WAGNER, Tannhäuser – Zurich

『タンホイザー』はチューリッヒで頻繁に上演されており、常に新しい演出が試みられている。2011年のハリー・クプファーによる「インスピレーションに欠ける」とされた演出も、今となっては天才的に見えるかもしれない。なぜなら、今夜の公演は全く別の世界で展開されているからだ。要約すると、序曲の間の最初の場面では、首が落ちて壊れた女性の彫像と、重い柄のついた塊を互いに受け渡し、転んでは起き上がる登場人物たちが映し出される。これほど美しい作品を破壊したのは誰か、そしてそれは誰を象徴していたのか。答えは楽譜の最後の数秒でようやく明かされる。

ヴェーヌスベルクは、プラスチックのコップで覆われた2つの大きなテーブルと、黒い服を着たヴェーヌスに集約される。陰惨だ。タンホイザーが緑豊かな田舎（舞台は常に黒い）へ向かうと、ヘルマン方伯と仲間たち（ヴォルフラム、ヴァルター、ビテロルフ、ラインマール、ハインリヒ）が、霊柩車のようなリムジンで泥酔状態で到着し、テーブルに突っ込んでコップを散乱させる。彼らの酔い具合を示すため、舞台背景の巨大スクリーンには彼らのアップ映像が流れる。彼らが車から運び出したのは、事故にもかかわらず無傷の例の彫像だった。

第2幕の歌合戦はヴェネツィアの祭りのように扱われ、攻撃的な色の衣装が用いられている。エリザベートは、いつもの金髪で愛想の良い女性ではなく、少しずつ動き出す彫像として描かれる。第3幕で彼女は、なぜか自身の外見を維持する必要に迫られ、石膏と人工石を丁寧に塗り込み、乾くことで石化した姿に戻る。しかし『夜の訪問者』のように、彼女の心臓は鼓動し続ける。最終的に、聖なる愛と俗なる愛の板挟みに疲れたタンホイザーは、ヴェーヌスベルクを永久に放棄し、彫像となったエリザベートを破壊することで、幻想的な自由を選択する。

演出家トルレイフル・オルン・アルナルソンが我々を誘うのは、迷走する巡礼者の旅路ではなく、拷問を受け優柔不断な存在の内面的な旅路である。舞台の結果が明確に理解でき、見ていて楽しいと述べるのは控えめな表現だろう。劇作上の翻訳は暗く、難解である。演劇的な観点から言えば、ほぼ全体を覆う黒と金は、明確な場面転換を促すものではない。どこでも義務化されているかのような容赦ない回転舞台の上ですべてが進行するからだ。

選択されたドレスデン版は、指揮者トゥガン・ソヒエフの荒々しい指揮を正当化しているかもしれない。彼はチューリッヒ歌劇場の比較的小さなホールで、雷鳴のような序曲を叩きつける。絶え間ない暴力とマイアベーア風の騒々しさが、終始、演出の過剰さと共に進行する。しかし、歌手陣はこれらの罠を非常にうまく切り抜けている。長年、強靭なテノールとして成長を見守ってきたエリック・カトラーがタンホイザー役を演じ、無理なく全体を支配している。彼が物語を通じてキャラクターの進化や躊躇を表現しているかは定かではないが、声の力、フレージング、対立の激しさは十分に伝わってくる。対照的に、クリスティアン・ゲルハーハー演じるヴォルフラムは、極小のピアニッシモから巨大なフォルテまで、声を完全にキャラクターに捧げており、その繊細なニュアンスとテキストへの適合性は驚異的だ。「夕星の歌」は時を超越した、記憶に残る例外的な演劇の瞬間となった。クリストフ・フィシェッサー演じる方伯や、酒飲み仲間たちも、役にふさわしい力強い声を持っている。ラシェル・ウィルソン演じるヴェーヌスは、より洗練された表現力を持つ歌手もいたかもしれないが、その声は楽譜に忠実であった。クリスティーナ・ニルソン演じるエリザベートは、演出家によって強いられたほぼ静止した状態にもかかわらず、非の打ち所のない歌唱ラインと自然な高音を披露した。最後に、いつものことながら、男女合唱団の質の高さと舞台上での効率的な動きに言及しておきたい。