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サー・サイモン・ラトル指揮ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団によるデ・ファリャ、ミリケン、ヤナーチェクの演奏会
ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団
デ・ファリャ、ミリケン、ヤナーチェクの作品
満席の会場。最初の音が出る前から、これが普通の夜ではないことが感じられる。サー・サイモン・ラトルが再びベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の前に立つ。数分後には、なぜこの出会いが特別なものなのかを改めて思い知らされる。
マヌエル・デ・ファリャの『三角帽子』は、ただ始まるのではなく、ホールに突入してくる。オーケストラは拍手し、叫び、話し、演奏する。ラトルは最初から文字通りすべての拍をコントロールしている。フルートソロでさえ、ただ流すのではなく、厳格に導き、形作る。彼は100パーセント準備を整え、スコアをほとんど見ず、円を描くような、時にはマッサージをするような動きで、副旋律からすべてを一変させる最後のアクセンを導き出す。
この指揮者を見ることはそれ自体が喜びである。彼がオーケストラの前で自分を誇示するからではなく、すべての動きに音楽的な必然性があるからだ。そしてフィルハーモニー管弦楽団は、オーケストラが指揮者を熟知している時にのみ生まれる、正確さと自由の融合で応える。
デ・ファリャのバレエ音楽は1917年から1919年にかけてセルゲイ・ディアギレフのバレエ・リュスのために作曲された。ロンドンでの初演時にはレオニード・マシーンの振付、パブロ・ピカソの舞台美術と衣装が加えられた。デ・ファリャはスペインの民謡を単に引用するのではなく、カンテ・フラメンコの様式要素やファルッカ、ファンダンゴ、ホタといった舞曲形式を処理している。
それこそがこの作品の魅力である。音楽は徹底してスペイン的でありながら、同時に大規模なクラシックオーケストラのために細部まで構築されている。この夜、デ・ファリャがいかに天才的にこれら二つの世界を融合させたかが聴き取れた。すべての音が完璧に収まっている。
スペインの色彩、リズム、旋律の転換は、民俗学的に展示されるのではなく、洗練されたオーケストラ音楽へと変貌する。特に第2幕では、息をのむような正確さと美しさを持つ弦楽器の動きがある。トゥッティのパッセージにおいても音響は透明で、全体の響きが崩れることなく、すべての声部や楽器群が展開される。
メゾソプラノのリナット・シャハムは、この作品では比較的出番が少ない。彼女はソリストとしてオーケストラの前で目立つのではなく、後ろの奏者の中、ホルン奏者の近くに座っている。彼女の声はオーケストラの色彩の一つであるため、これは美しいジェスチャーである。シャハムはスペインのリズムに合わせて楽しげに体を揺らし、演奏を見守り、終始輝いていた。この目に見える喜びだけでも、この夜への貢献である。
ラトルは終演後、彼女の音楽が少し少なかったと冗談めかして言い、アンコールとしてハビエル・モンサルヴァーチェの『5つの黒い歌』から「黒い赤ん坊を寝かせるための子守歌」を約3分間演奏した。
休憩後は現代音楽へ。キャシー・ミリケンの『why feather yellow』は、ベルリン・フィルハーモニー財団の委嘱によるイングリッシュホルンとオーケストラのための協奏曲で、前夜に初演されたばかりである。この曲は、数十年にわたりフィルハーモニーのイングリッシュホルン奏者を務めるドミニク・ヴォレンヴェーバーのために書かれ、彼との緊密な協力のもとで制作された。ミリケン自身もオーボエとイングリッシュホルンを演奏し、2005年から2012年までフィルハーモニーの教育プログラムを率いていた。
曲は静かに、平坦に始まる。パターン、長い水平な音の線、発展するというよりは重なり合う色彩。これはミリケンの意図に沿ったものだ。彼女は本作を、ソロと集団、孤独と共生の間にある連続体と表現している。微小音程、アラブのマカーム音階、スペクトル和声、トレモロ、トリル、重音などが素材に含まれ、アルメニアのドゥドゥクの柔らかくかすれた音もインスピレーションの源となった。
ヴォレンヴェーバーは当初、オーケストラの一部のように振る舞う。その後、徐々にそこから離れ、主導権を握り、インパルスを与え、中心となる。ミリケンが彼に要求する技術は膨大である。長く激しいパッセージには息継ぎの暇もなく、重音や極端な音域、複雑なアーティキュレーションがソリストを試す。
数分後には、その背後にある身体的なパフォーマンスがどれほどのものか推測できる。それでもヴォレンヴェーバーは完全にコントロールを維持する。彼の音は極限の負荷の下でも集中力を保ち、驚くほど美しい。
一方で、作品自体はより複雑な印象を残す。興味深い瞬間や魅力的な音色は多いが、説得力のある音楽的な物語の弧は感じられない。おそらくそれこそがコンセプトなのだろう。ミリケンは劇的な対比ではなく、ゆっくりと変化するテクスチャーと連続体を求めている。
しかし、コンサートにおいてはそれが代償となる。注意深く聴き、ヴォレンヴェーバーのパフォーマンスに感銘を受けるが、少し経つと曲は色あせ始める。技術的な洗練とソリストの多大な努力を考えると、期待されるほど心に残るものは少ない。
その後はより直接的な響きが続く。ヤナーチェクの『タラス・ブーリバ』により、音楽的な緊張感が再び別の形で現れる。音の面としてではなく、ドラマ、葛藤、高まりとして。コサックの指導者を描いたゴーゴリの物語に基づくこの3部構成の狂詩曲は、愛、暴力、死、戦いの中へと導き、最後にはヴィジョナリーなアポテオーゼで幕を閉じる。最終楽章ではヤナーチェクが…（原文中断）