Q & A: Composer Hana Ajiashvili on Her Azrieli Award-Winning ‘Riddle,’ Finding Inspiration in Color & Music’s Omnipresence in Her Life

（写真提供：マイケル・パヴィア）

「色彩は私の創作プロセスにおいて最も強力な衝動の一つです。私はしばしば、オーケストレーションや楽器の技法を視覚的に、つまり色彩の層、密度、コントラスト、表面、変容として捉えています」と、2026年アズリエリ・ユダヤ音楽賞（既存の未発見のユダヤ音楽作品に贈られる賞）の受賞者である作曲家ハナ・アジアシヴィリは、自身の創作の源泉について語ります。

アジアシヴィリはジョージア系イスラエルの作曲家であり、その作品はメイタル・アンサンブル、ムジカ・ノヴァ、アンサンブルXXIセンチュリー、コンティニュアム、エルサレム交響楽団、モメンタ四重奏団、ミヴォス四重奏団、レコンシル、デファンアンサンブル、ライオット・アンサンブル、トリオ・キャッチなどのアンサンブルによって国際的に演奏されてきました。また、「Heroines of Sound」、「ISCM世界音楽の日」、「アジア作曲家連盟フェスティバル」、「モスクワの秋」、「アルテルナティヴァ」といった音楽祭でも取り上げられています。

彼女は、イスラエル・コンテンポラリー・プレイヤーズの若手作曲家賞（2004年）、首相作曲家賞（2008年、2021年）、アキュム賞（2017年）、そしてコンテンパス・マケドニア大学（2022年）やルクセンブルク国際作曲コンクール（2025年）で第1位を獲得しています。トビリシとモスクワで学び、バル＝イラン大学で博士号を取得。現在はオル・イェフダ音楽院の院長を務めています。

OperaWireはアジアシヴィリに対し、受賞作や創作プロセス、作曲家を志した理由についてインタビューを行いました。

OperaWire：『Riddle』の着想は何ですか？

Hana Ajiashvili：2022年にハレルヤ・フェスティバルとエルサレム交響楽団のために、大規模な合唱と交響楽団のための作品として作曲しました。

制作を始めた際、古代ヘブライ語のテキストを探していたところ、中世の偉大なユダヤ人詩人イェフダ・ハレヴィによる短い謎かけ（Riddle）を見つけました。12世紀に書かれたにもかかわらず、そのテキストが非常に現代的に感じられたことに衝撃を受けました。それは極めて簡潔で、神秘的で、抽象的であり、まるで現代詩のようでした。

その謎かけは、繊細で静かでありながら、音を立てずに殺すことができる何かを描写しています。ハレヴィは他の多くの謎かけには答えを残していますが、この特定の謎かけには答えを残していません。ラビの解釈によれば、答えは「羽ペン」かもしれません。軽くて重さもほとんどないにもかかわらず、生殺与奪の決定を下す布告に署名するために使われるものです。

私はこのパラドックスに魅了されました。脆さと残虐さ、静寂と巨大な力が同じイメージの中に共存しているのです。これが『Riddle』の感情的かつ哲学的な出発点となりました。

OW：作品の音楽言語と、それに至った経緯を教えてください。

HA：『Riddle』の音楽言語は、作品全体を通して徐々に変容するいくつかの要素から成長しています。

冒頭は、短く響く和音、ほとんど打楽器のような衝撃から始まります。このジェスチャーは異なる形で回帰し、作品の構造的な指標の一つとなります。もう一つの重要な要素は、合唱とオーケストラによる一連の半音階的なユニゾンラインです。それらはグリッサンドを伴いながら上下し、不安定さと絶え間ない変容の感覚を生み出します。

長い間、一般的な意味でのメロディは存在しません。より認識可能な旋律線は、後のほうになって初めて、まずは独唱の声を通して現れます。私にとって、その登場が遅れることは重要です。まるで個々の人間の声が、より密度が高く不安定な音響環境の中から徐々に結晶化していくかのようです。

終盤に向かって、ヘテロフォニックなコラールが現れます。私はこの瞬間をクライマックスではなく、カタルシス、つまりそれまでに蓄積されたすべてのものの変容と解放として捉えています。初期のユニゾンラインや旋律のアイデアは、集団的なものへと再構成されますが、完全に統一されることはありません。

ある意味で、作品全体が衝撃から動きへ、そして声の出現、最終的には断片化された集団的統一へと至るプロセスとして展開します。

スコアには、拡張された楽器法や声楽技法、マルチフォニックス、ディヴィジ、グリッサンド、さまざまなアーティキュレーションや音色の変容も使用されています。合唱には、モンテヴェルディに関連する歴史的な「トリッロ」技法さえ取り入れました。しかし、これらの技法を単なる効果として考えたことはありません。それらは私の音楽的語彙の一部であり、作品の内面世界を聴き、表現する方法の一部なのです。

OW：創作プロセスのインスピレーションは何ですか？

HA：色彩は私の創作プロセスにおいて最も強力な衝動の一つです。私はしばしば、オーケストレーションや楽器の技法を視覚的に、つまり色彩の層、密度、コントラスト、表面、変容として捉えています。

演奏家もまた、大きなインスピレーションの源です。音楽家と密接に協力することで、一人では想像もつかなかった音や楽器の可能性を発見することができました。私は特に、珍しい技法が「効果」であることをやめ、音楽表現の有機的な一部となる瞬間に興味があります。

また、音楽以外のもの、視覚芸術、文学、詩、歴史、時には特定の音やイメージからもインスピレーションを得ます。多くの場合、作品は色彩、ジェスチャー、音響、言葉といった非常に小さなものから始まります。そこからどのような音楽世界が成長できるかを探求し始めるのです。

特定のスタイルや流派に音楽を当てはめようとはしません。素材自体が何を必要としているのかに耳を傾け、各作品の音楽言語がそこから発展するようにしています。

OW：制作中に経験した課題は何ですか？

HA：大規模な合唱と交響楽団のための作曲には特有の課題があります。膨大なパレットが利用可能ですが、その豊かさは容易に明瞭さを欠いた密度になってしまいます。

私は合唱とオーケストラが対等なパートナーとして機能することを望みました。時折、声がオーケストラを補強したり重ねたりし、またある時は、合唱がまるで別のオーケストラのように振る舞うのです。