VERDI, Les Vêpres siciliennes – Aix-en-Provence

近年、エクス＝アン＝プロヴァンス音楽祭はフランスのグランド・オペラの系譜を掘り下げてきました。ロッシーニの『モーゼとファラオ』、マイアベーアの『預言者』、そしてオペラ＝コミック座のためにドニゼッティが改作した『ランメルモールのルチア』に続き、今夏はヴェルディの『シチリア島の晩鐘』がグランド・テアトル・ド・プロヴァンスにて演奏会形式で上演されました。音楽監督は『モーゼ』や『ルチア』と同様、同音楽祭でイタリア・レパートリー（2019年から2025年にかけて『トスカ』『ファルスタッフ』『二人のフォスカリ』『運命の力』を指揮）に精通するダニエレ・ルスティオーニが務め、リヨン国立歌劇場管弦楽団・合唱団を率いました。2024年に予算上の理由で中止されたこの公演は、配役をほぼ一新し、カリーヌ・デエがエレーヌ役で初役を務めました。

『モーゼとファラオ』（『エジプトのモーゼ』より改作）や『ルチア』（『ランメルモールのルチア』の改作）とは異なり、『シチリア島の晩鐘』は直接フランス語で構想されました。これはヴェルディが1855年のパリ万博に際し、パリ・オペラ座のために直接書き下ろした最初のグランド・オペラです。台本はウジェーヌ・スクリーブと、その共同執筆者シャルル・デュヴェリエによるものです。1282年の復活祭の夜にシチリアを占領していたフランス人が虐殺されたという題材は、カジミール・ドラヴィーニュの悲劇（1819年オデオン座初演）として既に成功を収めており、スクリーブも熟知していました。劇の構成については、スクリーブが引き出しに眠らせていた『アルバ公』の草案が流用されました。これはかつてアレヴィ、次いでドニゼッティ（未完）のために用意されたもので、スペイン占領下のフランドルを舞台としていました。スクリーブはこれを中世シチリアのシャルル・ダンジューに対する闘争に置き換えることで、ドラヴィーニュの土俵に戻ったのです。つまり「オリジナル」の台本は二重に使い回されたものであり、スクリーブ自身が認めるように、ヴェルディは「売れ残りの在庫」を継承したようなものでした。

作曲家は当初からパリのグランド・オペラの要件（5幕構成、政治的・歴史的主題、壮大な合唱場面、バレエ、エレーヌのボレロのような「ジャンル曲」）に従いました。オペラ座（ヴェルディは「大商店」と呼んだ）から課された4幕から5幕への変更はスクリーブとの不和の種となり、ヴェルディは作曲中、作品の反復的な構造や、自身が「興味がない」と判断した第5幕について不満を漏らしていました。

結局のところ、『シチリア島の晩鐘』はヴェルディの最高傑作でもスクリーブの最高作でもないでしょう。登場人物は性格や意識よりも劇的な機能として描かれることが多く、『ドン・カルロ』（12年後にパリのために書かれたグランド・オペラの究極の傑作）の眩暈がするような深みには遠く及びません。『ランバルディ』をパリ・オペラ座用に改作した『エルサレム』の方が、本作よりも建築的な連続性があるとも言えます。しかし、ヴェルディはもはやイタリアでの苦難の時代の人間ではありません。『リゴレット』や『椿姫』を経て、新たな劇的・音楽的形式を身につけていました。スコアには力強いページが溢れており、かつての閉じたナンバーの連続は、ドラマの圧力によって打ち砕かれています。第1幕のアカペラ四重唱や第3幕のグランド・フィナーレなど、マイアベーアを彷彿とさせる箇所もあれば、イタリア的な集中力を見せる箇所もあり、本作は二つの伝統の間で揺れ動いています。それが本作の独自性でもあります。

マイアベーアのオペラほど洗練されてはいませんが、本作はグランド・オペラの最高傑作ほどの劇的パワーには届きません。それでも『ウィリアム・テル』や『ポルティチの唖娘』よりは一貫してインスピレーションに満ちており、『ユダヤの女』や『ユグノー教徒』の驚くべき美しさや劇的効果には及びません。しかし、これら3作品にはスクリーブの悪意を示す共通点があります。パリの観客が最も自然に同一視できる社会集団が、抑圧者側に置かれているのです。『ユグノー教徒』ではフランスのカトリック教徒がプロテスタントを迫害し、『ユダヤの女』ではキリスト教徒がユダヤ人と対立し、『シチリア島の晩鐘』ではフランス人がシチリアを占領します。後者の場合、宗教的というより国民的な対立ですが、観客を自分たちが支配する側の視点から見つめさせるという劇的手法は共通しています。

今回の演奏会形式では、伝統的なバレエ音楽『四季』がカットされました。これは19世紀のイタリアでの再演時にも行われていたことですが、モンフォール公の場面と陰謀者たちの舞踏会の間に具体的な空白を生んでいます。バレエは物語を前進させませんが、二つの緊迫したエピソードの間の時間を引き延ばす役割がありました。その不在は出来事を圧縮し、作品の継ぎ目をより目立たせています。特にルスティオーニは、ここで素晴らしい効果を発揮したであろう劇的な呼吸と色彩感覚を備えているだけに惜しまれます。

指揮者は真の演出家のように本作を指揮し、フランスとイタリアのハイブリッドが求めるバランスを見出しました。フランス風の明快で率直なフルートやクラリネットと、弦楽器を燃え上がらせるイタリア的な情熱が融合しています。