Les Arts Florissants en Milán
ウィリアム・クリスティとレザール・フロリサンがミラノのMITO音楽祭でマルク＝アントワーヌ・シャルパンティエの作品を上演
2026年9月10日。フランス・バロック音楽が、ミラノのダル・ヴェルメ劇場で開催された音楽祭「MITO SettembreMusica」の主役として戻ってきた。マルク＝アントワーヌ・シャルパンティエ（1643-1704）に捧げられた二部作が、ウィリアム・クリスティと彼の団体レザール・フロリサンによって上演された。これは、アメリカの偉大な演奏家であるクリスティと17世紀フランスのレパートリーとの絆を新たにする、特に意義深い選択であった。
夜の部は、クリスティのアンサンブルの名前の由来ともなった『レザール・フロリサン（音楽による牧歌）』（1685年）で幕を開けた。これは、芸術の運命をめぐって不和と平和が対立する寓話である。具体的には、音楽、絵画、詩、建築といった芸術が、混沌と破壊の象徴である戦争と不和によって脅かされる様子が描かれている。
地獄から逃げ出した不和は、あらゆる調和を消し去ろうとし、芸術の破滅を準備するよう戦争に呼びかける。暴力に対し、芸術は力で対抗するのではなく、祈りと希望に身を委ねる。すると天から遣わされた平和が介入し、武器を沈黙させ、戦争と不和を撤退させる。こうして芸術は再び花開き、野蛮に対する平和の勝利を祝うことができるのである。
この寓話の背後には、当然ながら太陽王ルイ14世への賛美が隠されている。彼は調和を保証し、芸術を保護し、混沌の脅威から世界を守る能力を持つ君主として表現されている。しかし結末は、平和の脆さを暗示している。芸術の勝利は決定的なものではなく、不和の脅威は常に潜んでいるのである。
休憩を挟み、フランス・バロックの偉大な古典の一つである『オルフェウスの冥界下り』（1686年）が続いた。この作品では、オルフェウスの神話が、死と暴力に抗う音楽と美の力の強力なメタファーとなっている。物語はオルフェウスとエウリュディケの神話として知られるもので、死に対する音楽と愛の力に焦点を当てている。
牧歌的で幸福な雰囲気の中、ニンフや羊飼いたちに囲まれてオルフェウスとエウリュディケは結ばれる。しかし、その幸福はエウリュディケが蛇に噛まれて急死したことで中断される。絶望したオルフェウスは、彼女を生き返らせるために冥界へ立ち向かうことを決意する。死者の国で、彼の音楽は罪人たちの苦しみを和らげ、復讐の女神たちさえも感動させる。冥界の神プルートーも説得され、オルフェウスが影の国を出る前に振り返らないという条件で、エウリュディケが地上に戻ることを許可する。
しかし、オペラはエピローグの直前で中断される。オルフェウスがエウリュディケの方を振り返るという運命の瞬間は描かれない。神話はこうして宙吊りにされ、沈黙と観客の想像力に委ねられる。この二部作は、シャルパンティエの詩学における二つの補完的な側面、すなわち争いや対立を解消する原理としての調和の賛美と、オルフェウスの冥界への旅に体現された音楽の救済的な力を関連づけている。
ウィリアム・クリスティは、音楽監督を務めるだけでなく、チェンバロとオルガンを演奏した。約40年前に二つの有名な録音を残したこれらの作品を、レザール・フロリサンおよび「ル・ジャルダン・デ・ヴォワ」の若手演奏家たちと共に、音楽、演劇、ダンス、舞台上の所作を統合したショーとして上演した。特に二作品の歌唱パートは、クリスティ自身がポール・アグニューと共に指導するアカデミー「ル・ジャルダン・デ・ヴォワ」第12期生の卒業生たちに委ねられた。彼らは、確かな技術、ディクションへの特別な配慮、そしてテキストの劇的な解釈への顕著な注意を払った、よく訓練された若き歌手たちである。全体として、彼らは団結し、演出のニーズに完璧に応えるチームを形成した。
出演者の中では、特にテノールのバスティアン・リモンディ（オルフェウス役）が際立っていた。高い音域を持ち、確かな発声と明瞭な音色で、フレーズに顕著な表現力を与えていた。また、ソプラノのヨシパ・ビリッチ（平和役）の歌唱も注目に値し、敏捷で輝かしく、声のラインのコントロールと質において非の打ち所がなかった。さらに、ソリストたちは、マルタン・シェによる振付、ランベール＝ル・ビアンとステファン・ファッコによるシンプルながら示唆に富む舞台美術の中で、4人のダンサー（ノエミ・ラルシェヴェック、クレール・グラハム、アンドレア・スカルフィ、トム・ゴドフロワ）と見事に融合する能力を見せた。
振付は、歌唱に自然に寄り添う、本質的で軽やかな動きが特徴であった。時に速く、時に意図的に遊び心があり、常に音楽と舞台の織りなす構造の中に完璧に統合されていた。歌手たちの参加も重要で、彼らはダンサーと交流するだけでなく、舞台上の動きに有機的に溶け込んでいた。その結果、技術的に完璧な遂行に支えられながらも、非常に自発的で一見シンプルなアンサンブルが生まれた。
シャルパンティエはフランス・バロックの言語に完全に属しているが、それを全く個人的な声を通して解釈している。ヴェルサイユ宮廷の公式音楽家であり、彼と競合関係にあったリュリと比較すると、シャルパンティエはスペクタクルや世俗的なものへの傾倒が少なく、内省的な次元に向かっているように見える。彼の演劇は非常に独特な相貌を持っており、そこから浮かび上がる感性は、特に半音階の使用や和声的なニュアンスの豊かさにおいて、後の発展を予見させるものがある。したがって、彼のバロックは誇示することに縛られず、より内面的なものである。
