Criação como escuta
作曲家アレシャンドレ・ゲッラ、自身の創作過程や新作について語る
傾聴としての創作――作曲家アレシャンドレ・ゲッラへのインタビュー
映画音楽の売れっ子作曲家であるアレシャンドレ・ゲッラは精力的に活動を続けている。現在はジャイメ・モンジャルディン監督の新作映画『Guido』を手掛けており、これは今年この分野で3作目の仕事となる。コンサート音楽の領域でも同様である。彼はソニア・ルビンスキーに捧げられたピアノと管弦楽のための『カルロス・ゴメス幻想曲』や、マルク・シャガールの絵画に着想を得た『夢幻舞曲』を書き上げたばかりである。11月には、ファビオ・マルティーノの委嘱によりオスカー・ワイルドの小説『ドリアン・グレイの肖像』に着想を得て作曲されたピアノ協奏曲の録音（ピラシカーバ交響楽団による演奏）がリリースされる。ゲッラは以前にもマルティーノのために独奏ピアノ曲『エドワード・ホッパーによる変奏曲』を作曲し、こちらもディスクとして発売されている。この12か月間で、彼の作品はすでに19のシンフォニック・コンサートで演奏された。また10月には、サンパウロ市立劇場でバレエ『ブラジルの伝説』が上演される。カルロス・ゴメス、シャガール、ホッパー、オスカー・ワイルドなど、ゲッラの作品は視覚芸術や文学、その他の芸術表現と対話を続けている。『Revista CONCERTO』のインタビューに先立ち、彼は自身の創作プロセスについて「イメージの中には、常に理解をすり抜けるものがある。そしてそのすり抜けるものこそが、創作者としての私を惹きつける」という短いメッセージを寄せた。ここから話を始めるのがよいだろう。
――その考えについて、もう少し詳しく聞かせていただけますか。
「常に主観性の追求があります。美術史そのものが示しているように、絵画的な描写や具象表現から離れても表現は存在し続けます。芸術は抽象化へと進みましたが、それでもなお、イメージが示唆しつつも決定づけはしない物語を喚起し続けました。私にとって非常に面白く刺激的なのは、この主観性の領域です。私は幼い頃に詩を書き始めたため、私の創作プロセスは必ずしも本質的に音楽的な問題に基づいているわけではない形式を持っています。それは、私を創作へと駆り立てる火花を起こすテーマを求めます。海に入るときは、砕ける波を越えなければなりません。冷たい水の中に入り、波を越えて海へ入るための動機が必要です。多くのエネルギーを費やすことになるのは分かっています。創作においても同じで、自分の中に『渡りきるエネルギー』を動員するものなのです。そのため、一つの専門領域にのみ立脚しているのでは不十分です。私が何らかのテーマに心から情熱を抱き、魅了され、その横断へと駆り立てられたときに私の創作は機能します。具体例を挙げましょう。私はラフマニノフの『交響的舞曲』を聴いていて、自分にはシンフォニックなシリーズ、交響舞曲の組曲がないことに気づきました。しかし、ドビュッシーの『神聖な舞曲と世俗的な舞曲』や『ウエスト・サイド物語』のダンスのような素晴らしい作品がある中で、交響舞曲を書く自分とは何者か、と思うわけです。そこで、これを自分の領域に引き入れ、舞曲そのものの脱構築であり、想像された舞曲、夢の中の舞曲である『夢幻舞曲』を書こうと考えました。このアイデアを支えてくれるイメージを探し始め、マルク・シャガールの絵画の中にまさに求めていたものを見出しました。彼は絵画の中にシュルレアリスムの不条理を置きながらも、花婿と花嫁、田園風景、田舎の情景などを混ぜ合わせ、まるでクレーン車の視点からそれらの要素が漂っているのを見ているかのように描いています。そこで私は各楽章のためにイメージを選び出し、それらのイメージが創作プロセスへ飛び込むためのカタパルトとなり、また道標にもなりました。音楽は時に技術的な誘惑や複雑にしたいという欲求を帯びることがあり、そうなるとイメージの領域から離れ、その場所を見失ってしまうからです」
――詩について言及されましたが、音楽への興味と、文学や造形美術への興味では、どちらが先だったのでしょうか。
「『天職（vocação）』という言葉は、『呼び出し（chamamento）』を意味する『vocari』に由来します。語源に立ち返ると、才能や天職という思い上がった考えから離れることができます。才能とは呼びかけであり、その場所を歩むよう招かれているのだと変わるからです。高校1年生の時、私は詩のコンクールに応募しましたが、当時はほとんど詩を書いていませんでした。それでも座って書こうとすると、詩が自分のもとにやってきたように感じました。それは『聴く（傾聴する）』プロセスでした。音楽においても同様で、私の創作プロセスは聴くプロセスです。私は物事を聴き、それを書き留めます。音楽に対して自分を押し付けるのではなく、受け取ったものを受け入れます。もっとも、すべてが神秘的あるいは直感的に見えすぎないように言っておくと、私はアメリカで教育を受け、ケルロイターに師事し、音楽の言語や技法に関心を持っています。したがって私の作曲プロセスは様々な要素を経ます。例えば『夢幻舞曲』の場合、私は音楽的なイディオム、言語、領域を探しに行きました。画家がキャンバスに向かうとき、パレットに使う絵の具のセットをあらかじめ用意し、描きながらそれを見直します。パレットがあらかじめ考えられているからこそ、統一感が生まれます。私は自分が往来する領域を探すというこの考え方が好きです。そしてそれが、その楽章やその作品のためのパレットになります。人々は私が映画音楽を作っているからいつも同じ方向に向かうと思いがちですが、それは事実ではありません。私はセリー主義、ポリフォニー、パンディアトニシズムなど、あらゆる領域を通ってきました。しかしそれらは常に私の物語に従属しています。技術が音楽の上に君臨することは決してなく、色彩として機能するだけであり、支配することはありません。なぜなら、私は再び自身の『聴くこと』に仕えなければならないからです」
――編成はどのように選ぶのですか？ 『エドワード・ホッパーによる変奏曲』はピアノ連作であり、『ドリアン・グレイ』ではピアノ協奏曲を選びました。
「テーマの探求は私の人生において恒久的なものであり、作品ごとに異なる物語があります。私は美術家のセルジオ・フィンゲルマンの講座を受け、彼はエドワード・ホッパーに数回の講義を割きました。私は非常に興味を持ち、探求を始めました。同時に、F（※原文はここで途切れています）」
