Stir Q&A: Les Arts Florissants’ Paul Agnew on why Monteverdi still matters - Stir

アーリー・ミュージック・バンクーバーの主催により、パリを拠点とするバロック・アンサンブル、レ・ザール・フロリサンがモンテヴェルディの『タンクレディとクロリンダの戦い』を演奏する。アーリー・ミュージック・バンクーバーは、11月17日午後7時30分よりチャン・センター・フォー・ザ・パフォーミング・アーツにて、レ・ザール・フロリサンを迎えた「The Magic of Monteverdi」を開催する。

クラウディオ・モンテヴェルディはイタリアの後期ルネサンスおよび初期バロック時代において最も重要な作曲家と広く見なされているが、約2世紀にわたりほぼ忘れ去られていた。テキストにより強い感情的重みを持たせるため、当時の厳格なポリフォニー規則を破り論争を巻き起こしたこの革新的なイタリア人作曲家による1607年の『オルフェオ』は、今日でも定期的に上演されている最古のオペラである。

1643年にヴェネツィアでモンテヴェルディが死去した後、彼の名前と作品は忘れ去られていたが、20世紀初頭に再発見された。1970年代の古楽、ピリオド楽器、歴史的情報に基づく演奏（HIP）への関心の高まりによって、本格的な再評価が行われることとなった。

1979年に設立されたレ・ザール・フロリサンは、そのリバイバルの第2波において重要な役割を果たした。創設者であるアメリカ生まれの指揮者・チェンバロ奏者ウィリアム・クリスティは今も芸術監督を務めており、2020年にはイギリスのテノール歌手ポール・アグニューが共同音楽監督に就任した。

現在、レ・ザール・フロリサンはマドリガーレの選集やオペラ的シェーナ『タンクレディとクロリンダの戦い』を含むモンテヴェルディ作品のプログラムで、北米およびヨーロッパをツアー中である。

アグニューに対し、この作品がなぜ重要なのか、そしてなぜ今なおモンテヴェルディが大切なのかを尋ねた。

――今年のサマー・フェスティバルの一環として、アーリー・ミュージック・バンクーバーはモンテヴェルディのオペラ『オルフェオ』の本格的な舞台上演を行い、現在は「The Magic of Monteverdi」を届けています。なぜモンテヴェルディは現代の聴衆にとってもこれほど重要な存在であり続けているのでしょうか？

アグニュー：それは素敵な偶然ですね！私は2000年のこのフェスティバルで、スージー・ルブランのエウリディーチェとともにオルフェオのタイトルロールを歌いました。バンクーバーでの素晴らしい時間のとても幸せな思い出で、今でもそのTシャツを持っています！

モンテヴェルディが不可欠であり続ける理由は、彼の音楽の力と美しさにあります。彼は現代における最初の真に偉大な作曲家であり、ソロの声が解放される時代に生まれ、1607年の『オルフェオ』をはじめとする最初の偉大な音楽劇を創り出しました。詩と音楽が完璧なバランスを保っている、音楽史上稀有な瞬間です。

音楽は常にテキストの感情的および劇的な要求に応えるべきであるというモンテヴェルディの原則は、その後のすべての世代に影響を与えることになります。しかし本質的には、彼の作品の素晴らしい美しさが聴衆を魅了することを願っています。

――『タンクレディとクロリンダの戦い』は当時、非常に革新的な作品でした。作曲者がその中で導入した音楽的工夫や手法にはどのようなものがありますか？

アグニュー：『戦い（コンバッティメント）』は魅力的な独創性を持つ作品です。そのテキストはトルクァート・タッソの『解放されたエルサレム』に基づいています。タッソは北イタリアのマントヴァやフェラーラの宮廷によく出入りしていたため、タッソとモンテヴェルディはおそらく知り合いだったはずです。

この作品では、ピッツィカートの最初の言及、トレモロの使用、馬のギャロップや剣がぶつかり合う音の描写など、当時としては革新的だった弦楽伴奏の技法が数多く使用されています。

モンテヴェルディはその音楽的解釈によって私たちを鮮やかで極めて表現豊かなイメージへと引き込み、音楽がテキストの要求に常に従うという自身の本質的な原則を一貫して適用しています。

――原典の楽譜は3つの声部、分割された弦楽器、通奏低音のために書かれています。今回の演奏もそのように行われますか？

アグニュー：私たちが把握できる限りにおいて、1624年にヴェネツィアのモチェニーゴ宮殿で演奏されたのとまったく同じ方法で演奏します。出版された楽譜にはモンテヴェルディ自身による魅力的な序文（avviso）が記されており、どのように演奏されるべきかが説明されています。私たちはその指示にできる限り厳密に従うよう努めています。

――レ・ザール・フロリサンは長年にわたりモンテヴェルディのマドリガーレやその他の作品を数多く演奏し、録音してきました。作品へのアプローチは時間の経過とともに変化しましたか？また、歴史的情報に基づいた方法でこの音楽を提示することはどれほど重要だと感じていますか？作曲当時の響きを本当に知ることは可能なのでしょうか？

アグニュー：レ・ザール・フロリサンでは、「その場にいる天才はただ一人であり、それは演奏者である私たちではなく、もちろん作曲家である」という重要な格言を採用しています。このことを認識した上で、作曲家――この場合はモンテヴェルディ――が楽譜にペンを走らせる際、頭の中に特定の色彩や効果を描いていたことを理解しなければなりません。社会学的・音楽学的な研究によってその色彩に近づくことができれば、その天才に近づくことができるのです。

多くの点で、私たちが正しい音を作り出せていると確信できます。例えば、私たちの第1ヴァイオリン奏者はモンテヴェルディの死の直後に作られた楽器を演奏します。そのヴァイオリンは現代化されておらず、当時使用されていたものに近いと分かっている弦が張られているため、初演時に響いたであろう音を奏でていると高い確信を持てます。

チェンバロについても同様に、研究や複製品の製作が可能な当時の実物が残されています。

問題となり得るのは歌手です。私たち全員にとって悲しいことに、人間の寿命という制約があるため、モンテヴェルディの時代の歌手は一人も存在しません。しかし、彼の時代の歌手たちやその技術、モンテヴェルディが彼らに何を期待していたかについての多くの記録が残されています。

私たちにできることは、モンテヴェルディが認めたかもしれない音のパレットに近づくことを願いながら、演奏を組み立てる際にそうした指針に誠実に従うことだけです。これは精密科学ではありませんが、極めて多くの情報に基づいた実践です。

モンテヴェルディの音楽の多くは出版されず、現在は失われています。現存する作品の中で……