NDCWales in Blue|Glas
ナショナル・ダンス・カンパニー・ウェールズが『Blue|Glas』公演でクリンカードとスーティンの2作品を上演（ロンドン・サドラーズ・ウェルズ・イースト）
サドラーズ・ウェルズ・イースト（ロンドン）
2026年9月24日
ナショナル・ダンス・カンパニー・ウェールズ（NDCWales）は、『Blue|Glas』において非常に対照的な2つの作品を上演している。2012年に初演され、今回同カンパニーのために再創作されたテオ・クリンカードの『Ordinary Courage』と、アレサンドラ・スーティンによる新作『Untamed』である。両作は葛藤、変化、前進といったテーマを共有しているが、全く逆の方向からアプローチしている。一方は接触と静けさに立ち戻り続け、もう一方はすべてが尽きるまで走り続けようとしているかのようだ。
『Ordinary Courage』は静かに始まる。6人のダンサーがシンプルな普段着で共に立ち、ほぼ一体となって動く。ダンサー同士の関係性を説明する必要はない。ある身体が別の身体に従う様子、グループ内を体重が移動していく様、小さな隔たりが突如として重大な意味を帯びる様子の中に、それはすでに存在している。
クリンカードのテーマは悲痛（grief）であるが、振付が悲しみをあからさまに「演じる」ことはほとんどない。それこそがこの作品の強みのひとつである。それは行動の変化を通じて現れる。誰かがグループから離れる。誰かが抱きしめられることを必要とする。あるダンサーが崩れ落ちたり、他者の腕の中で重くなったりする。また別の瞬間には、近くで明らかに苦しんでいる人がいる中で、人々は単に自分たちの行動を続けたりする。
その様子は、喪失が実際の日常生活の中にどのように存在するかに極めて近く感じられる。
ダンスはグループ場面、ソロ、デュエットの間を行き来し、その身体言語は驚くほど緩やかであることも多い。身体は揺れ、ねじれ、バランスを崩して投げ出される。腕が身体の他の部分よりも少し遅れて届くように見えることもある。ダンサーたちが共に動いているときでさえ、各自が異なるものを抱えているという感覚がある。
NDCWalesのダンサーたちはその個性を非常に巧みに扱っている。この作品は、同一の構造の中で6つの個性を可視化させ続けられるかどうかにかかっている。予想より少し長く相手に触れたままの手、助けられることに抵抗する身体、あるいは長い静止の後の突然のエネルギーの爆発といった、細部が重要となる。
バッハとスカルラッティの音楽が空間に出入りするが、静寂も同様に重要である。音楽がなければ足音がより大きく音楽となる。呼吸が顕著になる。別の身体を直立させ続けるために伴う労力が聞こえ始める。
特にクリンカードが振付をシンプルなままにとどめているとき、美しい場面がいくつか見られる。あるダンサーが、他の人々から離れて立っている誰かをただ見つめているだけで十分である。この作品は、身体を信頼し、その周囲で過剰なことをしないときに最も力を発揮する。
それでも、終盤に冒頭のグループの動きへと戻る展開は静かに効果的である。その動きは見覚えのあるものだが、ダンサーたちの間で起きたすべての出来事を経た後では、もはや同じものには見えない。
休憩の後、『Untamed』は場の温度を完全に変える。
アレサンドラ・スーティンは、ぎこちなく抑制されたように見える身体から始める。四肢は引きつり、異なる方向へと引っ張られる。膝が奇妙に持ち上がり、胴体は傾いて反動をつける。ダンサーたちは最初、まるで抵抗しようとしている指示を身体に与えられたかのように、ほとんど機械的に見えることがある。
次第に、「走る」動作が全体を支配していく。
正確には写実的な走りではなく、そのリズム、労力、そして切迫感である。身体は前傾する。足は床を繰り返し打つ。呼吸が音の一部となる。ダンサーたちは加速し、止まり、集まり、そして再び走り出す。
スーティンは私たちが何かから逃げているのか、それとも何かに向かって走っているのかという問いに関心を寄せているが、『Untamed』はその問いが動きの内部にとどまり、私たちが答えを必要としないときに最もよく機能する。
『Ordinary Courage』において疲労が感情的なものとして感じられることが多いのに対し、『Untamed』ではあからさまに肉体的なものとなる。私たちはダンサーの呼吸を聞く。身体から発せられる声、叫び、物音を聞く。最後のセクションまでに、その労力を隠すことは不可能になる。
その声の要素が作品に多くの特徴を与えている。サム・フランキー・フォックスを音楽コラボレーターに迎えたランドルフ・マシューズのスコアは、エレクトロニックな質感と声、そして伝統的なウェールズの楽器の独特なサウンドを融合させている。時にステージは劇場というよりも、観客が遅れて到着したためにルールを理解できない奇妙なレース、儀式、あるいは集まりのように感じられる。
ライアン・ドーソン・ライトによる衣装がその不確かさをさらに深める。ゆったりとした淡い色のスポーツウェアはランナーを想起させるが、現代の認識可能な競技のものではない。ダンサーを背後から時に厳しく捉えるエレノア・ヒギンズの照明と相まって、身体はアスリートと古い写真の中の人物との間のどこかに属しているように見える。
スーティンの振付には十分な力強さがあるが、より興味深いのは走る動作が破綻する瞬間である。身体が止まる。誰かが遅れをとる。1人のダンサーがグループの進行方向に抗うように見える。前に進むという一見単純な行為が困難になり始める。
最後の部分は次第に荒々しさを増していく。動き、呼吸、音、声が重なり合っていく。そこには意図的な過剰さがある。ダンサーたちは残されたすべてのエネルギーを使い果たす寸前のように見え、観客はこれらが実際の労働を行っている本物の肉体であることを強く意識させられる。
『Untamed』のすべてが等しく読み解きやすいわけではない。精霊の子らや自由への言及は、振付そのものからよりもプログラムからの方が明確かもしれない。しかしそれが大きな問題だとは思わない。あらゆるイメージを解読しようとすることは、この作品の楽しさを減じてしまうだろう。
2本立ての公演として、片方の作品は何かを失った後に私たちがどのように続けていくのかを問いかける。もう片方は、そもそもなぜ私たちがこれほど動き続ける必要性を感じるのかを問う。どちらも明確な答えを多く提示してはいない。幸いなことに、どちらもそれを提示する必要は全くない。