La Clemenza di Tito: despite a lack of staging, Christopher Rousset & Les Talents Lyriques light up the stage in Mozart's great final opera at The Grange Festival - planethugill.com

2026年6月9日レビュー。

モーツァルトの偉大な最後のオペラを、聴衆に直接届くような鮮烈でドラマティックな演奏と、レ・タラン・リリクの洗練された響きで聴くことができた歓迎すべき機会となった。

モーツァルトの最後のオペラ『皇帝ティートの慈悲』は、その価値に見合うだけの定期的なレパートリーとしての地位を確立できていない。ダ・ポンテとの3大オペラや『魔笛』の後に続くこの作品は、モーツァルトが10代の頃に書いていたオペラの様式への回帰のように見えることがある。1781年の『イドメネオ』初演後、モーツァルトはよりグルック的な様式でこのオペラを改作したいという願望（果たされず）を抱いており、1786年のウィーン公演でイダマンテをテノールに変更した際、その名残が見られる。伝統的なオペラ・セリアを再構築することへの関心は消えず、『皇帝ティートの慈悲』は『ドン・ジョヴァンニ』（両作ともプラハの同じ劇場で初演）とは別世界のように見えるが、台本はメタスタージオの様式から決定的に脱却している。

このオペラはモーツァルトの死後も人気を保ち、1806年には彼のオペラとして初めてロンドンに到達したが、おそらく1957年のセント・パンクラス・フェスティバルまで再演されることはなかった。1974年のアンソニー・ベッシュによるコヴェント・ガーデンでの演出は、このオペラの再発見に重要な役割を果たし、1989年まで上演された。2021年のリチャード・ジョーンズによる同劇場での演出は、古典的な地位を確立するには至っていないようだ。イングリッシュ・ナショナル・オペラやイングリッシュ・ツーリング・オペラも上演してきたが、グラインドボーン音楽祭だけがこの作品を信じ続けている（直近では2017年）。それ以外では、フェスティバル作品となっている。昨年はエディンバラ国際フェスティバルで上演され、今年は2つの異なる公演がある。バクストン・フェスティバルが7月に2公演を行い、ザ・グランジ・フェスティバルはクリストフ・ルセとレ・タラン・リリクを招聘した。

クリストフ・ルセとレ・タラン・リリクは、ザ・グランジ・フェスティバルで2公演（6月9日に初日を鑑賞）を行い、今週後半に公演を行うモーツァルトフェスト・ヴュルツブルクと提携している。ルセは非常に国際的なキャストを集めた。イギリスのテノール、ジェレミー・オヴェンデンがティート、ギリシャのソプラノ、アフロディテ・パトゥリドゥがヴィテッリア、ロシア系レバノン人のソプラノ、アンナ・エル＝カシェムがセルヴィリア、スペインのメゾソプラノ、マイテ・ボーモンがセスト、フランスのメゾソプラノ、アンブロジーヌ・ブレがアンニオ、フランスのバス・バリトン、アドリアン・フルネソンがプブリオを務め、モーツァルトフェスト・ヴュルツブルク合唱団が参加した。

オーケストラは舞台上に配置され、ルセはピアノで通奏低音も担当した。背景はシンプルな黒幕で、音響は特に木管楽器において時折少し奥まったように感じられた。ソリストは舞台前方に立ち、譜面台と楽譜が置かれていた。幸いにもこれらはほとんど使われず、上演にはドラマと自由があった。ジェレミー・オヴェンデンは楽譜をほとんど見ず、アフロディテ・パトゥリドゥのヴィテッリアはドラマティックで強烈な様子で舞台を徘徊した。

ヴィテッリアの演じ方には様々な方法がある。高潔な被害者にも、積極的に画策する人物にもなり得る。パトゥリドゥは、アリアの少なさにもかかわらず、レチタティーヴォの巧みな指揮によって第1幕を支配した。実際、キャスト全員がこれらに没頭し、鮮やかなドラマを生み出した。パトゥリドゥはヴィテッリアを素晴らしく罵倒的で操作的な人物にした。彼女は、ヴィテッリアが復讐心によって事態が狂ったと悟る第1幕の三重唱において、力強く強烈な貢献をした。パトゥリドゥの声はしなやかで驚くべき力を発揮したが、パッセージワークには驚くべき繊細さもあった。高音には時折樹脂のような響きが混じることもあったが、それは音色の幅を広げるだけであり、最後の偉大なアリア『花の香りはもう漂わず』は説得力があった。

マイテ・ボーモンはセストに驚くべき音色の深みと強さをもたらし、操り人形ではないセスト像を作り上げた。『パルト、パルト』は精巧に形作られ、真の強烈さを展開したが、バセット・クラリネットの音は私の好みからすると少し奥まりすぎていた。第2幕では、セストの主要なアリアはかなり遅く登場するが、ボーモンはレチタティーヴォとアンサンブルのすべての音を大切に歌った。これは、強さと活力、そして精巧なフレーズを組み合わせた素晴らしい演奏だった。第2幕を通して、彼女はセストのジレンマを真に明らかにした。

ジェレミー・オヴェンデンは、心地よい英雄的なラインの感覚と、パッセージワークにおけるいくつかの超絶技巧的な瞬間を交えてティートを歌った。このティートは退屈とは程遠く、第1幕での高潔さは、第2幕が進むにつれてより興味深いものへと変化し、オヴェンデンはボーモンのセストとのレチタティーヴォを説得力のあるものにした。私たちはこれが、台本作家がキャラクターを動かすだけの箱庭ではなく、問題意識を孕んだ重厚なドラマであることを認識した。

第1幕では、アンブロジーヌ・ブレのアンニオは単に恋する魅力的な男性だった。しかし第2幕になると、アンニオはより強烈なアリアを歌うことになり、事態は複雑になる。最初はセストを説得してティートのもとへ向かわせ罪を認めさせようとし、次にティートにセストを許すよう懇願する。ブレは期待を裏切らず、両方のアリアは美しさとニュアンスに満ちていた。実際、第2幕を通して彼女はアンニオをドラマ的にも音楽的にも成長させた。

セルヴィリアは、アンニオの愛についてティートに真実を語るという点で、おそらくこのドラマの中で最も道徳的に大胆なキャラクターである。アンナ・エル＝カシェムは、そのキャラクターに純真さをもたらしつつ、素晴らしいフレーズと大胆さを兼ね備えていた。オペラの終盤でも、彼女はヴィテッリアを（非常に美しくではあるが）叱責することを恐れず、その結果、ヴィテッリアの最後の偉大なロンドへと繋がった。

プブリオの役はドラマティックとは言い難いが、アドリアン・フルネソン（ここではプブリオのアリアはカットされた）は舞台上で威厳のある存在感を示し、力強さと尊厳を放っていた。8人の合唱団は控えめながらも支えとなる存在だった。

序曲の最初の音から、ルセの音楽に対するビジョンが、しなやかな軽やかさと明瞭さに、強いアクセントと表現を混ぜ合わせたものであることは明らかだった。そこには『シュトゥルム・ウント・ドラング（疾風怒濤）』の気配があった。