5 Questions to Sarah Hennies (composer)
サラ・ヘニーズ（作曲家）への5つの質問
過去20年間、サラ・ヘニーズは現代アートの生態系の中で、音響的かつ概念的な隙間を見出す反復的な音楽的実践を展開してきました。長尺の反復に対する彼女の類まれなアプローチは、言葉にできない、圧倒的な、あるいは見過ごされがちな経験をたどる繊細な音色やテクスチャーを呼び起こします。演奏家との緊密なコラボレーションから生まれる作品は、聴衆をクィアな親密なつながりや、スロバキアからニューヨーク州北部までの場所の共鳴へと引き込みます。ヘニーズのパーカッションのためのソロ録音、エッセイ、ビデオ作品は、自身の経験に基づき、トランス／クィアの生活を彩るニュアンスを反射的に形にし、コミュニティの連帯のための空間を作り出し、社会文化的規範についてのより広い考察を促しています。
この基盤から、ヘニーズはこの特徴的なスタイルを根茎のように広げ、多様な形式や機関に浸透させてきました。トリスタン・カステン＝クラウスとの共同作曲は、彼女の打楽器の音色技術のきらめく側面を明らかにする贅沢な音場を作り出しています。テリー・バーリアによる巨大な彫刻的打楽器は、『A Kind of Ache』（2024年）において、クィアなオブジェクトとサウンドスケープをEMPACなどの機関にもたらすために展開されました。
最近の展開として、ヘニーズはより大規模な器楽アンサンブルとコラボレーションし、新たな音響的・概念的な領域を切り開いています。2024年のアルバム『Sarah Hennies: Motor Tapes』には、彼女が初めて指揮し、通作形式で書かれた作品が収録されており、慎重に調整されたジェスチャーを通じて時間と記憶の精神分析的概念を探求しています。また、弦楽オーケストラ作品『Falling Together』（2021年）は、伝統的な演奏技法とオーケストレーションを解体し、音楽的および集団的労働の限界についての印象的な瞑想となっています。
ヘニーズはこの軌跡を継続し、8月1日にカブリロ現代音楽祭で初演される初のフル・シンフォニック・オーケストラ作品『The Grain House』を発表する予定です。私たちはヘニーズにインタビューを行い、彼女の創作活動、キャリア、そしてこの刺激的な新作の公演について振り返りました。
――インタビューや執筆の中で、あなたの音楽は意識する前に自分自身の一面を明らかにすることが多いと述べていますね。今、自分自身や自身の活動についてどのような発見をしていますか？
今は面白い状況にいて、自分が何をしているのか本当によく分かっていません。文字通り、自分が完全に理解していない音楽スタイルで作業しており、多かれ少なかれ全く新しい種類の音楽を無から生み出そうとしています。[Switch~ Ensemble]のための『Blindsight』や、サラ・サヴィエットとジョー・ヒューストンのための『The Blue Hour』といった最近の作品がその例であり、『The Grain House』もその道を歩んでいます。
科学者は脳の仕組みを理解していますが、実際には860億個のニューロンがどのように協力して意識、記憶、感情などを生み出しているのか、私たちはほとんど知りません。私たち一人ひとりの内側には、意識はしているものの直接アクセスできない広大で未知の世界があり、合理的な決定を下したり作曲プロセスを理屈で考えたりしないこの方法で音楽を書くことは、その不可知な場所にアクセスする道なのです。（抽象的な音楽として提示されていますが）私の作品の多くは、人生の困難な経験を非常に直接的な方法で処理する場所から生まれており、年を重ねるにつれて、より具体的なことよりも、こうした神秘的な空間を扱うことがよりエキサイティングになっています。
――あなたのプロジェクトの多くは、プロセス、楽器、素材、空間との親密な関わりを可能にするコラボレーションの精神を体現しています。特に影響を受けた過去のコラボレーションはありますか？
最もやりがいのあるコラボレーションは、演奏家が私自身は見出せなかった音楽の中の何かを見つけてくれた時です。例えば、ネイト・ウーリーのトランペット曲『Monologue』では、彼は曲の進行に合わせてゆっくりとトランペットを分解していきます。私は作曲中、これは一種の不条理なコメディになるだろうと思っていました。しかし、ネイトの演奏を初めて見た時、私が想像していたよりもはるかに遅く、空間的で、音楽の中に私自身が予期していなかった非常に強力で暗く悲劇的な性質が宿っていました。しかし、それは私が書いた時に（無意識のうちに！）音楽が向かっていた場所そのものだと気づきました。ジュディス・ハーマン、グレッグ・スチュアート、ベント・デュオなど、他にも多くの素晴らしいコラボレーションがありましたが、その作品は、書いた時には全く計画していなかったものになり、当初想像していたよりもはるかに優れたものになった最近の作品として心に残っています。
ベーシストのトリスタン・カステン＝クラウスとのデュオはもう4年近く続いており、私が参加した中で最もやりがいのあるパフォーマンス・コラボレーションであり続けています。私たちは完成時に約3時間となる長期間の大規模な作品に取り組んでおり、2027年秋に初演される予定です。これほど長い期間、他の人と目的とビジョンを共有できるのは素晴らしいことです。普段は締め切りに追われ、作品が完全に発展するよりも速く作業せざるを得ないことが多いので、これほど大きなプロジェクトがほぼ無制限の時間の中で有機的に展開していくのは素晴らしい経験です。
――クィアの批評家として、あなたの活動が多様な形式（パフォーマンス、作曲、ビデオ作品、執筆）を通じてトランス／クィア経験の無数のニュアンスに空間を開く方法を称賛してきました。トランスフェミニンな作曲家のための「GLISSレジデンシー」を通じて、この実践をコミュニティ構築やメンターシップにもたらすのはどのような経験でしたか？
GLISSレジデンシーは、私たちの分野（そして実際には芸術全般）においてトランスフェミニンの表現が欠如していると感じることについて、inti figgis-vizuetaと交わした会話から生まれました。私たちは、自分たちのためだけの何かを行い、それが参加する人々に（願わくば！）永続的な影響を与えるようなものにしたかったのです。最初のレジデンシーは2025年8月に3人の作曲家を迎えて行われました。