Talking Heads: Mike Batt
作曲家マイク・バットが初の交響曲を作曲し、自身の音楽観と創作の背景を語る
多才な作曲家でありソングライターであるマイク・バットが、ベン・ホグウッドに対し、自身の最も成功したオーケストラ作品やポップスの要素を凝縮させた、初の交響曲への挑戦について語った。
作曲活動60年を迎えたマイク・バットは、新たな地平を切り拓いている。キャッチーなポップソング（特にザ・ウォンブルズ）の制作や、ケイティ・メルアをはじめとする他アーティストへの楽曲提供、そして『ウォーターシップ・ダウンのうさぎたち』、『Caravans』、『The Dreamstone』といった印象的なサウンドトラックの制作で成功を収めてきた彼が、今、交響曲の世界に初めて足を踏み入れた。
この新たな出発が今回の対談のテーマである。バットは、ウクライナの苦難をテーマに、そのために特化した交響曲を書き上げた。それは力強く、深い心からの作品であり、印象的な成果である。バットはその評価に感謝の意を表す。「ほとんどの音楽には感情が宿っていると思います」と彼は言う。「たとえそれがネガティブなものや攻撃的なものであっても。この交響曲は戦争を扱っているため、ウクライナのことだけを指しているわけではありません。しかし、ザ・ウォンブルズの曲の多くにも一種のメランコリーがあると言われることがあります。あまり使いたくない表現ですが、それは私のDNAに組み込まれているのでしょう！子供向けのポップソングであっても、それは決して子供だけのものではなく、大人や自分自身のためのものでもあります。私の交響曲における感情は、音楽が自己表現の強力な手段であることから生まれています。戦争で攻撃を受けている人々に対して共感を抱き、彼らに代わって怒りや反抗心を感じれば、その感情が音楽に現れるのは必然なのです。」
交響曲という形式には、ある種の学術的な重荷が伴う。「核心を突かれましたね」と彼は言う。「これを書き始めたとき、『クラシック』のシーンは二極化しているように感じました。どちらかを攻撃するのではなく、観察した上での話ですが。一方はミニマリズムで、一般的に言って私はそれをかなり退屈だと感じます。素晴らしい仕事をしている天才たちがいないとは言いませんが……もう一方は私が『現代クラシック音楽』と呼ぶもので、学術的な要素が強く、私には多くの人々を遠ざけ、感情よりも知性を優先しているように思えます。私にとって音楽とは、人々の感情を呼び起こすためのものです。」
映画サウンドトラックでの仕事は、ここで達成したことの基盤となっているのだろうか？「それよりもさらに遡ると思います。私は繊細な人間で、感情のセンサーは常に研ぎ澄まされています。もっと多くの映画サウンドトラックを手がけたかったのですが、『The Dreamstone』の仕事は交響的なサウンドトラックに値するもので、ロンドン・フィルハーモニー管弦楽団で演奏してもらうよう説得することができました。その後、オーケストラ組曲を書きましたが、それをクラシック音楽と呼べる形式に発展させる必要がありました。しかし、現代のクラシック音楽の思考には『音楽院の教義』のようなものが染み付いていて、そのクラブには入れないのです。私は常に『芸術（art）』を最高のものにしようと努めてきましたが、映画は監督や俳優、関係者全員と芸術的なパートナーシップを築く機会であり、可能な限り芸術的に優れたものにすることを妨げるものではありません。それは描写的な作曲家としてのスキルを伸ばしてくれます。映画音楽は、爆発音や衝突音ばかりが求められた時期がありましたが、私はそうした映画の依頼を受けないことで生き残りました。」
彼はこれを10〜20年前のことだと指摘する。「テーマが聞こえてくると失敗だ、なぜなら観客はそこに集中すべきではないからだ、と言われることがありました。観客の気を散らしているというのです。それはメリル・ストリープの演技について語ってはいけないと言っているようなものです！演出が優れていることに気づいても誰も文句を言わないのに、なぜ音楽では文句を言うのでしょうか？昨日ラジオ3でクラシックの選曲をした際、『アラビアのロレンス』を選びました。あの繊細な半音階的で、ボロディンを思わせるテーマです。あの旋律は、チャイコフスキーが『ロメオとジュリエット』幻想序曲で愛のテーマを使うのとほぼ同じ手法で登場します。それを芸術的に批判できるでしょうか？音楽が突然主役になるのです！話を戻すと、音楽とは何かを表現するためのものです！」
交響曲はその好例である。「これを書き始める前には、ある種の不安がありました。映画の文脈で言う『監督の言葉』、つまり芸術的に深みがあるように聞こえる正しいことを言うのが、私にはとても難しいのです。芸術的な深みを持つと期待される作品を届けるとき、私は気取った言葉を使わず、自分自身でありたいと思います。残念ながら、多くの現代作曲家にはそうした気取りを感じます。交響曲を書き始めたとき、『受け入れられるために、あのような曲を書かなければならないのか？』と考えました。もちろん答えはノーです。そんな結果は悲しいですから。現在生きている人々や、あれこれ批判する人々を喜ばせるために、現代の学術的なトレンドを模倣するつもりはありません。パンクロックが登場したとき、私がポップミュージックや映画音楽をやっていたのと同じようなものです。パンクを書こうなどとは一度も思いませんでした！」
しかし、その影響は微妙に浸透した。「『Six Days In Berlin』を書いたとき、バルトークやストラヴィンスキーの影響を解き放ち、私の少し風変わりなロックのアイデアと混ぜ合わせ、自由な形で自分自身を表現しました。驚いたことに、それが最も売れなかったアルバムでした！しかし、それは自由であり、私なりのパンクでした。私はトレンドに縛られるのではなく、トレンドによって自由になることを選びました。今回の交響曲でもそれができたと思いたいです。」
彼はこれを現実的に適用している。「友人がこの曲をとても気に入り、『ショスタコーヴィチの響きを感じたよ！』と言ってくれました。正直に言うと、私は目まぐるしい音楽人生を送ってきたので、ショスタコーヴィチを深く掘り下げたことはありませんでした。彼についてはあまり知りません。私はあらゆる音楽を愛しており、最初に夢中になったのはシューベルトの交響曲第9番でした。あれには心を奪われましたが、彼の交響曲をすべて知っているわけではありません。私はストラヴィンスキー、特に『ペトルーシュカ』が大好きです。羽が舞うようにテクスチャーが絡み合う様子が好きですが、そこには親しみやすい旋律も存在しています。」
