Editor’s Note
韓国国内で開催された演劇『ラクリマ』、国立バレエ団『ジゼル』、エリザベート・レオンスカヤのピアノ独奏会、アンサンブル「アートハウス17」リサイタルの公演評
REVIEW | 記者たちの公演観覧後記
Editor’s Note
すべてが空虚になった労働者が流す涙
演劇『ラクリマ（Lacrima）』
10月2・3日 城南アートセンター オペラハウス
虚ろながらも揺れる眼差しで映像を残す一人の女性。切迫した様子の女性はやがて倒れ、舞台は修羅場と化す。フランスのストラスブール国立劇場芸術監督であり劇作・演出家のキャロリン・ギエラ・グエン（1981〜）の演劇『ラクリマ』は、そのようにして韓国初演の幕を上げた（10月2日観覧）。
イギリス王女のウェディングドレス制作のため、パリの高級衣装店「メゾン・ベリアナ」の作業員たちは高揚した雰囲気の中で動く。しかし、この極秘プロジェクトの首席責任者マリオンと彼女の周囲の生活は崩壊していた。娘は問題行動を繰り返し、夫は彼女の浮気を疑った。周囲から「本当に大切なものが何か見なさい」と叫ばれても、いつしか盲目的になった労働が彼女を押しつぶした。行き過ぎた責任感が災いしたのか。結局、王女のベールは壊れてしまった。
果たしてこれらすべては一人の欲が招いた問題だったのか。ムンバイの刺繍工房「メゾン・シャイナ」の職人アブドゥルは、娘に送る小遣いを稼ぐために休むことなく働き、やがて視力を失う危機に瀕する。しかし彼を雇った会社は、工房ディレクターのマノジに「倫理規定」を掲げて代替人員を要求し、この瞬間、観客は下請け監督者から不必要な罪悪感を読み取る。
グエンは、このように巨大な労働システムの不条理を、部品のように扱われる一人の個人の人生が崩れていく過程を通じて描き出す。約3時間に及ぶ公演を貫くのは、マリオンの人生に染み込む重圧感と、絶え間なく耳を打つ心拍の音だ。映像で結ばれたパリ・アランソン・ムンバイという3つの作業場の時間は同時に流れ、誰かの人生が崩れる間も労働者たちの手は止まらなかった。紆余曲折の末に届けられたドレスは、「日の沈まぬ国」イギリスの王女の結婚式でわずか27分間登場するにとどまり、虚しさを増幅させた。
「息をして」。舞台転換のために約3分の時間が与えられ、案内画面にはただ一つの文章だけが点滅した。インターミッションと思える時間にも依然として映像の中の作業員たちは刺繍を刺し続け、観客もまた少しの間息を整える余裕すら許されなかった。これらすべての場面は、極度の生産性と効率性を追求する過程でついて回る「過労国家」の汚名が今なお日常を支配する、劇場の外の現実を思い起こさせた。彼らは何を得るために限界を超えた労働に自らを捧げたのか。その答えを見つける前に、空っぽになってしまった誰かが流す「涙」、それこそが本作のタイトルである「ラクリマ」だった。
文：チャン・ジヒョン記者／写真：城南アートセンター
愛すらも止めることができなかった死
国立バレエ団『ジゼル』
10月13〜18日 芸術の殿堂 オペラ劇場
息絶えた乙女たちが墓から起き上がり、白いドレスを着て踊る。そうして森をさまよい、道に迷った男に出会うと疲れ果てて死ぬまで踊らせる。この不気味な伝説に心を奪われた19世紀フランスの詩人テオフィル・ゴーティエがこれを舞台上に呼び起こす構想を始め、そうして1841年、ロマンティック・バレエの傑作『ジゼル』が誕生した。
国立バレエ団の『ジゼル』は、ジャン・コラリとジュール・ペローの原振付をパトリス・バール（1945〜2025）が再振付したバージョンで、2011年の国立バレエ団初演以降、レパートリーとして定着した。特に今回の舞台は、キム・ジュウォン団長兼芸術監督の就任後初となるソウル全幕公演という点で格別だった（16日観覧）。『ジゼル』の妙味は2つの幕の極明な対比にある。
