Visionaries: Robbins and MacMillan

ロイヤル・バレエ＆オペラ、ロンドン

2026年11月9日

「先見の明がある人（ビジョナリー）」。ケンブリッジ英英辞書によれば「物事が将来どのように発展するかを想像する能力を持つ人」のことである。もちろん文脈は極めて重要である。先見の明があるかどうかは、ある程度は時代や場所にも左右される。そうであるにしても、今回のロイヤル・バレエ団の2本立て公演のタイトルに示されているように、その形容がジェローム・ロビンスとケネス・マクミランの双方に等しく当てはまるかどうかは疑問の余地がある。しかし、仮にロビンスがそうであったとしても確かなのは、『ダンシズ・アット・ア・ギャザリング』が先見の明に満ちたダンス作品ではないということだ。

否定できないのは、ロビンスのこのバレエには、非常に心地よい音楽に合わせた非常に心地よいダンスがふんだんにあるということだ。特に女性向けのシンプルで軽やかなドレスをはじめとする心地よい衣装もある。そして今回の公演では、素晴らしい踊りも数多く見られた。

男性5名、女性5名のキャストは、レオナルド・ピエルドメニコが見事に演奏するショパンの18のピアノ小品で構成されたスコアの合間や演奏中に出入りを繰り返す。その中でも、アプリコット色の衣装のアナ・ローズ・オサリヴァンとピンク色のヤスミン・ナグディの2人の女性がひときわ際立っていた。特にオサリヴァンは輝いていた。全体的に柔らかく叙情的な彼女は、登場するたびにその気品と自由さでバレエ全体を明るくしているようだった。男性陣の中では、いくつかのデュエットの要となったリース・クラークが際立っていた。彼のパートナーシップは申し分なかった。

ダンスはショパンの音楽に実によく合っている。時に繊細で優しく、別の箇所では明るく開放的だ。ちょっとしたユーモアの瞬間もある。東欧の民族舞踊の動きがクラシックの振付に継ぎ目なく織り込まれており、選曲の大部分がマズルカである前半において特に顕著である。

『ダンシズ・アット・ア・ギャザリング』は動きのスタイルこそ異なるかもしれないが、音楽、雰囲気、構成の面において、ホセ・リモンの『マズルカ』との共通点を見出さずにはいられない。『ダンシズ』の11年前に作られ、最近リモン・ダンス・カンパニーによって数十年ぶりに完全復活上演された『マズルカ』について、リモンは1950年代のポーランドという時代と場所を反映したものであり細かな物語に満ちていると公言していたが、ロビンスは自身の作品には物語はないと言い張っていた。

ロビンスはそう捉えていたのかもしれないが、それがバランシンの「舞台上に男性と女性を1人ずつ置けばそこにはすでに物語があり、男性1人と女性2人なら筋書き（プロット）になる」という見解とどのように合致するのかは判然としない。それは『ダンシズ』の中で常に起きていることであり、ダンスの背後に何かが存在するように思える瞬間がある。とりわけ、次第に激しさを増していくナグディとマルセリーノ・サンベによるパ・ド・ドゥはその最たる例だ。視線や一瞥だけであっても、そうした瞬間はほかにもある。もっとも、他のバレエ団による別の上演ではさらに多くのものが見出せた。

このバレエは、もはや存在しない世界を見ているかのようだ。おそらく、もともと存在しなかった世界だろう。すべてが甘美で、誰もが仲良くし、誰も怒らない場所。個々の踊りは美しく、ほとんどはかなり崇高だ。しかし、少々長く続く。伝えられるところによれば、ロビンスはもっと短くするつもりだったが、バランシンの励ましによって現在のような規模に拡大したという。しかし、多ければ常に良いというわけではない。そして残念ながら、『ダンシズ・アット・ア・ギャザリング』は遅すぎる幕切れよりもかなり前から退屈し始めてしまう。

同じく1960年代に制作されたケネス・マクミランの『大地の歌』は、異なる惑星どころか、まったく別の宇宙からやってきたかのようだ。

この作品が提案された当時、あまりに先進的であったため、マーラーの交響歌曲『大地の歌』にバレエを振り付けるという彼のアイデアを受け入れられなかったロイヤル・オペラ・ハウスの理解を完全に超えていた。このような壮大な音楽をダンスで汚すことなど到底受け入れられないと彼らは考えたのだ。公平に言えば、観客を惹きつけるようなものには聞こえなかったのかもしれない。そのため、彼は偉大な友人であるジョン・クランコが率いるシュトゥットガルトの急成長中のバレエ団のために制作した。その成功を受け、その6カ月後にコヴェント・ガーデンは手のひらを返し、ロイヤル・バレエ団向けに上演するよう彼を招聘した。それ以来、本作はレパートリーとして定着している。

マーラーの楽曲は、美、無常、死といったテーマの中で多様な解釈が可能な作品の一つであり、マクミランはそのすべてを驚くほど力強い振付で捉えている。

何もない素舞台の上で、ダンサーたちと歌手のベス・テイラー、ジョン・フィンドンが、歌曲の大まかな下敷きとなっている8世紀の唐代の詩に対するマクミランの解釈を生き生きと表現し、傑出したキャスト陣が濃密なパフォーマンスを披露した。

マクミランのモダニズム的な振付は無駄を削ぎ落としながらも気品と情熱、愛と悲しみに満ちており、そのすべてを仮面を着けたウィリアム・ブレイスウェル演じる死の使者という、絶えず存在する不気味な存在がつけ狙う。もっとも、たとえ死が不可避であるとしても、その役名は実際の意味よりも不吉に聞こえる。死という出来事は人間の存在、あるいは誕生と同じように人間の再生の自然な一部であることは、この役のオリジナルのドイツ語名である「Der Ewige（永遠の存在）」において強調されている。

「男」役のパトリシオ・レヴェは威厳をもって踊り、特に冒頭の歌曲におけるあらゆる喜びと、その後の苦悩を見事に表現した。

しかし、この公演の主役は「女」役のマリアネラ・ヌニェスであった。彼女はまるで自分が考案したかのように、振付と作品の意味を理解しているように見えた。第2曲で最初に登場したときには孤立した存在であった彼女は、バレエ全体のほぼ半分を占める最後の歌曲でついに男性と結ばれるが、死が彼を奪い去ってしまう。喪失を表現する彼女のソロ、そしてその後に若い仲間たちの間をさまよう姿は酷く心を打つものだった。そのソロは、目に見えない何かに駆り立てられたかのような、ポワントによる素早く細かな走るステップ（パ・コリュ）で締めくくられる。

そのほかでは、若者たちが人生を楽しむ様子が描かれるバレエ中で最も軽快な第3曲「青春について」において、前田紗江が魅力的な踊りを見せた。だが、楽しんではいけない理由があるだろうか。行く手に何が待ち受けているかを痛感していたとしても、今を生きることには大いに価値がある。

バレエは美しく終わる。主役の3人が観客に向かって歩み寄り、ダンス、音楽、歌のすべてが生と死の間に完璧に位置づけられる。そして私たちは戻ってくる