« What the Body Does Not Remember » de Vandekeybus : l’éternelle jeunesse d’un classique contemporain - Cult News

パリ・フィルハーモニーにて、ヴィム・ヴァンデキーブス振付『What the Body Does Not Remember』が再演され、なぜ一部の作品がその力を失うことなく数十年を生き抜くのかを鮮烈に思い出させた。アンサンブル・アンテルコンタンポランによって演奏されるドゥ・メイとフェルメールシュの楽譜は、ダンスのための完璧な舞台装置として昇華されている。

永遠とは言わずとも、少なくとも時代を超越した作品が存在する。1980年代の振付作品のいくつかがそうである。マギー・マランの『May B』やピナ・バウシュの『Nelken』が思い浮かぶ。これらの作品を（再）鑑賞することには二重の意義がある。それは当時の美学を提示すると同時に、現代の芸術形式に残された遺産について考察を促すからだ。

1987年にフランドルの振付家ヴィム・ヴァンデキーブスによって創作されたこの作品は、彼のカンパニー「ウルティマ・ヴェス」の礎石であり、今日でも驚くべき活力を保持している。単なるレパートリーへの回帰を超え、このリバイバルは真の（再）発見として現れる。それは、時代に深く刻印されながらも、現代と対話し続ける作品の発見である。

1980年代のエネルギー、すなわち形式的な実験、身体的パフォーマンス、そして分野の境界を取り払うことへの嗜好を即座に感じる一方で、このショーは過去のものとは感じられない。特に第2幕が象徴的だ。出演者たちは石膏のレンガを手に、地面に触れないようにレンガの上を歩き、移動させる。子供の遊びのようでありながら、その動作には激しさと正確さが宿る。彼らがレンガを高速で空中に投げ、顔のすぐ近くで受け渡すとき、ダンスが展開される。リスク、自己信頼、他者への信頼、集団のダイナミズム、身体の限界についての考察を通じて、サーカス的な要素が入り込む。

これこそが今回の再演の成功の理由である。作品が時代の証言であると同時に、深く時代を超越した対象であり得ることを示しているからだ。それは芸術分野間の意味のつながりを再構築することを可能にする。

このショーの最も印象的な側面の一つは、その演劇的な次元にある。ダンスと演劇の境界が曖昧になる、あるいは存在しなくなるずっと以前から、そしてバウシュと同時期に、ヴァンデキーブスは出演者が単なるダンサー以上の存在となる状況を構築していた。彼らは存在感そのものとなり、束の間のキャラクターとなり、強烈な人物像となり、あるいは身体的・関係的な課題に直面する個人となる。

各シークエンスには独自のドラマツルギー、緊張感、課題がある。非常にダイナミックな場面では、光の斜線の中で、出演者たちがスーツのジャケットを着たり脱いだり、奪い合ったり、与え合ったりする。それぞれが独自の歩き方とダンスの質を持っている。それは語られる物語そのものである。次の場面ではジャケットが色とりどりのバスタオルに置き換わる。創意工夫、素材との戯れ、対象が多様な意味を投げかける能力、すべてが貫かれている。私たちはもう二度と、タオルの畳み方を以前と同じようには見られないだろう。

この演劇性には、明らかなユーモアが伴っている。状況のズレや反復から生まれる、時に不条理で、時に皮肉なユーモアだ。会場に響く笑い声は、この作品が厳粛さを拒絶していることを思い出させる。この軽やかさこそが作品の大きな特質であり、人間関係についての深い問いを投げかけつつ、観客に呼吸の場を提供している。

この作品は、女性に対する性的暴力や性差別を率直かつ正面から扱っている。このテーマは舞台上で新しく扱われたものではない。4組の男女のデュオが舞台を共有する。身体検査のように腕と足を広げられ、ダンサーたちは男性ダンサーに触れられる。そして抵抗が始まる。常に阻止されながらも、常に繰り返される。その暴力性は痛々しく、観客を見つめるダンサーたちの視線は、なぜ何もしないのかと問いかけてくるようだ。

作品は、互いに大きく異なる場面の連続として構築されている。奔放な疾走、信頼のゲーム、対立、静止や待機の瞬間。各シークエンスは特定の色彩や領域を探求する。もちろん、場所によっては散漫な印象を与えることもあるが、この多様性が一貫した全体を構成している。

すべての状況をつなぐ共通の糸がある。それは身体とその状態だ。カップルになるには？家族を作るには？優しさを与えたり受け取ったりするには？

この場面ごとのアプローチは、後にポストドラマ的演劇として定義されるものに通じる。ここでは物語を語るのではなく、同時に複数の物語を語り、経験を生み出すことが目的である。意味は、直線的な物語よりも、状況、リズム、イメージ、そして出演者の存在から生まれる。各場面は、観客が独自の道筋を構築する、あるいはそれを拒否する自由を持つ、考察と感覚の空間を開く。

音楽はこの構造において不可欠な役割を果たす。アンサンブル・アンテルコンタンポランの並外れたソリストたちによって奏でられるドゥ・メイとフェルメールシュの楽譜は、真の推進力として機能する。フィリップ・グラスに近い反復的なモチーフ、脈動、そして断絶が、公演全体に浸透する永続的な緊張感を生み出している。

音楽は常に身体と対話しており、ソリストの一部は舞台上でダンサーのすぐ近くに存在している。それは状況を増幅させ、この（以下原文欠損）