交出感官，與海同在 - PAR 表演藝術

10年前の海辺で、ゾルターン（Vakulya Zoltán）からイヤホンを手渡されたリー・ジェンウェイ（李貞葳）は、海岸沿いをゆっくりと歩き、42分間に及ぶ楽曲〈Become Ocean〉を耳に響かせ、目の前の海と一体になった。初めて聴いたとき、リー・ジェンウェイはそれを「自然をそのまま音楽にしたかのようだ」と表現し、この曲の中でどのように踊るのか、ましてや振付をするなど想像もつかなかった。

〈Become Ocean〉は、長年アラスカに定住するアメリカの現代作曲家ジョン・ルーサー・アダムズ（John Luther Adams）が2013年に発表した管弦楽の巨作であり、同曲で2014年ピューリッツァー賞音楽部門、2015年グラミー賞最優秀現代クラシック作曲賞を受賞した。総譜の序文で、アダムズはジョン・ケージ（John Cage）の詩の一節を引用し、「地球上の生命はみな海から生まれた。氷河が溶け、海面が上昇するにつれ、私たち人間は再び文字通り海になっていくという展望に直面しているのかもしれない」と記している。

【深い傾聴、耳から開く最初のコンタクト】

10年前の海辺での傾聴は、振付デュオのリー・ジェンウェイ＆ゾルターン・ヴァクーヤ（LEE\VAKULYA）の心に創作の芽を植え付けた。3年前、彼らはドイツのヘッセン州立バレエ団（Hessisches Staatsballett）芸術監督ブルーノ・ハインデリックス（Bruno Heynderickx）に、〈Become Ocean〉から得た身体感覚とインスピレーションについて語り、今回の振付・創作プロジェクトへと進展した。

ダンサーたちとの最初のクリエーションは、通常の身体の動きを展開することではなく、座って耳を開き、曲を最初から最後まで一緒に聴き通すことだった。ゾルターンは、テクノロジーが支配的な現代社会において人々の集中力と待つ力は急速に弱まっているが、〈Become Ocean〉はまさに集中と深い傾聴を強く必要とする作品であると考えた。リー・ジェンウェイがイヤホンをつけて自然が音楽になるのを感じたように、ダンサーたちがこの曲に身を完全に委ねたとき、身体と自然との距離も縮まった。

〈Become Ocean〉には明確な「ビート」がなく、ダンサーは拍子に合わせて踊るこれまでの慣性を捨て去る必要がある。「時間は感じられるが、一般的な音楽のように規則的に1、2、3拍と数えることはできず、音楽の拍を踏んで踊ることはほぼ不可能だ」とリー・ジェンウェイは言う。彼女はこれを「波をはっきりと見ることはできるが、波がどのように進み、どこまで進むのか、内部の海水がどのように動いているかを測ることはできない」状態に例える。したがって、ダンサーはあらかじめ決められた動作をこなすのではなく、互いの呼吸、重心の移動、空間を流れるエネルギーに集中しなければならない。このような独特な音楽の特性が、同名ダンス作品『Become Ocean（成為海洋）』の振付における思考の出発点となった。

【これまでの身体探索の継続、海のテクスチャーを求めて】

昨年台新芸術賞を受賞したリー・ジェンウェイ＆ゾルターン・ヴァクーヤは、それぞれ台湾とハンガリーの出身で、個と社会の関係性に焦点を当てた創作を多く手がけてきた。当初はリー・ジェンウェイが即興を好み、ゾルターンが計画性を重視しつつ、互いの膨大な対話と身体のやりとりを通じて共同創作の呼吸を見出していった。近年、彼らは「すべての要素を取り去り、それがなくなった後に何が起こるかを見る」という創作の思考を試み始めている。

彼らは「海」や「水」を言葉で定義するのではなく、直接身体で模索し、試行と観察、応答と探索を重ねる中で、このダンスのテクスチャーを見つけ出そうとした。彼らは直感的に、身体で水を模倣して流暢で滑らかな流れを見せることはしたくないと考えた。また、関節の存在を忘れ、身体を連続した途切れのない波にしようと試みたこともあった。しかし二人とも、既知の要素を取り去ったとしても、過去の創作で蓄積された身体的関係性が、依然として『Become Ocean』の振付思考の中に密かに拡張されていることに同意している。

