリー教会は、オンデル姉弟が提示したようなクラシック音楽のレパートリーに特に適した独特の雰囲気を提供している。このようなコンサートのために設計された現代のコンサートホールとは異なり、セント・メアリー教会はそのようなイベントのために作られた空間ではないが、なぜか適している。音楽が解釈や説明を必要とせずに聴衆の心に語りかける普遍的な言語として機能するのと同様に、この空間もまたふさわしい。この芸術形式の精神的な性質を、これほど直接的に伝えるものがあるだろうか。

音楽形式における感情的な存在感

アイシェ・オンデル博士は、このコンサートで2つのオリジナル作品の世界初演を行った。『Music for String Orchestra』の第1楽章は、現代ロマン主義の感覚によって形作られ、細部まで作り込まれた和声の風景から、長くアーチを描く旋律線が浮かび上がる。第2楽章は、より速く、より落ち着きがなく、根底にあるリズムのエネルギーに突き動かされるという鋭い対照を見せる。フーガのようなアイデアを中心に構築され、重なり合うエントリーと絡み合う旋律線を通じて展開し、モチーフがアンサンブル全体を循環し変容していく。アイシェ・オンデルの2つ目の作品は、ソプラノ、ピアノ、ギター、弦楽オーケストラのための『Voice』である。ボーカリストのオヤ・エルギュンの技術と深みがステージに説得力のある存在感をもたらし、ピアノを担当したアイシェ・オンデル自身がそれを補完した。作曲家としてピアノに向かうアイシェ・オンデルの解釈は、演奏にさらなる即時性と真正性を加え、作品の流れを内側から形作り、その親密で極めて個人的な性格を強めた。この二重の役割は、作曲と演奏が不可分であるという芸術的アプローチを反映している。

文化的特質の調和のとれた融合

ウミット・オンデルが第1ヴァイオリニストとしてステージに上がったのは、『Das Meer』と『Kamancha Concerto』の初演のためであった。ドイツを拠点とするハンブルク室内フィルハーモニー管弦楽団のために委嘱された『Das Meer』は、弦楽器ファミリーの表現の可能性を探求するために創作された。密度、弓の圧力、音域、和声の緊張感、内部の動きの微妙な変化がこの作品では明白であり、弦楽器の統一された音色のフィールドが、流動的で連続的、かつ構造的に生きていると感じられる音の世界を形作ることを可能にしている。無関係な楽器の音色の対比に頼るのではなく、単一の共鳴体の中での変容を通じて作品は展開する。対照的に、カマンチャ奏者のギョクトゥ・チェリクをフィーチャーした『Kamancha Concerto』は、単一のソロの声とそれを取り囲むオーケストラという身体との関係を検証する。カマンチャは、親密で、声のようで、繊細でありながら、同時に鋭く感情に直接訴えかける非常に独特な音を持っている。その結果、ソロ楽器を隠すことなく支える、豊かで柔軟な音のフィールドが生まれている。

進化は絶滅と同義ではない

音楽の領域におけるAIの影響を無視することは無益だが、世間で言われているほど脅威ではないかもしれない。ウミットは次のように述べている。「私は人工知能を脅威とは見ていません。それどころか、私はそれに対して楽観的な見方をしている一人です。作曲の側面についてはすでに触れましたが、現代クラシック音楽の文脈で活動するヴァイオリニストとしての視点も共有したいと思います。私たちは長年、VSTやMIDI楽器ライブラリといった技術と協力してきました。その意味で、『人工的に生成された音』という考え方は私たちにとって新しいものではありません。私たちはすでに媒介された音に慣れており、これらのツールの中には極めて高度なレベルに達しているものもあります。それらは補助的な要素として価値があります。可能性のパレットを広げ、実用的な制限を減らし、実験のための新しい道を開くのです。しかし重要なのは、それらが音楽的思考の代替としてではなく、拡張として機能するということです。」

アイシェは、この概念が現代の音楽家や作曲家にとってより決定的なものだと考えている。「私たちは否定しようもなく、より根本的で難しい問いを提起する地点に到達しました。今日、音楽家であるとはどういうことか？私たちは今、楽器の訓練や作曲の背景を持たない個人が、完全に形成された、あるいはプロフェッショナルに見える音楽を生成できる状況にあります。この変化は技術的なものだけでなく概念的なものであり、音楽的価値がどのように認識され理解されるかに挑戦しています。このアクセスのしやすさの向上は私たちが反対するものではありませんが、同時に芸術的責任という重要な問いを提起します。音楽が発達した音楽的意識や実践なしに生成されるとき、音と意図の関係はより脆弱になり、これは作者性や芸術的価値がどのように認識されるかという点で、ある種の倫理的な曖昧さにつながる可能性があります。その意味で、私たちはこの状況が、特に芸術的価値がどのように認識され維持されるかという点で、音楽家にとって潜在的なリスクを構成する可能性があると考えています。」