Crítica: Lise Davidsen decepciona con la Ukrainian Freedom Orchestra en Nueva York
リーゼ・ダヴィドセンとウクライナ・フリーダム・オーケストラによるニューヨーク公演の批評
カルロス・J・ロペス・ライワードによる批評。
ウクライナ・フリーダム・オーケストラが、ツアー「インビンシブル・ツアー」の一環としてニューヨークのリンカーン・センターで公演を行った。これは音楽と政治的主張が危ういバランスで共存する、シーズン外のコンサートの一つである。本批評では、大義の正しさが、その名の下に行われるすべてを自動的に偉大な芸術に変えるわけではないことを指摘したい。むしろ、連帯は芸術的基準の放棄を意味すべきではない。
ロシアによる侵攻開始以来、ピーター・ゲルブはメトロポリタン・オペラやリンカーン・センターの様々な舞台を、ウクライナ人アーティストのための避難所であり拡声器としてきた。この取り組みは理解可能であり、多くの点で称賛に値する。しかし、政治的緊急性が芸術的卓越性に優先され、本来であればより厳しく判断されるべき結果を観客に受け入れさせることを強いる場合、それは機関にとって評判上のリスクを伴う。
コンサートは、メトロポリタン・オペラとポーランド国立歌劇場が共同委嘱したオペラから抽出された、マクシム・コロミイェツ作曲の組曲『ヘルソンの母たち』の米国初演で幕を開けた。ジョージ・ブラントによる台本を持つこの作品は、ロシア軍によってクリミアに強制送還された娘たちを取り戻そうとする数人のウクライナ人の母親たちの旅を描いている。物語の緊急性と痛ましい現代性は、今後のシーズンにメットで上演されるオペラ全編の舞台的・声楽的展開への期待を必然的に高める。
この組曲には、政治的側面を超えて、斬新さという否定できない関心がある。コロミイェツの音楽は、生々しく大気的で、優雅であり、時に深みがある。重厚な響きが叙情的で感傷的なパッセージへと移り変わり、それがオーケストラの爆発や劇的なエピソードによって中断される。スコアの中には、やや単調あるいは単なる状況的なセクションと、旋律的なインスピレーション、爽やかな叙情性、そして劇場的な緊張感を備えたセクションが共存している。
ウクライナ・フリーダム・オーケストラは、この夜の最高の演奏の一つを披露した。アンサンブルは整然としてバランスが取れており、注意深く、移行部でのセンスも良く、異なる楽器層の重なりに明らかな明瞭さがあった。声楽ラインや全編を通じたドラマツルギーの維持については確認が必要だが、コロミイェツのスコアは興味深いものである。
ダヴィドセンは自身の声を放棄した
コンサートで最も期待されていたものが、皮肉にも最も期待外れであった。リヒャルト・シュトラウスの『4つの最後の歌』は、ドイツ後期ロマン派の頂点の一つであり、オーケストラの宝石であり、人間の声への記念碑であり、音楽と詩が死を恐れることなく、賢明な魂の静寂から見つめる別れの歌である。
リーゼ・ダヴィドセンは、現代で最も重要な声の一つを持っている。決して小さな楽器や、不十分な技術を持つ歌手、あるいは大オーケストラの上で声を響かせられないソプラノではない。だからこそ、『春』と『九月』において、彼女の声が長いパッセージの間、聞こえなかったという事実を受け入れるのは困難である。
数週間後にヴェルディの『マクベス』でメットのシーズン開幕を飾るダヴィドセンは、過度な慎重さで歌い、発声を抑え、音の展開を制限していた。中低音域では、声は過剰に押し付けられ、マットで時に空洞のように響き、喉に詰まり、オーケストラの塊を突き抜けるはずの倍音を欠いていた。高音域に上がった時だけ、彼女は本来のアイデンティティを取り戻した。高音はクリアで、適切に配置され、肉感的であり、一瞬だけ彼女の並外れた楽器としての能力を露呈した。
誰かがダヴィドセンに対し、単なる巨大な音量の声として認識されるのを避けるために発声を抑えるよう助言しているような印象を受ける。もしそうであれば、その賭けは間違っている。すべての音をフォルテで歌うことではなく、すべての音が完全に形成された声のラインを構築することが重要である。
適切に発声されたピアノは、支えを取り除いたフォルテではない。声はまず安定し、支えられ、発展させられ、全音域と全ダイナミックレンジにおいて丸みと明瞭さを維持しなければならない。つまり、ピアノの音はフォルテの音と同じくらい健全で、清潔で、完全でなければならない。ピアノにするために音の中心を縮めると、メッザ・ヴォーチェ（中声）は「中途半端な声」になってしまう。
言葉も必要な明瞭さで届かなかった。これらの歌曲において、テキストは効果を狙った内省の追求の下に埋もれてはならない。詩は作品のセマンティックな基礎を提供しており、理解されなければならない。明瞭な発音、支えの継続性、そしてフレーズの真の飛翔がなければ、音楽は感動させる能力を失う。
ケリー＝リン・ウィルソンもまた、ソプラノとオーケストラのバランスを見つけることができなかった。彼女の指揮はソリストと呼吸を合わせることも、アンサンブルを整えることもできておらず、その結果、声は楽器の織りなす音の中に閉じ込められてしまった。おそらく最前列の観客はダヴィドセンをより明瞭に聴く幸運に恵まれたかもしれないが、会場の他の場所からは、多くの場面でオーケストラが彼女を覆い隠していた。
『眠りにつくとき』の終盤だけが重要な例外となった。ヴァイオリンのソロの後、声はようやく開き、ダヴィドセンは自由な音を響かせ、彼女を並外れた歌手たらしめている充実感、輝き、広がりを取り戻した。それは彼女の出演の中で最高の瞬間であったが、シュトラウスの楽曲が持つ浮遊する官能性や瞑想的な放棄とは相容れない、軍楽隊のような粗野なオーケストラに支えられていた。