Where art starts and how it grows: Ballet RI’s 2026/2027 ‘In Motion’

ウッドマン・ファミリー・アンド・コミュニティ・アーツ・センター（ロードアイランド州プロビデンス）、2026年10月24日。

種は根を下ろし、多様な環境要因に応じて繁栄するか苦戦する。物語、コンセプト、ビジョンは芸術家の心の中にある種のようなものであり、それがどのように芸術作品へと成長するかは無数の要因にかかっている。芸術家はそれにかかわらず現れ、ビジョンを育む。

『イン・モーション』のカーテンスピーチにおいて、バレエ・ロードアイランドのエグゼクティブ・アーティスティック・ディレクターであるキャスリーン・ブリーン・コームズは、芸術の種がどのように育つかというこの考えについて語った。直接的または間接的に体験された人間の物語は、個人的な解釈（そしてもちろんプロセスや技巧のニュアンス）を通じて芸術へと形作られる。

彼女は、同団の2026-2027年開幕公演を構成する3つの異なる作品を通底する糸としてこれを挙げた。実際、これらの作品は比類のない人間的な深みと、意図的なプロセスを経て作品がどのように進化し得るかを示していた。

プログラムは、アーティスティック・キュレーターのユーリー・ヤノウスキーがサンドラ・ボーンスタイン・ホロコースト教育センターおよびロードアイランド州在住のリリアン・バーチと共同で振り付けた、記憶に残る深く胸を打つ『ナハティガル』（2026年）で幕を開けた。バーチの母であるアンカ・ナハティガルは、かつて自身が他者に示した親切が返されたこと（そして不屈の精神や気骨といった個人的な資質）によってアウシュヴィッツを生き延びた。

ヤノウスキーの作品はしばしば抽象的で物語性を持たず、極めてアスレチックである。そのため、彼が緩やかな物語構造、真摯な感情の深み、高い危機感をもってどのような表現をもたらすかを見るのは素晴らしいことだった。開演前の映像でバーチから直接明かされた物語の瞬間の多く――高校のいじめっ子に立ち向かったこと、そして何年も後にガス室への送致を宣告された際に彼女が立ち向かったその人物と再会したことなど――は、特に心に残る場面の一部となった。

それらの瞬間がより引き伸ばされ、もう少し呼吸を整えてさらに重みを増すのを見たいという思いもあった。長めの動きのセクションを短縮してそれに応じることもできただろうが、それはエネルギーの弧や、ダンサーたちが見せた見事な芸術性を損なう可能性もあった。構造は複雑なパズルであることが多く、これらの選択は決して単純ではない。

特に主人公役を踊ったアレクサンドリア・トロイアノスをはじめとするダンサーたちの卓越した演劇性が、その感情の重みを伝えるのに大きく貢献した。彼女は常に魅了する技巧派である。タラ・マカリーもまた注目すべき存在であり、直感的な強さの中に傷つきやすい優しさをもたらした。造形と軌道の両面におけるヤノウスキーの豊かに重層的で質感のある運動語彙は、そうした感情のニュアンスや演劇的な選択のための豊かな土壌となった。

興味深いことに、非物語的な抽象への彼の傾向は、鋭い身振りや演出を通じて、それらの主要な物語の瞬間を動的かつ明瞭に描写するのに役立っていた。例えば、ダンサーたちは舞台中央から背を向け、足を広げ、腕を上げ、手のひらを平らにし、あごを引く……捕らえられ、宣告された姿である。一度触れられる合図によってダンサーたちは背を向け、体を低く螺旋状に動かしながら2つの列のいずれかへと入っていく。1つは過酷で押しつぶされるような労働の列、もう1つは究極の処刑のための列である。

彼の作品がもたらすことの多い力強さを求める人々に向けては、終盤に卓越した名人芸を伴う長めのパ・ド・ドゥが多く用意されていた。これらのセクションもまた、作品全体とそのコンセプトに合致していると感じられるほどソウルフルであった。

それらのセクションが主人公の救出の瞬間の後に置かれていたことを考えると、アウシュヴィッツでの生活を表していると解釈できた。もしそうなら、もっと重苦しく苦悩に満ち、時には絶望的に感じられる表現にすることもできただろう。しかし、おそらくそのアプローチによって、想像を絶する苦痛の一部をより受け入れやすい形で伝えることができたのだろう。ここでも選択は決して単純ではない。

作品前の映像でブリーン・コームズは、作品に流れる希望の糸と親切の力について言及していた。おそらくそのことが、この胸を引き裂くようなテーマの作品をより受け止めやすくさせたのだろう。歴史は韻を踏み、人々は苦しむ。しかし、芸術と互いの基本的な人間性に対する確固たる信念を通じて、私たちはそうした価値観を保ち続けることができる。『ナハティガル』は、まさにそうすることがいかに変化をもたらし得るかを動的かつ力強く思い起こさせるものだった。それがこの回転する地球という我が家における、たった1人の他者のためであったとしても、それで十分であり得るのだ。

休憩後に上演されたジェームズ・ホワイトサイドの三重奏『シティ・オブ・ウィメン』（2021年）は、エレガンスと個性に満ちあふれていた。ホワイトサイドは当初、キャリアの異なる段階にある3人のダンサー（ジリアン・マーフィー、イザベラ・ボイルストン、キャサリン・ハーリン）を引き合わせるためにこの作品を振り付け、芸術形式における遺産と指導（メンターシップ）の概念を探求した。そのコンセプトがこの軽やかな作品に深い意味を与え、両方の意図を滑らかに保持していた。

エレヴェ・ダンスウェアによる装飾のないシックで落ち着いた色彩の衣装や、ユニゾンの動きを通じて共通性が支配した。しかし同時に、それぞれのダンサーも独自の個性を発揮した。ヘザー・ニコルズは軽やかで大胆な自信を、アンジャリ・ハーンは成熟した芸術性によって高められた若々しい甘さを、アンナ・リサ・ウィルキンスは繊細で神秘的な言いがたい魅力を示した。そうした個性は、同時に存在する統一感と見事に調和していた。彼女たちは連帯して取り組みながらも、人生と芸術に対する独自のアプローチをもって踊っていた。

その統一感の中にはサポートがあり、他のダンサーの腰に手を添えたり、頭上で手のひらを合わせたりする動的なつながりに具現化されていた。ダンサーたちはまた、グループから離れて独自の動きを踊る十分な時間も与えられ、それぞれがソロのセクションを楽しんでいた。コミュニティと独立性の双方が繁栄するという、両方のあり方が成り立っていた。

ホワイトサイドの動きは衣装と同様にエレガントで無駄がなかった。ブーレ、ベベル、力強いポール・ド・ブラに加え、空間を突き抜けるようなターンや足の動きがアクセントを添えていた。それは、これらの優れたアーティストたちが舞台にもたらした個性に対するネオクラシックの土台であった。少人数のグループに求められるように、彼女たちは実に舞台を満たしていた。