«Будет вечная музыка…»

「永遠の音楽があるだろう…」

大衆の意識の中で、ミカエル・タリヴェルディエフは依然として『運命の皮肉』や『春の十七の瞬間』の不朽のテーマ曲の作者として第一に認識されている。しかし、彼の才能は映画音楽の枠を超えている。「メロディヤ」社および「Bomba Music」からリリースされたこれらのコレクションは、室内楽的な告白からジャズの自発性、ポストモダン的な折衷主義に至るまで、マエストロの創作の様々な側面を明らかにしている。これらのレコードは、作曲家の思考の深層、過去の音楽への暗示、そして20世紀後半における新しい響きへの妥協なき探求を露わにしている。

ミカエル・タリヴェルディエフ、ニーナ・レベデワ『タリヴェルディエフ：ロマンス』（メロディヤ）

このコレクションは、1950年代から1960年代の変わり目に、タリヴェルディエフの個性的外観と創作上の特徴が形成されていた時期の、声楽・器楽的な探求に捧げられている。当時、作曲家は言葉を用いて多くの実験を行い、ウラジーミル・マヤコフスキー、レオニード・マルチノフ、エフゲニー・ヴィノクロフ、ベッラ・アフマドゥーリナ、マリーナ・ツヴェターエワ、そして洗練された日本の俳句など、作風の異なる詩人たちを扱った。これらは、新しいものへの渇望と隠された秘密の探求によって規範の境界が揺らいだ時代の音楽的肖像として有機的に結びついている。テキストはロマンティックで、時には表現主義的なトーンで解決され、多様な発声法と角張ったハーモニーが用いられている。

ピアノに向かった作曲家のパートナーとなったのは、ボリショイ劇場のソリストであるオペラ歌手、ニーナ・レベデワである。彼らの創造的な結びつきは、タリヴェルディエフの音楽を演奏する啓蒙的なコンサートの間に形成された。作曲家は伴奏するだけでなく、会場からのメモに答え、詩について語った。後に彼はレベデワを「素晴らしい室内楽歌手」と呼び、彼女もまたタリヴェルディエフとの共同作業に触発され、「彼の音楽には深いイメージが込められており、考えることや思索することを好む歌手であれば、無限の可能性を与えてくれる。タリヴェルディエフのロマンスは、歌手の歌唱力だけでなく演技力も動員する。テキストと音楽が密接に結びついているため、ただ歌うだけではいけない。この音楽を深く感じ、理解し、『演じる』必要がある」と回想している。

レベデワの録音は、まさにこの言葉を直接的に証明している。彼女はロマンスを歌うだけでなく、それを生き、感情的に満たし、意味のニュアンスを明らかにしている。『水』における皮肉な断絶、『私は感覚を捉えていた』における緊張した慎重さ、『旅路へ』における期待の高揚など、どの細部も疎かにされていない。アフマドゥーリナの詩による『15人の少年たち』は、各参加者に独自の音楽的イントネーションが割り当てられた対話となっており、神経質な朗読風のスタッカートと、物悲しい旋律的なレガートが交互に現れる。また『嫉妬の試み』では、声が歌詞に込められた悲劇性、刺々しさ、痛みを極限まで引き出している。

タリヴェルディエフ自身が演奏するピアノパートは独立した重要性を持ち、ボーカルと対等な音楽的対話を行っている。楽器はボーカルラインに伴走し、その変化に応答して感情的な影響を強めている。結果として、リスナーの前にはミニ・スペクタクルが繰り広げられ、聴覚は何度もその動きを注意深く追うことになる。

ミカエル・タリヴェルディエフ『叙情詩』（メロディヤ）

2016年にリリースされた叙情的な歌と器楽曲のコレクションは、作曲家の創作の鍵となる最も有名なページ、すなわち映画音楽を反映した一種のアンソロジーである。『運命の皮肉、あるいは軽やかなる入浴を！』、『春の十七の瞬間』、『明日まで』、『オリガ・セルゲーエヴナ』などのヒット曲の連続を通じて、タリヴェルディエフの優れたメロディスト、深い思想家、そして詩的な意味を繊細に解釈し、複雑なことを優雅かつ気楽に語る解釈者としての才能が明らかになる。

このアルバムで注目されるのは、タリヴェルディエフが（教師として）個人的に指導し、共演した演奏家たちの構成である。例えば、トリオ「メリディアン」。メンバーは別の地域からタリヴェルディエフのレッスンに通っていた。彼らによる有名な『チホレツカヤへ』や『家には誰もいないだろう』の演奏は、映画版と比較してより遊び心があり、活気に満ちている。メロディを複数の声に分配することで豊かなハーモニーが強調され、母音の追加的な旋律（ジャズのスキャットに似ている）が音楽に立体感を加えている。

ガリーナ・ベセディナとセルゲイ・タラネンコのデュエットは、作曲家の教育活動におけるもう一つの章である。1年間にわたって続いた作業は、詩的な対話とボーカルのバランスを構築することにあり、女性の声を強め、男性の声を制限することが求められた（タリヴェルディエフは「セルゲイは少し抑え、ガリャには歌わせる」と語っていた）。そしてそれは実を結んだ。二人の演奏家による繊細な音楽的「会話」は、まるで恋人同士の語らいのように愛と芸術の偉大な力を称えており、感動的な『音楽』を聴けばそれを確信できる。

イリーナ・ポドシヤンと器楽アンサンブル「メロディヤ」による『私はトネリコの木に尋ねた』の解釈も独創的である。わずかなビブラートを伴う物憂げなコントラルトが、管楽器、ヴァイオリン、ギター、チェンバロによって支えられている。このような音色の構成が楽曲に軽やかさを与え、最後の「参加者（チェンバロ）」のおかげで、音楽にはバロック的な洗練のニュアンスが加わっている（これはタリヴェルディエフの様々な作品において異質なものではなかった）。

このコレクションのもう一つの宝石は、ギュッリ・チョヘリが歌う『夕暮れに』である。これは単なる歌ではなく、言葉と声と沈黙による小さな人生であり、わずかな呼吸さえも意味を持っている。ピアノの導入後の短い休止から生まれたボーカルは、かすかな悲しみと信頼感を伴って響き、魂に浸透する。音楽の室内楽的な性格にもかかわらず、歌手は囁きや空間的なエコーから、興奮の高まりとクライマックスに至るまで、呼吸とイントネーションの巧みなコントロールを披露している。ボーカルとユニゾンで響く伴奏には、ロマンスのメランコリーとジャズの軽やかさ、和音のきらめきと旋律的な装飾が組み合わされている。