Teatro Real de Madrid 2026-27 Review: Riccardo Primo, Re d’Inghilterra

10月21日の夜、テアトロ・レアルでの公演は親密さに満ちた素晴らしいものとなった。ヘンデルとバロック音楽は、19世紀や20世紀のおなじみの名作とは全く異なるオペラの形を示し、美しくどこか別世界のようなイギリスの音楽と壮麗なアリア、歌声を通じてくつろぎ充電するための待ち望まれた3時間を提供した。

ヘンデルがイギリス臣民として帰化したまさにその時期である1726-27年シーズンに初演された『リッカルド・プリーモ』のあらすじには、短い政治的な注釈が必要である。イングランド王リチャード獅子心王は、難破の末にキプロス島の暴君で支配者であるイサチオの捕虜となった婚約者コスタンツァを迎えにキプロスへ向かう。イサチオ自身もコスタンツァに恋をしており、彼女をリチャードに返す代わりに、リチャードが婚約者の顔を一度も見たことがないことを利用して、自身の娘プルケリアを花嫁として差し出そうとする。しかしプルケリアにはすでにシリアのオロンテ王子という婚約者がおり、最終的に策略を暴くのはオロンテである。これらすべては第3回十字軍の時代の12世紀を舞台に展開する。

台本の計略と劇的な推進力は二重の欺瞞に基づいている。コスタンツァは難破後、ドリンダという召使いの名で身を隠し、リチャードは王としてではなく自らの使節として宮殿に現れる。そのため第1幕の後半全体は、登場人物たちが自分が実際に誰と話しているのか分からないという事実を中心に展開する。

しかしヘンデルはこの仕掛けを喜劇的効果のために用いているのではない。権力と欲望が、いかに鋭敏な人物の目をも眩ませるかを示すために用いている。ドリンダが変装したコスタンツァではないかとすでに疑っているイサチオは、花嫁をリチャードに返すと約束しながら同時に自身の娘のすり替えを準備するなど、双方を相手に立ち回りを続ける。筋書きの入り組みと作曲家の意図は、何世紀を経てもなおオペラの上演そのものに影響を与え続けているようだ。

リッカルド役としてのヒュー・カッティング

リッカルド役はカウンターテナーのヤクブ・ユゼフ・オルリンスキが歌う予定だったが、彼は初日を前にプロジェクトから降板した。10月14日のディジョンでの初日公演から、パリのフィルハーモニー、そして今回のマドリードに至るまで、同役はヒュー・カッティングが歌っている。テアトロ・レアルに登場した時点で、彼は役のデビューではなく、完全に練り上げられ徹底的にリハーサルされた解釈を携えて到着していた。

彼は完璧な輝きをもって歌い、その夜の舞台上で誰よりも多くのスタンディングオベーションを獲得した。フィオリトゥーラの繊細な装飾、バロックの装飾音、美しく自然な息遣いが披露された。彼の声は高音で透明でありながら劇的な力に満ちており、高音へと舞い上がりつつ密度のある確固とした低音域を保ち、その感情とドラマは声だけでなく表情からも読み取ることができた。リッカルド役は対比の上に成り立っている。「O vendicarmi saprò con l’armi」や「Atterrato il muro cada」といった激しい戦闘的アリアを持つ戦士であると同時に、純粋な優しさと愛を持つ人物でもある。カッティングは舞台上でこの多面的な性格を正確無比に表現し、アイヴァンホーを思わせる風貌は12世紀のイングランド王の肖像を完璧に完成させていた。

コスタンツァ役としてのメリッサ・プティ

リッカルドの愛するコスタンツァはメリッサ・プティが歌った。彼女は劇場の空間を満たすことのできる、華麗なコロラトゥーラを備えた豊かで充実した声を持っているが、この役では繊細で親密な弱音という、全く異なる一面を聴衆に見せた。その演奏は銀のようで結晶のように純粋であり、温かい琥珀色の倍音を伴い、終始技術的に極めて安定していた。この予期せぬ親密さの中で、ヒロインがソロのフラウト・トラヴェルソに乗せて死を呼ぶアリオーソ「Morte, vieni」に見られるような絶望の淵を常にさまようキャラクター、そしてソプラニーノ・リコーダーのソロを伴う最後のアリア「Il volo così fido」のように光り輝く哀歌へと花開く、コスタンツァという役の完全な強さが明らかになった。

役そのものについても触れる価値がある。このオペラにおけるコスタンツァはライバルの役柄とは異なって構築されており、派手で見せ場となるようなアリアはほとんどない。ヘンデルはこの役をフランチェスカ・クッツォーニのために書いた。彼女は機関銃のようなコロラトゥーラではなく、並外れた柔らかい響き、純粋なイントネーション、そして驚くべきピアニッシモで聴衆を惹きつける能力で称賛されていた。叙情的なアリア、悲嘆と優しさのアリアは、最小限の装飾と最大限のカンテレーナ、持続するライン、そしてレガートを要求する。プティは自身の持ち味である華やかな超絶技巧を明らかに控え、声のより抑制された側面に重きを置いた。

音楽的親密さのハイライト

ステージングや舞台装置のない演奏会形式というその夜の形態自体が、この親密さを増幅し強調した。歌手がオーケストラの前に立つとき、役の表現力はすべて声のニュアンスへと流れ込む。そして古楽器で演奏するレザール・フロリサンは、現代楽器よりも柔らかく静かな音を生み出し、全体のバランスは力任せではなく親密さに基づいて構築された。

第2幕は、リチャードとコスタンツァの真に素晴らしい二重唱「T’amo, sì; sarai tu quella」で締めくくられた。深遠で繊細、そして優美さに満ちていた。これは全曲の中でも真の頂点の一つであり、カッティングとプティの声は音色が完璧に融合し、時間が一瞬止まり、テアトロ・レアルの広大なホールが突然小さな奥部屋の広さに縮まったかのような感覚を生み出した。プティの声はその親密さと繊細な弱音において完全に開花した。