ブドウの収穫を控えた田舎の村、少女ジゼルの心臓は貴族アルブレヒトへの愛で軽快に高鳴る。花びらで恋を占う行動など、初演当時の「バレエ・パントマイム」的要素が際立っていた。第1幕の頂点は、アルブレヒトの裏切りを悟ったジゼルの「狂乱の場」。理性を失ったジゼルは愛の記憶を辿りながら息を引き取る。ダンサーのアン・スヨンは、ときめきから絶望へと突き進む感情の落差を、乱れる身振りと視線で表現した。幕間が過ぎ、月明かりが差す墓地から始まる第2幕。純白のチュチュを身にまとい、爪先で滑るように進むウィリたちの群舞、いわゆる「バレエ・ブラン」は非現実的な美の極致だった。死んだジゼルの墓を訪れたアルブレヒトも、ウィリたちの女王ミルタに捕らえられ死ぬまで踊らされる運命に置かれる。しかしウィリとなったジゼルは、自分を裏切った恋人を守るために再び踊る。第1幕の踊りが愛への誓いだったとすれば、第2幕は恋人を救おうとする必死の救済である。ただ、予期せぬアクシデントにより当日公演の第2幕途中でアン・スヨンが負傷のため降板し、当初「ドゥ・ウィリ」役だったオム・ナユンがジゼルの代役を務めた。やがて夜明けの鐘が鳴り響いてウィリたちは消え去り、アルブレヒトだけがジゼルの墓の前に残された。裏切った恋人を死から救ったものの、失われた命を取り戻したり、二人の愛が回復したりするわけではない。それでもジゼルは、自分が経験した不幸を別の死で返すことはしない。自分を傷つけた人の命までも守り抜くということ。おそらく『ジゼル』が見せる最も難しい踊りは、華麗な跳躍でも重力に抗うような爪先の動きでもなく、「許し」という選択なのかもしれない。
文：ユ・ネリ記者／写真：国立バレエ団
CLASSICAL MUSIC
エリザベート・レオンスカヤ ピアノ独奏会
時の痕跡ごとに音楽となる瞬間
10月3日午後5時 城南アートセンター コンサートホール
今回の公演の最初の曲であるシューベルトのピアノ・ソナタ第17番第1楽章で、今なお活動的で力動的なレオンスカヤ（1945〜）の「現在」に出会った。主旋律だけでなく、一緒に演奏される装飾のような旋律群が耳に入ってきた。陽光を受けてきらめきながら流れる水のような自然さがあった。時折断固としていたが、大半は自由な表情が維持された。薄暗くなる部分は力強かったが不自然ではなかった。晩年の歌がきらめきながらそこにあった。終盤に速いテンポで処理する部分も印象的だった。
第2楽章は観照的かつ回顧的だった。走馬灯のように過去がかすめた。ゆったりと柔らかなタッチは鍵盤を抑圧せず労った。夢を見るようにほのかで、厚みのある部分も透明だった。当時は知らなかったが、過ぎ去ってみて知る母親の歩んだ道のりがこのような情感を帯びているのかもしれない。夢と無意識の世界であるかのように戯れる高音がきらめいた。遅いテンポでゆっくりと下降する風景だった。
第3楽章では、高音の美しさがゆっくりと輝き、周囲の空気さえ貴重なものへと変わるようだった。遅いテンポのドラマが客席へと徐々に伝わり、演奏からはミステリーも漂った。第4楽章は活力と生気をもって扉を大きく開けた。重厚な質感が鍵盤からあふれ出た。速弾きにおける活気も新鮮だった。暗くなった部分は強烈だった。明るく活気あふれるフィナーレで、レオンスカヤの高音は鐘の音のように響いた。
第2部はショパンの作品で構成された。スケルツォ第1番では、レオンスカヤの最初の音が爽快に砕け、鈍重な重みへと続いた。強奏と弱奏の間にある柔らかい糸の束のようなピアノの音が、馴染み深い曲の随所を指し示した。叙情的な部分は遅く夢見るように演奏された。寂しさと温かさが冷たい水と熱い水のように同時に押し寄せ合流した。レオンスカヤの演奏は、鋭く胸を抉る部分でも慈愛を失わなかった。フィナーレのダイナミクスは前半を忘れてしまうほど強烈だった。
続く夜想曲第3番でレオンスカヤのピアノが作り出す音色は、粒子が固くなく流動的な柔らかい質感として伝わってきた。厚く薄暗くなっていく部分で強烈なエネルギーが際立った。音から音へとつなぐ連結音が澄んでいて玲瓏だった。
ソナタ第3番の第一印象は、この曲の他の演奏に比べて明らかに線が太く美しく歌われるという点だった。短い第2楽章は一筆書きのようだった。中間のトリオは深く陰っていた。第3楽章ではレオンスカヤならではの澄んだ遅い慰めを感じた。優雅さと静けさが客席へと降り注いだ。余韻が終わらないうちに第4楽章が始まった。比較的速いテンポで極端に流れが途切れ、ミスタッチが目立った。高音と下降音型の速弾きでも滑らかでない部分が続いた。年月の痕跡というべきか、遅く鈍い老年期の日常のように素早く元の位置に戻ることはできなかったが、彼女が渾身の力を尽くして作品を軌道に乗せようとしていることがよく分かった。
