Handel’s Serse at Barbican
バービカン・センターでのヘンデル『セルセ』
2026年ロンドン・ヘンデル・フェスティバルの一環として、ショーディッチ・タウン・ホールで上演された見事な『タメルラーノ』に続き、ローレンス・カミングスとアカデミー・オブ・エンシェント・ミュージック（AAM）は、1738年にロンドンのキングズ・シアターで初演されたヘンデルの『セルセ』を上演した。『セルセ』の系譜には、1654年にヴェネツィアで初演されたカヴァッリの『セルセ』（台本：ニッコロ・ミナート）や、ヘンデル版の原作となったシルヴィオ・スタンピーリアの台本に基づくジョヴァンニ・ボノンチーニの1694年版がある。
今回の『セルセ』は、コンサート形式とセミステージの中間のような形式であった。小道具（第2幕の花など、AAMのリーダーであるユリア・クーンにも配られた）や衣装、舞台上の活発な出入りがあったが、その真価はヘンデルのオペラの宝石ともいえる音楽にあった。
簡素化された演出は、この作品の喜劇的要素のバランスを助けるものではなかった（公平に見て、カヴァッリの『セルセ』よりは少ないが）。しかし、私にとって新しい名前であるトーマス・チェンホールは、エルヴィーロ役を最大限に活かした。この役は第2幕で、またアマストレとのやり取りの中で真価を発揮する。優れたバリトンであり俳優でもあるチェンホールは、2019年にウェックスフォードで国際デビューを果たしており、今後注目すべき存在である。彼はストラスブールのオペラ・ナショナル・デュ・ランのオペラ・スタジオに加わる予定であり、双方にとって実りあるものになるだろう。
紀元前470年頃のペルシャを舞台にしたヘンデルのオペラは、人間関係と非常に流動的な筋書きを楽しませるもので、音楽が独特の流れを持っている。また、ビゼーの『真珠採り』と同様に、有名な二重唱のような大曲が冒頭に置かれている（本作では「オンブラ・マイ・フ」）。しかし、ヘンデルの『セルセ』には劇的あるいは音楽的な減衰はなく、全編を通じてインスピレーションが絶えることはない。
もちろん、「オンブラ・マイ・フ」は木への愛の歌という特別なアリアである。恋するセルセ役はポーラ・マリーヒが務め、すぐに強い印象を与えた（セルセはソプラノのカストラート役で、初演はガエターノ・マヨラーノ、通称「カッファレッリ」が務めた）。しかし、彼女の役柄に対する親密な共鳴は、夜を通じて完全には維持されなかった。共演者が素晴らしく、キャストに欠点がなく、声楽的にも全体として非常に壮観だったためかもしれない。マリーヒは愛を宣言する決意（「Io le diro」）においてリズムの弾力性を持っていたが、セルセの全体的な性格は軽く感じられた。「Di tacere」では軽視された感情を特定できたが、王と共にその感情を完全に生きることは難しかった。「Più che penso」は少し電圧が低く、やや弛緩していた。結尾の「Crude Furie」は技術的には見事だったが、彼女が世界にもたらすはずの混乱を引き起こすような喚起力はなかった。ピアニストのターニャ・ブライヒとのリサイタル・ディスク『I Would Walk with My Love』を聴いた後では、さらなる期待を抱いていた。
ルイーズ・オールダーはヘンデルを歌うために生まれてきた。序盤のアリオーソ「O voi, che penate」がそれを証明しており、「Va godendo」での敏捷性、リコーダーやヴァイオリンとの対話における装飾音の軽やかさは見事だった。「Nemmen con l’ombre」での旋律の紡ぎ方、そしてヘンデルが声とヴァイオリンのユニゾンを要求する箇所（第1幕の「Se l’idol mio」や第2幕の嫉妬のアリア）での歌唱は、オールダーの正確さが誰にも負けないことを示した。余談だが、オールダーは2017年1月にフランクフルトで行われた同オペラの公演のDVD/Blu-rayで、アタランタ役としても聴くことができる。
しかし、この夜の真のスターは、元OAEライジング・スターのメゾソプラノ、レベッカ・レゲットであった。ズボン役であるアルサメーネを演じた彼女の声は美しく、響きがあり、多才であることは「Meglio in voi」で証明された。出演者の中で、レゲットは観客をすべての言葉、すべての感情に釘付けにした。第2幕の喪失を歌う暗いアリア「Quella che tutta fè」ほどそれが真実であった場所はない。これは間違いなくこの夜のハイライトであり、カミングスはレゲットの滑らかなレガートを理想的に支えるシェードとピアニッシモを弦楽器から引き出した。
歌手が強い印象を残す一方で、パフォーマンスが低下すると驚きと痛みを感じるものだ。コントラルトのクラウディア・ハックルが演じたアマストレがそうであった。彼女は非常に多くの感情を運ぶことができる驚くほど美しい声を持っており、第1幕の「Se cangio spoglia」は、愛への決意を歌う際の敏捷性と音程のマスタークラスであった。しかし、夜が進むにつれて可聴性に波があり、その後再び調子を取り戻した。
第1幕を締めくくるのはアタランタで、そのアリア「Un cenno leggiadretto」は、スコットランド生まれでパリ在住のソプラノ、レイチェル・レドモンドによって素晴らしいキャラクターで歌われた。ヘンデルは第2幕でアタランタのためにグラウンド・バスを用いたアリア（「A piangere ogn’ora」）を用意しており、チェロのジョセフ・クラウチが提示したテーマは美しく、アタランタの旋律と対比された。しかし、ヘンデルはアタランタの嘆きとエルヴィーロの必死の花売りを対比させることで、それをあえて成就させない。彼女は陽気な「Dirȁ, che amor per me」で輝く瞬間を得て、レドモンドはその機会を見事に掴んだ。
男性よりも女性歌手の方が多いが、もちろん女性の役が多いわけではない。ルカ・ティットートはトラヴェスティではなく、力強く響くバスとして出演した。彼の「Soggetto al mio volare」は、音楽だけでなく劇的な存在感においても、経験の深さを示した。しかし、ここでのポイントは、歌手同士の相互作用にある。