Une petite seconde d’éternité au festival Manifeste

Manifesteフェスティバルにおける永遠の刹那

今年のManifesteは「永遠を刹那に投影する」ことを掲げ、フェスティバル冒頭でリゲティの『ルクス・エテルナ』によりその野心を体現した。アンサンブル・コントルシャンによる長大なコンサートは、この永遠の予感を伝えたが、選曲された3作品の関連性の妥当性は必ずしも明らかではなかった。サラ・ネムツォフの『NUN VI』および『NUN VII』の初演では、彼女が大切にする繊細で不安定な音響バランスが再現された。3つの楽器が金属製の物体を振動させるトランスデューサーに接続され、拡散的で幽霊のような存在感を放っていた。低音域の楽器と回折された響きを好み、機能的なヒエラルキーから解放されたテクスチャを持つ彼女の音楽は、直接的な物語性の抽象化を避け、控えめな主張に留まる。影のような音楽的図形により、作曲家は枠外で起こっている出来事を示唆する。対照的に、ゼイネプ・トラマンの『Sometimes at Night the Far Away Stars』では、サンプリングされた声が中心となる。電子処理による脱構築が生む緊張感は、荒々しさのない協和的な流れの中に吸収される。エンノ・ポッペの過活動的な音楽への移行は、たとえ『Laub』が模索するような基礎的な細胞から動き出すように見えても、自明ではない。微小音程の滑らかなイントネーションとヘテロフォニー的なテクスチャの柔軟性は、ジュネーブのアンサンブルの7人の奏者の技巧を強く露呈させる書法を長く隠すことはできない。

Good vibes

フランチェスコ・ディロン（チェロ）とエマヌエーレ・トルクァティ（鍵盤楽器）によるコンサート「Mantra」は、仏教の香りを漂わせる。電子音楽が果たす重要な役割を鑑みると、このデュオが示唆する室内楽の枠を大きく超えている。ジョナサン・ハーヴェイの『Advaya』（1994）は、一部のスペクトル的なテクスチャを除き、制作ツールに依存した電子音の色彩ゆえに今日では古びて見えるが、作品の生命力を損なうものではない。ユステ・ヤヌリーテは『Encens』で、精神性の道を辿るのではなく、立ち上る煙の拡散を音楽的に描写しようと試み、作曲家に敬意を表している。チェリストは弓や回転する電気バンドを用いて、電子音によるマイクロポリフォニーで増幅された素材を供給する。リッカルド・ノーヴァの『Aroha』では、純正律によって強化された協和音の中で、鍵盤奏者が歌うマントラが文字通り出現する。

ウィム・ヴァンデケイブス振付の『What the Body Does Not Remember』（1987）の再演では、ウルティマ・ヴェズのダンサーたちだけでなく、アンサンブル・アンテルコンタンポランの演奏家の身振りにも時間が宿る。フィルハーモニー・ド・パリのピエール・ブーレーズ・ホールという広大な空間で、奏者たちは舞台の端やバルコニーで非常に目立つ存在である。主に打楽器奏者のサミュエル・ファーヴルが指揮するが、奏者同士で連携し、独自の振付的アクションを行うこともある。反射的な動作に触発された身体的なダンスに対し、アメリカのミニマリズムを継承しつつも、ライヒとリゲティが交差するような不規則さと急激な方向転換を導入した音楽が呼応する。ティエリー・ド・メイの作品には、2つの新作が追加された。ヴァイオリンと電子音のための間奏曲『Back to Now』はカン・ヘソンの弓に焦点を当て、ダンスを一時的に静止させる。アンサンブルのための『Empreinte』は、力強い終盤のシーンを支える明確な拍動を持つ新曲である。

Formats XL

フェスティバルの終盤、2つのコンサートが小編成を避ける傾向を裏付けた。ステファノ・ジェルヴァゾーニの広大な『Com que voz』は、『Fado Erratico』（2007-2015）への改訂で約15分短縮された。ファド歌手クリスティーナ・ブランコと交互に演奏されたバリトン独唱パートが姿を消したためである。あるいは、それは器楽的な形式として、間奏や、作曲家がアマリア・ロドリゲスの伴奏を書き起こしたファドを乱す無調の追加層として存在している。ベリオの『フォーク・ソング』や、シューベルトの未完の断片の隙間を埋めた『Rendering』を想起させるが、ここでの意図は垂直的であり、詩的な要素の重ね合わせを提案している。アンサンブル・アンテルコンタンポランに加え、ネクスト・アンサンブル（パリ音楽院）とユリシーズの若手奏者たちが、ウンスク・チンの『Gougalon』でさらなる称賛を集めた。1960年代のソウルのストリートシアターを自由に様式化したこの傑作は、劇作法と身振りを巧みに凝縮している。速さと技巧が支配し、リゲティの記憶が随所に現れるが、オーケストレーションの創意工夫を隠すことはない。ヴァイオリンの滑らかな旋律とピッツィカート、プレクトラムで弾かれるピアノの弦による『禿げ頭の歌手の嘆き』は、その謙虚さの中に強烈な叙情性を秘めている。

ラジオ・フランス・フィルハーモニー管弦楽団とのフィナーレの2作品は、長い時間を扱う対照的な方法を示唆する。ステファノ・ジェルヴァゾーニのヴァイオリン協奏曲『Tacet』では、アイデアの急速な連続が、密度の高い時間の知覚を促す。冒頭から非常に意欲的なパトリシア・コパチンスカヤは、第1ヴァイオリン首席奏者と表情豊かに相互作用しながら、書法の身振り性を強調する。ソリストとオーケストラの間を流れる奔流は、最も優れた要素の一つである。