'Outlaws of early music': Arthouse17 brings queer passion, migrant memory to Korea - 헤럴드경제

オーストリアの古楽アンサンブルが10月17日まで5都市を巡る初の韓国ツアーを開催中である。「古楽のアウトロー」たちが静まり返ったコンサートホールを揺るがしている。「クィア受難曲」はLGBTQ+迫害の視点を通してバッハを語り直し、「楽章の間で拍手し、ステージ上で笑う――私たちはそうしたつながりを求めている」と語る。

イエスの受難を描いたバッハの「ヨハネ受難曲」の旋律は変わっていない。約300年前に作曲された音楽の上で書き直されたのは、その物語である。かつて聖書の迫害の物語があった場所に、LGBTQ+の人々の苦しみが置かれた。オランダの2022年ユトレヒト古楽フェスティバルにおいて、同アンサンブルはその街で1730年と1731年に起きたゲイ男性への迫害をステージ上に蘇らせた。その結果生まれたのが、オーストリアのグラーツを拠点とする古楽アンサンブル、Arthouse17による作品「クィア受難曲」である。ピリオド楽器で何世紀も前の響きを蘇らせることに専念する世界において、彼らは「古楽のアウトロー」という異名を得た。

「私たちはそれを褒め言葉として受け取っています。既存の型にきちんとはまらないこと、他とは違うことをしているという意味ですから。私たちは違っていることが好きなのです」（Arthouse17）

Arthouse17は今回初めて韓国を訪れている。アンサンブルは土曜日に高陽アラムヌリでツアーを開幕し、日曜日にアートセンター仁川、水曜日に世宗芸術の殿堂（世宗アーツセンター）、木曜日に大邱コンサートハウス、そして10月17日に統営国際音楽堂で公演を行う。チェンバロおよびリコーダー奏者のミヒャエル・ヘル、作家・ドラマトゥルクのトーマス・ヘフト、ヴィオラ・ダ・ガンバ奏者のゲオルク・クローネイスという3人の共同芸術監督全員がツアーに参加している。ソプラノのソフィー・ダインマンと、グラミー賞受賞歴のあるバリトンのディートリヒ・ヘンシェルも舞台に立つ。

アウトローたちの唯一のルールは「他と違うこと」である。

古楽とは一般に18世紀半ばまでに作曲された音楽を指し、羊の腸で作られたガット弦などの当時の演奏習慣や楽器を通じて復元される。昔の音を忠実に再現することは長年にわたりこの分野の決定的な美徳とされてきたが、Arthouse17はそこにとどまらない。「300年前の演奏を完全にそのまま再現することは不可能ですし、おそらくそれが最大の価値というわけでもありません」とアンサンブルは語る。

「私たちがピリオド楽器で古楽を演奏するのは、作曲家が親しんでいた音の世界を発見したいからです。しかしそれは出発点にすぎません。バロック時代に楽器がどのように機能していたか、テンポがどのように設定されていたかを知ることは、演奏に必要な基本的な枠組みにすぎないのです。現代的な解釈は、現代の音楽家が楽器を手にしたその瞬間に始まります」（ミヒャエル・ヘル）

Arthouse17の演奏は慣例を破る。バロック時代には存在せず、1829年にウィーンで特許を取得した楽器であるアコーディオンは、このアンサンブルの定位置を占めている。ヘンデルのアリア「オンブラ・マイ・フ」を演奏する際にも、彼らは古楽のテンプレートをひねる。ヴィブラートを排する「オーセンティック」なアプローチではなく、彼らは1930年代の音楽家のスタイルを選択した。弦楽器にはヴィブラートとグリッサンドが多用され、声はより豊かで豊潤になる。このアリアは、ペルシャ王がプラタナスの木を称える歌である。なぜそのように演奏するのだろうか。

「並外れて美しいからです。木に対するこの奇妙な愛の歌は、古楽で普段耳にするものとは異なる響きをまとって、はるかに甘美で美しくなりました。それは私たちが音楽に向き合うときに享受する自由の一つです」（ミヒャエル・ヘル）

彼らの大胆さは、歴史を捨てることからではなく、歴史を綿密に読み解くことから生まれている。ヘルはそのアプローチを「非常に歴史的なもの」と表現する。過去の音楽家たちは、作品を再演する際に初演をそのまま繰り返そうとはしなかった。新しい歌手がオペラに加われば、アリアはその歌手に合わせて変更された。「常にその場の状況に適応させられており、それは私たちにとって非常に重要です。このツアーのすべての公演で音が異なることを願っています」とヘルは語った。慣習は破られるが、常に音楽を新しく解釈し直す昔の音楽家たちの精神は受け継がれている。

400年前の痛み、現代の痛み。

過去の音楽は、現代の物語を携えて生まれ変わる。かつて17世紀や18世紀の宮廷や教会に独占されていた音楽を通じて、Arthouse17は現代の少数派や移民の苦しみに声を届ける。

古楽の巨匠ニコラウス・アーノンクール（1929–2016）とともに20年以上にわたりドラマトゥルクとして働いたヘフトは、アーノンクールの言葉を借りて「古楽に埋め込まれたヒューマニズムは普遍的である」と主張する。

「400年前に人々が被った痛みと、今日人々が被っている痛み――原因は異なるかもしれませんが、苦しみという事実は変わりません。芸術作品に人間的なメッセージが込められていないなら、演奏されるべきではありません。私たちは400年前に人間的な問題に対して人々が与えた芸術的な答えを用いて、現代の問いに答えることができます。理解、多様性、コミュニケーション、平和――これらは昔も今も変わっていません」（トーマス・ヘフト）

Arthouse17は、古楽を「メッセージボトル（瓶に入った手紙）」と捉えている。それは感情に満ち、遠い昔の時間の流れに投げ込まれた手紙である。「200年前も400年前も、彼らは私たちと同じ人間でした」

ツアーの後半を構成する「Remember Me」は、アンサンブルの思考を結晶化させた音楽劇である。この作品は、ホロコースト追悼記念日のためにウィーン・コンツェルトハウスから委嘱されたことから生まれたという。彼らはホロコーストを直接扱うのではなく、「移民、亡命、離散に関するより普遍的な物語」――故郷を離れ、不確実性の中で新たな居場所を見つけようと旅立った人々の物語として表現している。

「彼らが携えているのはメロディです。100年前に作られ、新しい家を探す人々を慰めるために繰り返し歌われてきた歌です。持っているものを失うことはあっても、決して失われないものがあります――記憶と感情です。それらを宿した音楽とメロディは、希望が常にそこにあることを教えてくれます」（トーマス・ヘフト）

厳粛さもまた時代遅れの慣習であり、静まり返ったホールを目覚めさせる時が来ている。これほど多くの境界を越えてきたアンサンブルにとって……（原文途切れ）