Q & A: Christopher James Ray on the Importance of Carlisle Floyd in His Life Ahead of Carnegie Hall Centennial Concert

（写真提供：カーティス・ブラウン）

6月20日、カーネギーホールはアメリカ・オペラ界で最も個性的な声の一つを称える、カーライル・フロイド生誕100周年記念コンサートを開催します。自身の作品の作曲と台本の両方を手掛けたフロイドは、地方の生活、世界恐慌、南北戦争後のアメリカ南部を題材とした作品群を築き上げ、彼をよく知る界隈からは「アメリカ・オペラの父」や「長老」と称されてきました。しかし、その界隈の外では、彼の名声は本来の評価ほどには知られていません。

この100周年記念公演の中心にいるのは、指揮者のクリストファー・ジェームズ・レイです。彼とフロイドの関係は、フロイドがタラハシーに隠居し、妻を亡くした直後、当時フロイドの教え子だったレイがフロイドからフロリダ州立大学でピアノのレッスンを受けることに同意したことから始まりました。非公式な関係から始まった交流は次第に師弟関係へと発展し、レイは最終的にフロイドと共に全米のオペラ制作現場を回り、作曲家と音楽スタッフの連絡役を務めるまでになりました。

レイはその後、伝統的および現代的なオペラ・レパートリー全般にわたるキャリアを築きましたが、フロイド作品の最も重要な解釈者の一人となり、その立場でカーネギーホールの指揮台に立つことになります。コンサートを前に、レイはメンフィスからOperaWireのインタビューに応じました。

OperaWire：クリストファーさん、インタビューに応じていただきありがとうございます。カーライル・フロイドはしばしば「アメリカ・オペラの父」や「長老」と称されますが、アカデミアや特定のクラシック音楽界の外、特にアメリカ国内では、ほとんど知られていないようです。これに同意されますか？また、もしそうなら、なぜでしょうか？

クリストファー・レイ：良い質問ですね。彼が過小評価されているという点には同意します。それが、私たちがこの100周年記念プロジェクトに取り組んだ大きな理由の一つです。カーネギーホールのコンサートだけでなく、組織全体が、彼にはもっと認知される価値がある、少なくともブランドとしての認知度が必要だと信じていました。

アメリカでは誰もが『スザンナ』を知っています。オペラの世界にいれば『スザンナ』、あるいは『二十日鼠と人間』を知っているかもしれませんが、それ以上はあまり知られていません。そこで私たちは、NEA（全米芸術基金）やオペラ・アメリカへの貢献、地方のオペラ団体や教育への献身、ヒューストン・グランド・オペラ・スタジオでの次世代のオペラファンや歌手の育成など、オペラという産業に対する彼の貢献について語ることで、その状況を正そうと考えました。

なぜ知られていないのか、その理由は定かではありません。実際、他のアメリカのオペラ作曲家と比べて彼がそれほど知られていないのか疑問です。フィリップ・グラスやジョン・アダムズは例外で、非常に知名度が高いですが、フィリップ・グラスは映画音楽を多く手掛けています。フロイドが交響楽団のための曲をあまり書かなかったことが、理由の一つかもしれません。

OW：彼の教え子であり、非常に大きな影響を受けた指導者として、あなたは彼が自身の作品を継承するだけでなく、彼のスタイルや音楽へのアプローチを成功させる人物として期待していた存在だったはずです。彼とはどのような人物でしたか？また、今振り返って彼をどう見ていますか？

CR：最初に思い浮かぶのは、彼が穏やかだったということです。紳士という意味でも、精神的にも、親切な人でした。教師としても非常に要求が厳しいことはありましたが、決して厳しく当たるようなことはありませんでした。彼がもっと辛辣だった若い頃の話も聞いたことがありますが、私が知っている彼の人生最後の10年間は、厳しさを保ちつつも過酷ではありませんでした。

彼は、自身の音楽だけでなく、音楽全般をどのように捉え、解釈すべきかという情報を伝えることに熱心でした。私はそれを持ち続けています。時には最も簡単なやり方ではないこともありますが、努力を重ねれば、音楽を深く掘り下げた時に信じられないような結果が得られることに気づくはずです。

私はバイロイトで数回の夏を過ごし、クリスティアン・ティーレマンと話す機会が多くありました。彼はカーライルが語っていたのと全く同じ方法で音楽にアプローチしています。ティーレマンの方が少し簡潔に表現していたように感じます。

彼はこう言いました。「ベートーヴェンのソナタやメロディのような単純なことを考えてみてください。私はすべてのフレーズのすべてのバリエーションを考え抜こうとします。そうすれば演奏の際、すでに構築されたライブラリーを持っていて、その中から一つを使うことができます。そしてその一つが、次は何が来るか、その次は何かを教えてくれる。つまり、すべての演奏が異なり、すべてのリハーサルが異なるということです。それを好まない人もいます。一度決めたら変えたくないのです。しかし、アーティストやミュージシャン、オーケストラ、歌手は、それが最もやりがいのある働き方だと感じていると思います。柔軟性があることを知り、選択肢のライブラリーが何であるかを知っていれば、『今日はどの本を棚から取り出そうか？』と考えるのは楽しいものです。」

カーライルも同じようにアプローチしていました。フレーズや音楽はすべて自分の核、直感から来るものです。すべての選択肢を知るために事前に準備を尽くし、その瞬間に自分の直感に従うのです。

OW：彼の批評家の多くは、彼が現代オペラで求められる資質よりも、プッチーニやその時代の作曲家を彷彿とさせると指摘しているようです。

CR：同意しますが、彼はそれを褒め言葉として受け取るでしょう。そして、それこそが観客が彼の音楽にこれほどよく反応する理由だと思います。実際、プッチーニのようだと宣伝すれば、人々は喜んで聴きに来るでしょう。70年代の12音技法やシリアリズムなど、何と呼ぶかは別として、現代音楽だと思われると人々は怖がってしまうのです。