San Francisco Opera 2026-27 Review: Simon Boccanegra
サンフランシスコ・オペラがヴェルディの『シモン・ボッカネグラ』を上演、キム・ウンソン指揮やアマルフトゥブシン・エンフバットらが出演
19世紀半ばにヴェルディが『シモン・ボッカネグラ』を書き上げた際、彼は何を表現しようとしていたのだろうか。どのような観客層に届けようとしていたのか。そして何が、このオペラを彼のより人気のある作品の陰に隠れさせてきたのだろうか。
キャサリン・M・カーターが演出を手掛けたサンフランシスコ・オペラのクラウス・グートによるハンブルク演出は、これらの問いに答えている。開幕初日をほぼ1週間遅らせた労働ストライキの後であったため特に歓迎されたこのサンフランシスコ・オペラの『シモン・ボッカネグラ』は、14世紀のイタリア・ジェノヴァの世界における権力欲とその結末を強調した。これは支配者たち、恋人たち、そして家族たちの物語である。作品全体を通じて、主にスコアの音楽的表現力を通じて展開される陰謀、秘密、そして嘘が描かれる。
示唆に富む演出
サンフランシスコの『シモン・ボッカネグラ』は、結末に苦しむ運命にある世界を意識させるよう、複雑な主題から生じる雰囲気に観客を引き込む。
演出自体もこの考えを強調しており、宮殿の天井にある鳥かごのような囲いにはめ込まれた暗い隕石が、ドラマの進行とともに徐々に降下し、オペラの終幕までに床に着地する。これは道徳的な物語の軌跡を象徴し、暗示している。プロローグの後にジェノヴァの総督として迎えられたシモンは、最後、息を引き取る直前に将来の娘婿であるガブリエーレ・アドルノに権力を委譲する。物語的にも道徳的にも、輪が完結する。オペラの最後で、プロローグと同様に出演者たちが息絶えた総督を取り囲む。そこには苦い勝利がある。ヴェルディは再び雰囲気ある名作を生み出すことに成功しており、なぜこのオペラがもっと頻繁に上演されないのか不思議なほどである。
音楽的ハイライト
主役陣の歌唱は感動的で響き渡り、時には輝かしかった。合唱団は力強い屋台骨となった。音楽監督キム・ウンソンが指揮したオーケストラは素晴らしく、秋シーズンの第1週および本作品の3公演を停止させた労働ストライキ中の不在に脅かされていただけに、その演奏はなおさらであった。開演時にも大きな拍手が送られ、終演時にはさらに多くの賞賛と評価が寄せられた。
キム・ウンソンは、いつもの精力的な推進力で傑作スコア全体を率い、全体を通して雰囲気のコントラストを強調し、特定の明快さと力強さをもって休止や進入を巧みに示した。極めて思慮深く、端正な演奏であった。
プロローグと第1幕から最終幕に至るまで、フィエスコとボッカネグラの暗い声に合唱が加わり、ヴェルディの望み通り主題が深淵から支配することを可能にした。声、色彩、背景、照明が暗闇の上に暗闇を重ねる効果を生み出した。陰謀、悲しみ、喪失に包まれた。ここでのヴェルディの表現は非常に際立っており、たとえ舞台上で動きがなかったとしても、その旋律の豊かさと美しく心に迫る響きに引き込まれたであろう。
輝かしいキャスト
主役たちが公演を牽引した。シモン・ボッカネグラ役は、モンゴル出身のバリトン、アマルフトゥブシン・エンフバットが際立った美しさと技巧で歌い上げた。彼は昼夜問わず同じ強さ、美しさ、力強さで演奏を続けられるかのようであった。なんと豊かな響きだろうか。言葉にすることはそれを損ねてしまうほどである。丸みを帯びた響きのある声、その響きは光沢を帯びていた。もし声が寛大さを表すことができるとすれば、まさにそれであった。
エンフバットのシモン・ボッカネグラは、ヴェルディの父親としての憧れと愛をも終始漂わせていた。それは言葉ではなく、娘への深く献身的な声の投入、そして彼の歌を推進する敬意と不屈の精神によるものであった。彼が歌うとき、その人間の尊厳に近づける者はいなかった。演技ではなく、その歌唱こそが物語を染み渡らせたが、演出上の要請もそこに反映されていたのは確かである。さらに、対立者や味方との感情や音色の重なりの狭い幅が、彼らだけでなく彼自身の苦闘をも際立たせた。
バス・バリトンのクリスティアン・ヴァン・ホーンは、ヤーコポ・フィエスコ役として威厳を持って「哀れなる父の胸は（Il Lacerato Spirito）」を披露した。彼の声は暗く響き渡り、ボッカネグラの苦しみと並行する魂のこもった嘆きを表現した。
合唱団もまた、スコアと演奏の双方においてこれを増幅させた。彼らは終始輝きを放っていた。
このサンフランシスコ最終公演でデビューを飾ったアメーリア役のトニ・マリー・パーマツリーにも、形は異なるものの同じことが当てはまる。彼女の声の輝きは、冒頭の数小節で劇場を暖かく満たした後に立ち上がった。時にそれは異なる領域にあるかのように伝わってきた。高いヴァイオリンと羽ばたくような木管で始まる「暗い時刻に（Come in quest'ora bruna）」はサスペンスを生み出し、それに続いて金管、そしてフルオーケストラが加わり決定的な宣言をもたらした。ここには叙情性と憧れがあり、ヴァイオリンのピッツィカートが水辺の背景を創り出して引き立て、雰囲気だけでなく場所をも強調した。
元老院の場面は、支配者と手下たちの衝突を想起させた。エンフバットは完璧に声の力強さを示した。ここでも、彼の演奏の力強さは演技ではなく、旋律の途切れないラインと響きからもたらされた。
アドルノとアメーリアの二重唱「孤児の卑しい屋根（Orfanella il tetto umile）」は、互いの悲しみと喪失の感動的な表現を披露した。レガートが観客を引き込み、優しさと憧れの共有も同様であった。
ガブリエーレ・アドルノ役のジョシュア・ゲレロは、情熱、喜びに満ちた美しさ、力強い力感をもって歌った。彼の声、特に高音域は輝いていた。それはさらに成長し深まることができるかのようであった。彼の艶やかな最高音は丸みがあり豪華であった。アメーリアとの二重唱でも良い相性を見せた。彼は懇願し、交互に宣言を行った。情熱的な感情の爆発により、アメーリアと観客の双方に彼の愛が価値あるものである理由、すなわちヴェルディの叙情的な力が示された。
パオロ・アルビアーニ役のアレクセイ・ボグダノフとピエトロ役のガブリエル・ナタル＝バエスも、その才能を満ち足りた響きに添えた。
ヴェルディの遺産を讃えて
クラウス