「私たちの前作《Together Alone》が『1人の人間がどのように他者に影響を与えるか』を考えていたとすれば、『Become Ocean』は『1人の影響力がどのように拡散し、集団全体に影響を及ぼすか』に関するものです」。デュエットから12名のダンサーによる編成へと広がり、彼らは巨大な容器の中に多くの粒子を配置し、1人のダンサーの重みや押し出す力がドミノ倒しのように全ダンサーへと拡散し、集団全体の流れを変えていくプロセスに焦点を当てた。このようなテクスチャーは突然生まれたものではなく、彼らの過去から現在に至る思考の継続である。

ピューリッツァー賞の選考委員は、〈Become Ocean〉について、両極の氷河融解と海面上昇を想起させる容赦ない潮の満ち引きを示していると評した。独立した3つのグループによる楽曲がそれぞれ独自のリズムと発展の軌跡を持ち、次第に織り合わさって何度か巨大なクライマックス（ピーク）を迎え、本物の波のうねりのように展開する。

「サウンドスケープを広げて見ると、〈Become Ocean〉が非常に視覚的であることがわかります。そのため、私たちはこの構造に従って振付を行うと同時に、地図を反転させ、振付を通して別の読み解き方を提示しています」。音楽の波のような構造に呼応し、『Become Ocean』の振付は「波（wave）」のコンセプトに向けて発展した。12人のダンサーの身体が波となり、断片的な動きが水と氷の間を行き交い、集まっていく。一見すると全員がそれぞれの経路を持っているように見えながらも緊密に連結し、次第に力強い巨大な波へとまとまっていく。「この一見混沌としていながら実際には精密に組織されている状態こそが、海の姿なのです」。

二人にはそれぞれ、自分の心の中の海に最も近いと感じるパートがある。リー・ジェンウェイが選んだのは「Chaos Map」で、各ダンサーが独自の経路に沿って動きつつも互いに引き寄せ合い、波の中に同時に存在する無数の細かな波紋のようである。一方、ゾルターンが選んだのは「Peak」で、音楽が最も高揚し波の頂点に達する瞬間でありながら、ダンスは極度の静寂と静止を提示する。彼らにとって、この作品の重点は互いを観察し耳を傾けることであり、決められた動作を遂行することではない。ダンサーたちもリハーサル後に「このダンスを踊るには高度な集中力を保ち続ける必要があり、自分のステップを踊るだけでなく、常に互いを配慮し空間を与え合わなければならない。私たちはまるで共に呼吸する有機体のようだ」と感想を述べている。

【同在（ともにあること）、なることではなく】

舞台美術の瀬山陽子との作業は、振付が始まる前からスタートしていた。双方は布の構造と裁断から始め、実験を重ねながら空間の形状や相対的位置関係を変える試みを行い、振付もインスタレーションの発展に伴って柔軟に調整された。「インスタレーションは絶えず変化する存在でなければならず、同時に上部の空間とダンサーを結びつけるものでなければなりません」。

太陽のような浮遊するインスタレーションは存在感に満ちた巨大なエネルギーとなり、後方のオーケストラ、前方のフロアにいるダンサーとともにひとつの完全な「空間」を構成する。これにより、観客の視線は空間内を漂い、意識的に異なる存在の状態へと入っていく。同時に、照明もまたもう一人のダンサーのように潮の満ち引きのごとく満ちては引き、空間の雰囲気を静かに変化させる。

10年前に海辺でイヤホンをつけて歩いた時間から、今、劇場で人々の五感を包み込む42分間へ。〈Become Ocean〉が聴き手に心を静め、海の多変性と予測不能さに耳を傾けることを求めるのだとすれば、舞台作品『Become Ocean』は人々に身体を空間に委ね、水が互いの間をどのように動き、とどまり、集まって波となるかを感じさせ、そのプロセスの中で海と共にあることを体感させるものである。