Roma, Teatro dell’Opera sul Tevere: “Fitzcarraldo” - gbopera.it

ローマ、テヴェレ川のローマ歌劇場

『フィツカラルド』

船上オペラ

企画・芸術監督：ファビオ・モーガン

作曲・音楽監督：フランチェスコ・レイネリ

台本：アンドレア・カルヴェッリ

フィツカラルド：ジョルジョ・チェレンツァ

助監督：ユーリ・グエッラ

女優：クララ・ラ・リカタ

俳優：アントニオ・サピオ

神託：アントネッロ・ドリーゴ

パーカッション：アレッシオ・カヴァリエーレ

フレンチホルン：ルイージ・ジネスティ

ライブ・エレクトロニクス：フランチェスコ・レイネリ

ローマ歌劇場カントリア

制作・舞台監督：アレッサンドラ・ムスケッラ

イラスト：フンカモーレ

ローマ歌劇場、E45によるプロジェクト

ローマ市支援、Zètema Progetto Cultura協力

ローマ、2026年9月2日

ローマは凡庸なショーを飲み込む街だ。窓を開け、ドームや廃墟、夕暮れのテヴェレ川を舞台にすれば、本来なら10分も持たないような内容でも、そこに属さない尊厳を突然獲得してしまう。これがローマの大きなアリバイである。劇場が欠けているとき、ローマそのものを見せるのだ。本作『フィツカラルド』はまさにこの危険性から出発し、ある種の無鉄砲さをもってそれを増幅させることを決断した。舞台も幕もなく、客席の安心できる暗闇もない。ファビオ・モーガンが企画・演出、フランチェスコ・レイネリが音楽・指揮、アンドレア・カルヴェッリが台本を手がけたこのオペラは、観客を船に乗せ、テヴェレ川へと送り出す。周囲には橋、壁、ドーム、廃墟、サンタンジェロ城がある。つまり、内容が優れていなくても、ショーを素晴らしいものに見せかける要素がすべて揃っている。だからこそ、本作はそこで評価されなければならない。地理的な条件によって保証された「雰囲気」ではなく、それに抗う能力によってである。ローマを舞台装置として選ぶオペラは、残酷な挑戦を受け入れている。街が目の前を通り過ぎる間、船上で起こることに耳を傾ける理由がまだ存在することを証明しなければならないからだ。

ヴェルナー・ヘルツォークの映画『フィツカラルド』への言及は明白だが、それをそのまま演劇に移し替えるのは短絡的だろう。映画から残されたのは、むしろ不可能な事業への執着である。クラウス・キンスキーが演じた冒険家がアマゾンの森にオペラハウスを建てる夢を追い求めて船を山越えさせたように、モーガンは逆の行為を行う。オペラを劇場から引き剥がし、船の上に乗せるのだ。バリトンのジョルジョ・チェレンツァが演じるローマ版フィツカラルドは、文明の残骸として想像された街を横断する。彼と共に、助監督役のバス、ユーリ・グエッラ、女優役のソプラノ、クララ・ラ・リカタ、俳優役のテノール、アントニオ・サピオが旅をする。神託はカウンターテナーのアントネッロ・ドリーゴによるオフステージの声である。この装置を完成させるのがローマ歌劇場のカントリアであり、単なる合唱以上の役割を担う。彼らは観察し、語り、同行し、旅を廃墟の再確認へと変容させる。これこそが本作の最も興味深い直感かもしれない。ローマがすでに終わったかのようにローマを見ることだ。永遠の都は、永遠という陳腐なレトリックから一度引き剥がされ、遺物として観察される。橋や堤防、記念碑は一時的に絵葉書であることをやめ、存在しなくなるかもしれない何かの証言となる。観客は考古学的な視点に強制され、過去を見るように現在を見ることになる。

しかし、フランチェスコ・レイネリの音楽は手強い敵に直面する。意図的に最小限に絞られた編成は、声に加え、アレッシオ・カヴァリエーレのパーカッション、ルイージ・ジネスティのホルン、そしてレイネリ自身のライブ・エレクトロニクスを組み合わせる。これは、コンサートホールの青白い模倣を船上に持ち込むという不条理を最初から放棄した賢明な選択である。音は場所と、その不安定さ、そして何よりその不純さを受け入れる。テヴェレ川に劇場の静寂は存在しない。エンジン音、遠くの声、街の騒音、水、交通がある。劇場では邪魔になるすべてが、ここでは観客の知覚スコアに必然的に入り込む。しかし、ここに本作の中心的な問題が浮かび上がる。音楽とローマ、どちらが真の主導権を握っているのか？前者が後者のサウンドトラックになってしまうリスクは常に存在する。ドームが現れ、橋が近づき、サンタンジェロ城が視点を変えるとき、それらは作曲家が不利になるほどの視覚的力を持つ。最良の瞬間、プロジェクトはこの不均衡を受け入れ利用するが、そうでない瞬間には、劇場が勝ち取るべき感情を風景が作り出しているという感覚を拭い去るのが難しい。ポスト・アポカリプス的な都市と再生の可能性というアイデアも、現代演劇では使い古されたメタファーであり、説明的になりすぎると、装置がより知的に示していたものを台無しにするリスクがある。本作は、説明をやめたときに最も説得力を持つ。

しかし、この実験を「雰囲気のあるイベント」という危険なカテゴリーから救い出す要素が一つある。それは「移動」である。西洋演劇では観客は動かず、世界が目の前で変化する。ここではその逆が起こる。ローマは静止し、観客が動く。すべての橋が舞台の袖となり、前進するたびに風景が変わり、川のカーブが舞台装置を動かすことなく場面転換を生む。その時点で演出は、伝統的な演劇が嫌う「コントロールの喪失」を受け入れなければならない。光は変わり、騒音が干渉し、誰かが川岸に現れるかもしれない。ローマは演出家の命令を聞かない。そして、これこそが本作の最も実りある矛盾である。オペラが船上で上演されるという事実そのものではなく、それ以上の何かがそこにあるのだ。