5 Questions to Weston Olencki (composer, multi-instrumentalist)

ウェストン・オレンキはアメリカ生まれ、ベルリンを拠点とする音楽家兼作曲家であり、その作品は楽器や音楽制作の文化史に根本的な関心を寄せている。トークハウスとの最近のインタビューで、ウェストンはサウスカロライナで育ち、ドラム・コー・インターナショナルでマーチングを行った経験について語り、後にそれを「帝国の戦場での動きの音楽的パントマイム」であったと認識したと述べている。彼らのエッセイ「For Instruments」は自身の生い立ちをさらに振り返り、「都市こそが進歩のための唯一の場所である」とみなすアート界の姿勢に異議を唱えている。増え続けるディスコグラフィを通じて、彼らの作品は楽器をめぐる用法や前提、そしてジャンルを越えた音楽演奏を取り巻く文化的慣行を調査している。

彼らのニューアルバム『when the great fires were lit on the other side of the ocean』（Sweet Wreath/TAK Editionsより9月30日リリース）は、電力の到来を取り巻く哲学的、精神的、文化的な信仰を探求している。TAKアンサンブルとの共同プロジェクトである本作は、深いリサーチプロセスの集大成であり、電気そのものを模倣し、反応し、あるいは直接組み込んだ音響空間を作り出している。

「seven kilometers upriver from Suspension Bridge」は、川の音や野生動物の屋外フィールドレコーディングで始まり、1分近く続いた後に音程のある打楽器、弓で弾くヴィブラフォン、輝くような金属音が加わる。木管楽器がきしみ、持続音を鳴らし、60Hzのグラウンドハムを模倣して、最終的にそれが音響空間を支配する。この電気的なハム音は次のトラック、ディラン・カーが翻訳したアイルランドの民謡「‘An Crithir’, or ‘The Spark’ (… a bhfoghar gotha graineamhuil le mhead an eigin arabih Fiacha …)」へと続く。ソプラノのシャーロット・マンディは最初、遠くの合唱に寄り添われるが、曲の感情が高まると、アンサンブル全体が猛烈なノイズの壁を作り出し、それは曲の冒頭にあった電気的ノイズから花開いたかのように現れる。

アルバムのリリースに先立ち、リサーチをどのように芸術的実践に統合しているかについて、ウェストンに5つの質問を投げかけた。

――TAKアンサンブルとの徹底したコラボレーションによるこのアルバムを振り返って、あなたの制作プロセスにおいてコラボレーションは一般的にどのように位置づけられますか？「作曲家」と「コラボレーター（共同制作者）」の間に線引きをしますか、もしそうならどこに引きますか？

「何らかの線引きはあるでしょうが、事前にそれを引くことは好みません。完全なグループによる共作から伝統的な分業制まで、私たちが本当に何を作りたいのか、その特定の音楽が成功するために何が必要なのかを進行しながら見極め、そこから進める方がやりやすいと感じています。

年齢を重ねるにつれて、より明確に定義された役割（作曲家、演奏者、エンジニアなど）のほうがうまく機能すると感じるようにはなりましたが、それらの役割は頻繁に変わり、プロジェクトごとにかなり異なります。とはいえ、創造的なインプットは本質的に協調的なものであり（たとえその労力を見ようとしなかったり評価しなかったりする人がいたとしても）、あらゆる芸術は関わるすべての人によって明らかに形作られます。作曲家の役割においては、いわゆる場の空気を読み、作品のどの側面に自分が責任を持って取り組み、どこを他者の声のために開けておくべきかを正直に測ろうとしています。

したがって、この作品において私は、記譜などを含め、伝統的な意味での作曲家にずっと近かったです。しかしこの作品は、個々の音楽家として、また集団としての彼らであるTAKのためのものに他なりません。場合によっては、彼ら自身の創造的な素材を直接（もちろん同意の上で）扱ったり、彼ら個人の様式的な傾向を念頭に置いて書いたりしました。最近の記譜に関して、私は譜面台の演奏者側に立つことのほうが多いです。そのため、非常に詳細なドキュメントを作成した上でそれを手放し、彼らに自由に委ねることは楽しい挑戦でした」

――あなたはこのアルバムを「ある種、概念的なリサーチへの執着」と表現しています。リサーチと並行して音楽的アイデアを生み出す傾向がありますか、それとも個人的な調査が作品を導くようにしていますか？

「間違いなく両方です。リサーチの段階で飛び出してくるアイデアもあれば、背景でゆっくりとくすぶっているものもあります。私が見つけた最も的確な比喩は、脳の中に磁石かハエ取り紙があるというものです。多くのものを取り込み、アイデアを形成し、引きつけられる糸をたどっていくと、ある時点で、内部にくっつき広がり続けるものの間のパターンやつながりに気づき始めます。通常、そのどこかに作品が存在します。

私はこのプロセス全体を通じて、できる限り多孔質（受容的）であろうとしています。時間、周波数、あるいは構造的な形式の中で、非常に直接的な方法で重ね合わせやもつれ合いを扱い、多くの異なる糸を織り合わせることができる音というものは、このような連想的思考を外在化するのに最適でした」

――あなたの2025年のアルバム『Broadsides』は個々の楽器の文化的重要性を扱っていますが、今回のニューアルバムは音楽以外のリサーチ実践から着想を得ています。「楽器とともに、楽器のために、楽器について」音楽を書く人物として、『when the great fires were lit on the other side of the ocean』はご自身の幅広い作品群の中にどのように位置づけられると考えていますか？

「実際には、これもまだ音楽的なものだと言えます！私は電子音を多く扱いますが、この作品を始めたとき、私たちがどのようにして電力を資源にしたのかという正確な文脈をあまり理解していませんでした。そのため、最初のきっかけは電力網の歴史について本を読むことでした。

発電機の周波数、位相、倍音が科学的および音響的な枠組みの双方からどのように理解できるかなど、一部の音楽的アイデアはかなり即座に浮かびました。これが、60Hzのケーブルハム音に重ねられた、作品の比率に基づいた和声言語の基礎を築きました。そこから私の内なる磁石は、電子音楽の『電気』の部分に直接向かいました。そもそもシンセサイザーのようなものを接続し、『電子音楽の歴史』を持つことができるようになるために、どのような状況が生じたのか？ということです。

ですから確かに、より広い視点から見れば、音楽的な志向は薄いかもしれません。しかし私たちは、マイクの収音、ケーブルのハム音、再生機器、プラグインなど、あらゆる合成音においてこの現象を扱っています。壁のように一見ありふれたものに、このような深みを見出すこと……」