アンコールの1曲目はモーツァルトのソナタ K.545より第2楽章アンダンテ。屈託のない童心とそれまでの歳月が交錯し、その短い瞬間に数々の記憶を呼び起こすようだった。2曲目のアンコールはドビュッシーの前奏曲集第2巻より最後の曲「花火」だった。錆びない技巧と感覚で全世界の舞台を駆け巡ったレオンスカヤの存在感は、公演後も舞台上に残った。
文：リュ・テヒョン（音楽コラムニスト・大元文化財団専門委員）／写真：城南アートセンター
アンサンブル「アートハウス17」リサイタル
復元を超えて現在の言語へ
10月10日午後5時 高陽アラムヌリ アラム音楽堂
時代楽器を演奏するということは、当時の音楽的慣習と表現様式を理解し、その音楽が持つ性格を今日の舞台でどのように具現化するか苦心する過程である。加えて歴史主義的演奏は、演奏者の解釈を通じて音楽の意味を現代に蘇らせることである。ただし、演奏者が抱く思索の深さが観客にどれほど届くかはまた別の問題だ。
今回の公演で出会った古楽アンサンブル「アートハウス17」は、古典的な問いに対して自分たちならではの方法で答えを投げかけるアンサンブルだった。チェンバロ奏者兼音楽監督のミハエル・ヘル、オペラ演出家のトーマス・ヘフト、ヴィオラ・ダ・ガンバ奏者兼プロデューサーのゲオルク・クローナイスで構成される彼らは、音楽と演出を融合させた舞台を披露し、不慣れながらも新鮮な衝撃を与えた。アートハウス17は、第1部「エッゲンベルクの響き」、第2部「リメンバー・ミー」で構成されたプログラムを高陽アラムヌリの舞台に上げた。
宮廷の音楽から発見した劇的生動感
第1部は、アンサンブルの拠点であるオーストリア・グラーツ郊外のエッゲンベルク城に関連する作品を中心に繰り広げられた。ビーバーの『祭壇あるいは宮廷のためのソナタ集』よりソナタ第1番で幕を開けた。トランペットの華麗で刺激的な響きがホールを満たす過程で、序盤は弦楽群との音量バランスがやや不均衡に聞こえる瞬間もあった。しかし演奏が進むにつれてホールの音響に耳が慣れると、楽器間のバランスも整っていった。むしろ異なる楽器の音色が対比をなしつつも一つの音楽の中で調和を作り出す過程が印象的だった。
続くランディの「来たれ、死よ」、バッハのカンタータ第82番より「いまや眠れ、汝ら疲れし眼よ」など、死を歌う甘美なアリアは感情的な動揺を引き起こし、続くシュメルツァーの舞曲で見せた躍動感あふれるリズムと特有のエネルギーも印象的だったが、第1部の美学的頂点はヘンデルのオペラ『エイシスとガラテア』より「さえずる愛らしい小鳥たちよ、静かに」だった。音楽監督のミハエル・ヘルが演奏したリコーダーの明瞭で軽快な音型は鳥のさえずりを描写すると同時に、ソプラノのソフィー・テインマンが歌ったガラテアの旋律と絶妙な対位的緊張感を形成した。特にリコーダーの音色が作品内の状況を描写し登場人物の感情を際立たせる手法が印象深かった。古楽というと厳粛で洗練された演奏を思い浮かべがちだが、この舞台は音楽の中に込められた劇的要素とユーモアを生き生きと蘇らせた。
旅立ちと記憶、希望を織り成した音楽劇
第2部は、第1部のアカデミックな性格を超えて完結した一つの音楽劇的な構成をとった。演奏者たちがそれぞれ旋律を奏でながら時間差をつけて一人ずつ登場し、20世紀初頭のユダヤ人を思わせる衣装と音楽的雰囲気が調和しながら、彼らの過酷な旅路が次第に姿を現した。演奏と舞台演出が噛み合い、演奏者たちはそれぞれに事情を抱えて旅に出る人々のよう見え、観客も自然とこの旅路に加わることとなった。
構成も感情の密度を高める細やかな配置が際立った。ジョン・ダウランドの「さあ、今こそ旅立たねばならない」やロベルト・シュトルツの「なぜ旅立つのか私に尋ねないで」は、故郷を去らねばならなかった人々の悲しみを劇的に露わにした。その感情は特定の時代に限られない普遍的な感情として迫ってきた。続くヘンリー・パーセルのオペラ『ディドとエネアス』より「私が地に葬られるとき」では、死と別れの情緒がさらに深まった。「私を記憶してほしい、しかし私の運命は忘れてほしい」という歌詞は、記憶されたい思いと自分が経験した苦痛だけは残したくない思いの矛盾を通じて悲痛さを鮮明に表した。
続いて演奏されたヨハン・ショップの「涙のパヴァーヌ」……（原文以下途絶）
