A warning from the near-future

芸術の目的が現代社会の出来事を反映することであるなら、ファシズム的な近未来ディストピアを舞台にしたオペラ演出が着実に増加していることも不思議ではない。近年ベルリンの舞台にはいくつかそのような作品が登場しているが、ベルリン国立歌劇場（ウンター・デン・リンデン）の2026/27シーズン最初の新制作となったリディア・スタイアー演出によるスポンティーニ作曲『ヴェスタの巫女』は、間違いなく最も巧みに仕上げられ、そして最も残忍なものであった。主役を演じたソーニャ・ヨンチェヴァによる見事な歌唱にもかかわらず、その演出の暴力性と現代へのあまりに明白な関連性は、しばしば不穏な夜をもたらした。

イタリアからパリへと移住したスポンティーニは、オペラの歴史において特異な時期に『ヴェスタの巫女』を作曲した。グルックの革新がオペラの形式に足跡を残してから数十年後であり、ロッシーニやマイアベーアの取り組みによってフランスのオペラが「グランド」なものになる優に20年前のことである。『ヴェスタの巫女』はその当時野心的な作品であり、大衆的な成功を収めただけでなく、その後の世代の劇作家・作曲家たちからも多くの賞賛を集めた。今日このオペラがあまり知られていないとすれば、ベルリオーズ、ヴェルディ、ワーグナーといった作曲家たちがスポンティーニの先進性を取り入れ、それをさらに洗練させたためであることはほぼ確実である。スポンティーニの他の作品の多くは完全に忘れ去られてしまったが、『ヴェスタの巫女』はソプラノの見せ場として定期的に再演されている。

台本の古代ローマの設定は、禁じられた愛のかなり図式化された物語のための都合のよい口実となっている。主人公のジュリアは、恋人であるリシニウスが戦場で名声を博している間に、意に反してヴェスタの処女の儀式に加入させられていた。この基本的な概要はスポンティーニに簡潔で優雅に構築された悲劇の素材を提供したが、演出のリディア・スタイアーは、抑圧的な政権と、女性の純潔の理想に捧げられた同様に抑圧的な宗教カルトという2つの要素を用い、物語をより今日的で著しく暗い方向へと進めた。

スタイアーは過去5年間にベルリン国立歌劇場で他に2つの作品を演出しており、その両方（『西部の娘』では気まぐれなポップ・キャンプ、『ホフマン物語』では気まぐれなノスタルジア）で卓越した技術力を発揮していた。それらの演出が時にあからさますぎると感じられたとすれば、その繊細さの欠如がはるかに暗いテーマのパレットと組み合わされたことで、目覚ましい結果を生み出した。彼女による『ヴェスタの巫女』の解釈は、肉体的にも心理的にもほぼ絶え間ない暴力に満ちており、容赦のない絶望の雰囲気を作り出していた。

原作のローマ風の装飾は、拷問によって反対意見が抑圧され、ほとんどの女性が剃髪、黒いガウン、純潔の誓いを伴う宗教秩序に編入された様式化された軍事独裁政権へと更新されていた（暗示的にも、プログラム冊子にはマーガレット・アトウッドの『侍女の物語』の一節が転載されていた）。ヴェスタの本部と政府の式典ホールの両方を兼ねるメインセットは、すべての本が取り去られた崩壊寸前の新古典主義の図書館（実際にはソルボンヌ大学に基づいている）のようであった。第2幕では、巫女たちが守る永遠の炎が、かつてその損壊した棚に置かれていた印刷本を満載した手押し車によって維持されていることが明らかになる（20世紀で最も悪名高い焚書集会の現場であるベルリンのベーベル広場に極めて近い場所でこれらの光景を見ることは、特に身の引き締まる思いがした）。

この設定が物語の無知と狂信の世界での展開を明白にしたとすれば、舞台上の人々（主要人物と背景の端役の双方）の扱われ方が、この演出に不穏な鋭さを与えていた。スタイアーは生々しい肉体的暴力の場面を盛り込む機会を逃さず、序曲の段階から（無作為の政治犯が殴打され拷問される）始まり、第1幕の神殿の場面で不穏な頂点に達する。そこでは、不信心な巫女が残忍に追放され、その代わりとなる者が意に反して髪を刈られ、大巫女が将来の違反を防ぐための予防措置としてジュリアに血まみれの暴力を加える。わずかな違反に対しても罰を下す巫女たちと周囲の兵士たちの手際の良さは、オペラの全3時間にわたって衰えることのない閉所恐怖症的な恐怖感を与え、ジュリアとリシニウスの双方が破滅する運命にあることを疑わせなかった。台本は説得力に欠ける幸福な結末を提示するが、スタイアーによる最終場面の処理は、彼女が作り出した寒々しい世界の中で著しく説得力を持っていた。

『ヴェスタの巫女』のドラマは比較的少数の登場人物を中心に展開するが、この夜はいずれの役も見事な演奏を披露した。ソーニャ・ヨンチェヴァは序盤から作品の声楽的中心としての地位を確立し、導入の場面では巫女たちの合唱から巧みに際立っていた。彼女の声が舞台上で最も圧倒的であることに疑いはなかったが、豊かな美声と無理のないプロジェクションを単なる見せびらかしのために使うことは決してなかった。むしろ、彼女の歌唱は登場人物の苦境に完全に捧げられ、いくつかの優れたソロ場面を通じて壮大な悲劇性を描き出した。

第1幕のアリアは絶望を雄弁に表現したもので、基本的には内面を見つめながらも堂々とした表現であった。ヨンチェヴァは客席をあからさまな感情で満たすのではなく、はるかに大きな葛藤の瞬間を垣間見せた。第2幕はさらに素晴らしく、最初のソロ場面では音色の広がりと直接的な感情が結びつき（オーケストラが彼女の迫力に完全には合致しなかったとしても）、リシニウスとの二重唱の結びではこの夜最も優れた歌唱が繰り広げられ、抒情的な流れを見せた。