Les sortilèges de l’Orchestre du Festival de Lucerne

ルツェルン・フェスティバル管弦楽団は、その創設以来、世界有数のオーケストラから集まった奏者たちで構成されています。2026年フェスティバルの開幕にあたり、この卓越した楽団は、リッカルド・シャイー、続いてクラウス・マケラの指揮のもと、驚くべき音色のパレットと精度を展開し、ストラヴィンスキーの『火の鳥』を極めて情熱的に演奏しました。

楽団員は主にアムステルダム・コンセルトヘボウ管弦楽団、バイエルン放送交響楽団、ミラノ・スカラ座管弦楽団、チューリッヒ・トーンハレ管弦楽団、マーラー・チェンバー・オーケストラなどの最高峰の団体から参加しています。また、ソリストや弦楽四重奏団のメンバー、教授として活動する奏者も含まれます。ルツェルン・フェスティバル管弦楽団のメンバーは、2003年にクラウディオ・アバドが意図した通り、卓越した才能が集う類まれな集合体です。

トスカニーニによる始まりから、アバド、シャイーへ

イタリア人指揮者であるアバドは、1938年に創設され、当初から独自のオーケストラを擁していたスイスのルツェルン・フェスティバルの歴史を再興させました。1938年8月25日、アルトゥーロ・トスカニーニは、ルツェルンの中心部から徒歩約20分のトリプシェンにあるワーグナー邸前の屋外で、「エリート・オーケストラ」を率いてガラ・コンサートを行い、フェスティバルの幕を開けました。ワーグナーの『ジークフリート牧歌』と『ニュルンベルクのマイスタージンガー』第3幕への前奏曲、ロッシーニの『絹のはしご』序曲、ベートーヴェンの交響曲第2番、モーツァルトの交響曲第40番がこの冒険の先駆けとなりました。

その後、公開録音されたいくつかの名盤が楽団の歩みを刻んできました。メニューインとフルトヴェングラーによるベートーヴェンとブラームスのヴァイオリン協奏曲（1947年、1949年）、フルトヴェングラーによるブラームスの交響曲第1番（1947年）、リパッティとカラヤンによるモーツァルトのピアノ協奏曲第21番（1950年）、そしてアバドによる数多くのコンサート（2003年のマーラー交響曲第2番、2013年のブルックナー交響曲第9番など）、シャイーによるストラヴィンスキー・プログラム（2017年の『春の祭典』と世界初演となった『葬送の歌』作品5）などが挙げられます。

これらに加え、アバドやシャイーの映像作品や、レーベル「Audite」と協力してフェスティバルが定期的に公開しているアーカイブ音源があります。今年公開されたのは、1954年に録音されたアンドレ・クリュイタンス指揮、フランクの交響曲ニ短調と、イゴール・オイストラフ独奏によるハチャトゥリアンのヴァイオリン協奏曲を収録したディスクです。

フェスティバルのアンバサダーとしてのオーケストラ

2014年のクラウディオ・アバドの逝去後、リッカルド・シャイーがルツェルン・フェスティバル管弦楽団の音楽監督に任命され、その任期は最近2028年まで延長されました。フェスティバルのアイデンティティを象徴するこのアンサンブルが、ベルリン、ミュンヘン、ウィーン、アムステルダム、あるいはアメリカから訪れる世界最高峰のオーケストラと共演する前に、毎年新しいフェスティバルの開幕を飾るのは論理的な帰結です。

2026年はアメリカに注目

近年はやや保守的だったルツェルン・フェスティバル管弦楽団のプログラムですが、今年はフェスティバルの新ディレクター、セバスチャン・ノルトマンが選んだテーマ「アメリカン・ドリーム」により、より独創的な色彩を帯びています。開幕ではスティーヴ・ライヒ、ジョージ・ガーシュウィン、チャールズ・アイヴズが星条旗を掲げました。ニーナ・ハウグが11本のクラリネットのための版でライヒの『ニューヨーク・カウンターポイント』を指揮し、その後、リッカルド・シャイーがガーシュウィンの『キューバ序曲』を広がりと響き豊かに指揮し、続いてフランク・デュプリーの独奏でピアノ協奏曲を演奏しました。

イタリアの巨匠は、いつものように音の密度を軽くし、テクスチャーの透明感とリズムの活力を追求しましたが、時折柔軟性に欠ける印象もありました。対照的に、ジャズや20世紀音楽に精通したドイツのピアニスト、デュプリーは、楽器をスウィングさせ、千変万化の色彩で彩る柔軟性を見せました。シャイーは、ブラームス、ドヴォルザーク、チャイコフスキーの残響が交錯し、後の喜ばしい音響実験を予感させる、ポスト・ロマン派の気配が残る若きチャールズ・アイヴズの交響曲第1番において、より本領を発揮しました。

この最初の接触から、ルツェルン・フェスティバル管弦楽団は、音響設計の明瞭さ、各パートの強い個性（ジャック・ズーンの木製フルート、アレッサンドロ・カルボナーレのクラリネット、イヴォ・ガスのホルン、ラインホルト・フリードリヒとセバスチャン・ベルナーのトランペット）、そしてアンサンブル全体の柔軟性とリズムのしなやかさという強みを改めて示しました。

クラウス・マケラとの忘れがたい『火の鳥』

これらの資質は、クラウス・マケラが指揮した次のコンサートで最大限に発揮されました。サミュエル・バーバーのヴァイオリン協奏曲では、オーガスティン・ハーデリッヒが狂気的な気品と蜜のような音色で独奏し、指揮者も過度な演出を避けました。マケラとオーケストラが真に輝いたのは、ストラヴィンスキーのバレエ音楽『火の鳥』のオリジナル全曲版でした。マケラは、ストラヴィンスキーが巨大なオーケストラを、物語の枠組みを構築し、ドラマチックな緊張感を高めるために、しばしば声を潜めて語らせていることを深く理解していました。

静かに語られる「昔々」から、終盤の陶酔的なアポテオーズに至るまで、若きフィンランド人指揮者と楽団員たちは、ニュアンスを大切にし、フレーズを形作り、音の層を変化させることで、登場人物（ツァレーヴィチ、魔法の鳥、邪悪なカスチェイ、囚われの王女たちなど）を特徴づけ、物語を活性化させました。バクストやゴロヴィンのパレットを借りたルツェルン・フェスティバル管弦楽団は、決して酸味のない、きらめく色彩の宝庫を、稀に見る気品ある身のこなしで提供しました。