A meaty, not to say tough programme: Sakari Oramo, Guy Johnston & BBC Symphony Orchestra in Britten's Cello Symphony, Turnage premiere & Sibelius at the BBC Proms
充実した、あるいは難解なプログラム：BBCプロムスにおけるサカリ・オラモ、ガイ・ジョンストン＆BBC交響楽団によるブリテンのチェロ交響曲、ターネジの新作初演、シベリウス
.jpg)
2026年7月28日火曜日、ロイヤル・アルバート・ホールで開催されたBBCプロムスにおいて、サカリ・オラモはBBC交響楽団を指揮し、マーク＝アンソニー・ターネジの『フェステン組曲』（BBC共同委嘱作品）の英国初演、ブリテンの『チェロ交響曲』（独奏：ガイ・ジョンストン）、そしてシベリウスの『交響曲第2番』を演奏した。これは充実した、あるいは難解とも言えるプログラムであり、各作品はそれぞれに実体があり挑戦的なものだった。プロムスの伝統に違わず、作品間の関連性は希薄に思えたが、その糸はオラモ自身であったのかもしれない。
マーク＝アンソニー・ターネジの2024年のオペラ『フェステン』（リー・ホール台本）はコヴェント・ガーデンで初演され（2025年ロイヤル・フィルハーモニック協会賞を受賞）、フィンランド国立歌劇場でも上演された。オペラからの組曲は、今年初めにコペンハーゲンで、アロンドラ・デ・ラ・パーラ指揮デンマーク国立交響楽団により初演されている。ターネジはオペラの第2幕と第3幕から8つの楽章を構成し、一部のアリアをオーケストラに移し替えている（ソロ・ラインはサクソフォンやチェロが担当）。この作品は、大規模なオーケストラ、3管編成の木管楽器、サクソフォン、金管楽器、そしてかなりの打楽器のために書かれている。
劇作品から抽出された組曲の常として、元の作品を知る必要があるかという疑問が残る。ビゼーの『カルメン』やチャイコフスキーの『くるみ割り人形』の組曲が成立するのは、作曲家が素晴らしい旋律を生み出したからである。ターネジのオペラにはそれほど顕著な旋律はないが、音楽には魅力的なポピュラー音楽の要素が根底にあり、組曲の各楽章は満足のいく多様性を示している。彼の書法は、濃密で不透明な和声への愛着と、鮮やかで多様な色彩と音色を示している。
『プレリュード』は執拗なリズムと劇的な身振りで、ジャズに触発された旋律の断片があった。続く『ブルー・オア・グリーン』は叙情的でリラックスした雰囲気で、コープランドを彷彿とさせるが、根底にあるドラマの感覚が非常に緊張感のある結末へと導いた。『コンガ』はバーンスタインの『ワンダフル・タウン』のコンガを想起させる。ここでは音楽はリズム的に忙しく、複雑な多層テクスチャの上にうねるような旋律が乗っていた。『グランマズ・ソング』は感動的で親密なチェロ・ソロを特徴とするが、木管と金管が不穏な要素を提供した。最後の4楽章は連続して演奏された。『インターリュード1』はジャズ風のビッグバンド・ナンバーで、次第にヒステリックになり『ザ・ファイト』へとつながる。そこはギザギザしたエッジと断片で構成され、最後に不吉なドラムの鼓動が響いた。対照的に『リンダズ・アリア』はより親密で叙情的だったが、音楽はより巨大になり、テクスチャは濃密で強烈になった。その後『インターリュード2』が深淵から響き、断片が波紋のように広がった。最後のコーダはほとんど事務的で、「これで終わり！」というものだった。
私はオペラ『フェステン』の初演を見逃していたため、組曲の体験は舞台作品の記憶に色付けされることはなかった。組曲は魅力的な20分間を形成しており、元の映画の題材が示唆するほど強烈ではなかった。ターネジは確かに大規模なオーケストラの楽器をすべて使用しているが、奏者の過剰なまでの多さは自己満足のように感じられ、もう少し持ち運びやすい作品にしてほしかったと思わせる。
ブリテンの『チェロ交響曲』は1963年に書かれ、ムスティスラフ・ロストロポーヴィチのために作られた作品群の一つである。『戦争レクイエム』の直後に書かれたこの作品は、暗く、かなり難解な曲であり、ロストロポーヴィチのような名人芸と大きな個性を備えたチェリストが必要かもしれない。確かに人気のある作品ではなく、BBCプロムスでの演奏は過去に3回（1983年、1988年、1991年）しかなく、今回は35年ぶりの登場となった。この作品がロイヤル・アルバート・ホールに理想的かどうかは疑問である。ブリテンは巨大なオーケストラを使用していないが、ここではオラモがBBC交響楽団の膨大な弦楽器セクションを指揮していた。その結果、ジョンストンの演奏は思慮深く詩的であったにもかかわらず、少し控えめに感じられ、ソロ・ラインが常にオーケストラの上に輝くわけではなく、群衆に対する孤独な声という印象が強まった。暗い冒頭の素材と妥協のないチェロの和音から、第1楽章には憂鬱さと決意が感じられ、ソロ・ラインは複雑なオーケストラのテクスチャの中を出入りしていた。このハイブリッドな作品の特徴の一つは、オーケストラが単にソリストを支えるだけでなく、それ自体が主張を持っていることである。ジョンストンによる繊細な美しさの瞬間もあったが、オーケストラ内の怒りと並ぶ孤独な声という感覚もあった。楽章の結末は、ブリテンのお気に入りの手法であるグラウンド・ベースを共有しているようだった。第2楽章は不気味で、メンデルスゾーンの妖精が鋭い歯と不穏なエッジを備えたかのような、せわしない動きだった。緩徐楽章は、豊かな和声と、楽器のテクスチャと色彩の変化によって示される緩やかな儀式的な感覚を混ぜ合わせた。カデンツァ（ティンパニを伴う）に向けてゆっくりと構築される感覚があり、チェロの妥協のない性質を再び示した。フィナーレはパッサカリアだが、驚くほど元気なトランペットで始まった。
