Shalom-Music.Koeln 2026 Review: Psalmen Davids

「SHALOM-MUSIK.KOELN 2026」は、「Zuhören（意図的な聴取）」をフェスティバルのモットーに掲げた。ケルン各地でのコンサートを通じ、音楽を用いて異なる伝統や文化間の対話を促進し、特にユダヤの遺産に焦点を当てた。

壮大な閉幕コンサートの歴史的枠組みは、ライブステージで聴く機会の少ない音楽に新たな光を当てた。サラモーネ・ロッシ（1570年頃-1630年頃）は、17世紀初頭のイタリアにおいてユダヤ文化とイタリア文化の間を往来した先駆者である。マントヴァのカトリック系ゴンザーガ家に雇われ、宮廷のための器楽曲を創作する一方で、地元のシナゴーグのために多声合唱曲も執筆した。彼の作品を、同じくイタリアの影響を受けたドイツの巨匠ハインリヒ・シュッツの作品と並べて聴くことで、音楽的アイデアがいかに国境や信仰を越えて伝播したかが示された。

【音響的課題と声楽パフォーマンス】

会場のトリニターティス教会は、ローマの初期キリスト教建築を彷彿とさせるポルチコとバシリカ様式の構造を持つ。空間的には古楽に適しているように感じられるが、実際には高い石造りの身廊が音を拡散させ、特に演奏者の立ち位置によっては音楽の輪郭をぼやけさせる音響特性がある。

この難しい環境は、エマ・カークビーにとって真の試練となった。彼女の長いキャリアを追ってきた熱心な聴衆にとって、今回の短い出演はわずかな失望をもたらした。わずか3曲の演奏のうち、最初の2曲であるシュッツの「Singet dem Herrn」と「Herr, unser Herrscher」では、比較的弱い声の投影が身廊に響き渡るのに苦労した。彼女の立ち位置における音響の焦点の欠如が、彼女の速いメリスマのパッセージを飲み込み、象徴的な澄んだ声をほとんど個人的な囁きにまで減退させた。

幸いなことに、器楽奏者たちはパフォーマンスを支える十分な配慮を見せた。バロック・アンサンブル「ART HOUSE 17」は彼女を軽やかに伴奏し、カークビーを前面に押し出した。「Herr, unser Herrscher」では、ヴィオラ・ダ・ガンバをヴィオローネに持ち替え、低音部に新鮮で素朴な質感をもたらし、ホールの雰囲気を活気づけた。カークビーはコンサートの最終曲であるシュッツの「An den Wassern zu Babel」で、より良いバランスを見出した。WDR合唱アカデミーの4人の若手ソリストと共に歌い、オルガンとヴィオローネの深い響きに支えられ、満足のいく結末を迎えた。

カークビーの控えめな投影とは対照的に、WDRの4人の歌手（バリトンのウォン・デヨン、テノールのフェリックス・レップレ、メゾソプラノのラウラ＝マリア・プッシュ、ソプラノのカタリーナ・ヒルツ）は、初期バロック様式と声楽技術の両面で確かな力量を示した。プログラムの音楽は、単なる劇的な音楽作りを超えて、歌詞とバランスへの細心の注意を要求するものであった。これらは聖書の詩編に基づく宗教曲であり、彼らは歌詞を主要な指針として扱い、歌詞の中に深い感情の重みを見出した。シュッツの安定した和声展開とゆったりとした音楽の流れを持つコラール風の作品においても、聴衆の注意を惹きつけ続けた。音響のせいで時折薄く聞こえたテノールを除き、SATBの四重唱は透明感のあるブレンドで歌った。彼らはお互いに注意深く耳を傾け、声の入りと出を印象的な配慮でバランスさせた。

彼らの技術は、サラモーネ・ロッシの「E'lohim hashivenu」で際立っていた。4声のテクスチャーと様々な二重唱の組み合わせの間をスムーズに切り替え、彼らの声はオルガンのストップのように変化し、異なる音色を引き出した。シュッツの「Mein Seele soll loben Gott den Herrn」では、各歌手が個々の声質を披露する機会を得た。その後、シュッツの明るい3拍子の「Cantate Dominum SWV81」では、2人の女性歌手が聖堂を喜びのエネルギーで満たした。

【器楽の輝き】

「ART HOUSE 17」の器楽奏者たちは、夜を通して称賛に値するまとまりのあるアンサンブル・サウンドを維持した。創造的な選択として、彼らはユダヤ的な色彩を微かに導入するためにアコーディオンを編成に加えた。この楽器は、小さなチェスト・オルガンのように機能する輝かしい背景を作り出した。

ソロ・ヴァイオリニストのアルフィア・バキエワは、純粋な音色と自然なフレージングでアンサンブルを率いた。聴衆が最も感銘を受けたのは、彼女の演奏の素晴らしい声楽的な質であり、このアプローチはサラモーネ・ロッシのヴァイオリン・ソナタを極めてよく表現していた。第2ヴァイオリンや通奏低音チームとの対話は、音響に対する深い認識を示していた。彼らは音が教会でどのように響くかに耳を傾け、音響空間が自分たちのタイミングや音楽のフレージングを有機的に形作るようにした。ロッシの有名なグラウンド・ベース「ルッジェーロ」と「ベルガマスカ」に基づく2つのソナタは、温かい輝きと活気に満ちていた。

器楽演奏の頂点は、ジョヴァンニ・バッティスタ・フォンターナの「ソナタ第2番」で訪れた。ここでバキエワは卓越した即興技術を発揮し、旋律線に繊細な装飾を織り込んだ。鍵盤奏者のマイケル・ヘルは、チェンバロとオルガンで想像力豊かで趣味の良いサポートを提供した。一晩中複数の役割をこなし、フレスコバルディを彷彿とさせる様式的な装飾でいくつかの曲を前奏した。さらに、ロッシの器楽曲2曲ではリコーダーを演奏し、バキエワのヴァイオリンと繊細な旋律を交わした。器楽演奏における唯一の懸念は、フレスコバルディの「トッカータ第7番」で、楽器の特性上、オルガンのストップ構成がやや濁って聞こえたことである。

【最終的な考察】

小さな音響の問題や、声楽面でのいくつかの不完全さはあったものの、このコンサートは聴衆に啓発的な体験をもたらした。ロッシの遺産をより広いイタリアの風景の中に位置づけ、フェスティバルが掲げる異文化間の対話への取り組みを体現した。