Adriana Mater en México

2026年9月26日。フェスティバル・クルトゥーラUNAM（Festival CulturaUNAM）の活動の一環として、大学文化センター（CCU）のサラ・ミゲル・コバルビアスにて、去る9月26日と27日に、21世紀の代表的フィンランド人作曲家カイヤ・サーリアホ（1952-2023）のオペラ第2作、フランス系レバノン人作家アミン・マアルーフ台本による『アドリアーナ・マーテル』（2005年）のメキシコ初演が行われた。

UNAMでの公演後、本プロダクションは巡回を続け、第54回セルバンティーノ国際芸術祭の枠組みにおいて、10月3日・4日にセントロ・クルトゥラル・デル・ボスケのテアトロ・フリオ・カスティージョで、同月7日・8日にグアナフアトのテアトロ・フアレスで計4公演が予定されている。

『アドリアーナ・マーテル』の筋書きは、現代の戦争の暴力によって血を流す国を舞台に展開する。主人公は自身のコミュニティの男であるツァルゴから暴行を受け妊娠し、暴行者と自分自身の身体の胎児を宿すというジレンマに直面する。アドリアーナは、肉体的・社会的な恐怖の中で宿されたその子どもを出産することを決意する。

数年後、息子のヨナスは、母アドリアーナへの愛情と、自身が父によって犯され今なお母を苦しめ続けるあの暴力の生きた記憶なのではないかという鋭い恐怖との間で葛藤する。その出自を自覚した彼は、復讐と自己破壊の欲求に支配される。戦いが終わりツァルゴが帰還したことで、蓄積された憎悪と赦しの困難な可能性との間の避けられない衝突が引き起こされる。

この複雑なドラマの構造を上演するため、音楽演奏はマルコ・アントニオ・ウガルデが合唱指導を務めた合唱団スタッカート、INBALのベジャス・アルテス・オペラ・スタジオ（EOBA）の協力のもと、エドゥアルド・マタ大学ユース管弦楽団（OJUEM）が担当した。これらはすべて、現代音楽のレパートリーにおいて卓越した腕前で知られる指揮者ホセ・アレアーンの指揮、アルゼンチン出身のマルセロ・ロンバルデロによる演出のもとでまとめられた。

EOBAの若き才能たちで構成されたソリスト陣は、雄弁かつ巧みに機能した。専門的な育成過程の一環として舞台空間を占めるにとどまらず、悲劇と救済の間で揺れ動くドラマの輪郭を感動的な力強さで具現化した。

メゾソプラノのマリアナ・ソフィアは、確固としたダイナミックな声でアドリアーナを演じ、被害者の苦痛から復讐の潜在的衝動、母性愛に至るまで、声と演技の両面で行き来してみせた。一方、ソプラノのベレン・マリンは美しい歌唱の対位法を提供し、姉妹として、また叔母としての役の罪悪感、苦悩、高潔さに繊細かつ説得力を持って取り組んだ。

神経症的な要求の高い役柄において、テノールのオスバルド・マルティネスは、非難と親愛の情の間で引き裂かれ、同時に抹殺したい侵略者の産物であることを自覚している息子ヨナスの声楽的難題に見事に対処した。ヨナスは、父を殺すことを許さない血の不可避な力によって挫折させられ、自身と母親の密かな望みを無力感とともに背負わなければならない。

対極において、バリトンのギジェルモ・モンテシノはツァルゴ役に命を吹き込み、円熟した演技と解釈を見せた。彼の演じる人物は不穏な心理の弧を描く。混乱した戦争と個人的な文脈の中で強姦を犯す加害者でありながら、後にはニヒリスティックな後悔や自殺願望に近い良心のひらめきを経験し、さらに盲目と自身の残虐性の象徴的な重みによって肉体的にも蝕まれている。

ロンバルデロの演出は、作品の内省的な性質を際立たせた。『アドリアーナ・マーテル』において、歌詞の構造は内省と濃密な対話の織物として機能し、外面的なアクションは乏しく、その雰囲気はほぼオラトリオのような外観を呈している。それを強調するため、サミュエル・カナレスの舞台装置は数枚の壁と可動ドアに絞られ、息苦しい住居の内部と外部を区切り、カルラ・ブレウの照明とジセル・アウスカリアガの映像がそれを補完して、環境の陰惨で絶望的なトーンを高めた。

日常的なメイクやクリスティーナ・バスケスによるストリート風の衣装（アディダス、ナイキ、コンバース・オールスターのスニーカー）に加え、ギリシャ悲劇から着想を得たひな壇の上に両脇に配置された合唱団スタッカートの空間配置も興味深いものだった。ロンバルデロの提案は、戦争の映像やガラスに当たる雨粒、荒涼とした風景を投影していたほぼ偏在的な半透明の紗幕が、作品の終盤に向けて最終的に舞台奥の休戦と希望の曙光へと道を譲る視覚的視野の広がりを巧みに残した。アドリアーナと彼女の息子はそこへ向かって進む。

カイヤ・サーリアホのスコアは、戦争と心理のドラマに呼応する、暗く濃密で和声的に豊かな音彩を展開する。タムタム、ゴング、チューブラーベル、クロタル、各種太鼓で構成される打楽器セクションは、単なるリズム機能にとどまらず、戦争がもたらす恐怖、暴力、破壊の具現化として際立っている。また本作は、レフカの夢想的なシークエンスに残響を加えたり、ソリストのプロジェクションを自然にバランスづけたりするために、電子音の要素も繊細に用いている。

マアルーフの台本は、物語が感情を反芻し引き延ばしたり繰り返したりするように思われる箇所が時に見られ、上演時間が2時間をわずかに超える程度であるにもかかわらず作品に不必要な長さを感じさせるものの、サーリアホのオーケストラの豊かさは物語のそうした停滞を補って余りある。器楽のテクスチャーは登場人物たちの傷ついた脆さの黒い鏡として機能し、恥ずべき筋書きのうねりを再現する粗暴な爆発をも免れさせない。